Purgatorio crítico

¡Ejem!

2008-11-29T11:12:00.002+01:00

P.D.: No olviden pasarse por 'Purgatorio crítico' en fin de año: como broche de oro, tendremos una selección con lo mejor y peor del año, no solo en lo que a películas se refiere.

Mi plan para el Día de los Difuntos

2008-10-31T19:56:00.008+01:00

Las mujeres son un arma de doble filo. Ni fantasmas, ni vampiros, ni zombies ni pollas. No hay cosa en la vida que dé más miedo que ellas, principalmente cuando hablamos de poder. Si no, explíquenme cómo es posible que un tipo que, hasta hace poco tiempo, se deleitaba con la última de Ferrell al grito de la pegadiza "¡Barcos y putas! ¡Barcos y putas! ¡Quiero tener muchos barcos y putas!", se empapaba un libraco de 'golems' judíos, leía cómics de este tío y escuchaba con dos cojones -y a todo meter- canciones de Leño, sufra en sus propias carnes un giro del destino tan imposible como el de estar apunto de pagar dinero para ver High School Musical 3, enésimo éxito de la Disney, que se ha conseguido situar como el musical más visto de la historia en su primer fin de semana, aun contando con todos los detractores del mundo.

No tengo nada que ofrecer con este 'post', busquen lo que busquen, a lectores asiduos, 'bloggeros' y demás calaña que el Día de los Difuntos decide sumergirse en el mismo purgatorio no sé si tratando de encontrar una reseña de El niño con el pijama de rayas o quizás un cierrre definitivo que, de una puñetera vez, logre que deje de decir tonterías y de tratar de comunicarme a través de textos irrelevantes con algún pirado que concuerde en mis cada vez más descabelladas ideas cinéfilas, a veces tan pesadas de justificar y explicar que lo mejor es echarse a dormir. Justo lo que voy a hacer ahora, dormir la siesta. En un rato vengo.

Lo que quería decir principalmente era que, si quieren, pueden dejar de leer este artículo, porque no voy a solucinarles nada. Ni es una crítica, ni es una opinión, ni tampoco es, aunque lo parezca, una bizarrísima autobiografía. No sé ni lo que estoy escribiendo, todos estamos perdiendo el tiempo considerablemente con estas líneas, quizás motivados por la satisfacción que proporciona el consumo desporporcionado de algo tan vacío como la nada, que llena una barbaridad. Bien, tras esto, redondeémos el desastre volviendo al tema inicial. High School Musical mola. Es un triunfo de la no innovación, una repetición de la fórmula Disney, con el subtexto de "poder ser lo que uno quiera ser", que bebe muchísimo de otros musicales y ni siquiera se molesta en actualizar antiguos clichés, mostrándose tan recatada en aspectos carnales como siempre ha sido la factoría de Mickey Mouse. Hay mucho amor, muchas canciones y muchas cosas bonitas sobre "volar juntos" y todo ese cisco, pero su sexualidad se resume, como mucho, y echándole bastante imaginación, en alguna que otra escena en las duchas del equipo de baloncesto después de un entrenamiento, y no precisamente al estilo de la secuencia inicial de Carrie, ni muchísimo menos. No hay apenas nada más allá de la pantalla -incluso Dirty Dancing evocaba más cosas-, pero, como decía algún que otro párrafo antes, la vacía nada llena mucho. No estamos, esta vez, ante un lleno equiparable a la sensación que, estomacalmente hablando, produce el consumo de una grasienta hamburguesa con doble de queso y esputo -algo que, tal vez, se correspondiera más con entretenimientos prefabricados del tipo 300, donde uno no sabe si, escuchando sus súplicas, le están dando más dosis de violencia o en realidad se le está tomando el pelo-, sino ante la misma sensación que despierta una obra de teatro del tres al cuarto donde un grupo de actores cualquiera representa una obra medianamente aceptable y, una vez se echa el telón, hasta el apuntador se levanta para aplaudir durante varios minutos, ante los ojos emocionados de todos y cada uno de los interventores. Justo en ese instante -¡y solo ahí!- se respira algo que, en realidad, no deja de ser lo mismo de siempre, maquillado por un haz de luz y color que consigue que, por varios segundos, uno se olvide de estar formando parte de la misma mierda y se apegue a un ficticio arco iris pobre pero eficazmente improvisado. Y no es nada. Con High School Musical ocurre eso mismo: ningún espectador puede creerse uno solo de los armoniosos y muy felices diálogos de los protagonistas ni de los presumiblemente caricaturescos antagonistas, pero entre tanto hay muchos bailes, coreografías muy conseguidas, decorados de ensueño y pelotas de baloncesto botadas con mucho ritmo. No sé qué más quieren, eso es el cine de evasión. Y si les repugna la manera que tiene Disney de tratar un reparto compuesto por 'sex-symbols', siempre pueden buscar a Vanessa Hudgens desnuda por Internet. Yo lo he hecho.

En fin, ya volveré a mis cabales, de momento esto es todo -o nada de- lo que puedo ofreceros. Cuando sea, escribiré cuatro cosas sobre Camino y alguna más. Perdón por la absurdez, Jaime Lorite pronto volverá a ponerse el chubasquero de David Dunn y las aguas volverán a su cauce, frase hecha que me da mal rollo utilizar tras leerme las Coplas a la muerte... de un tal Manrique (uno, que va al instituto y tiene que hacer ciertos esfuerzos): "Nuestras vidas son los ríos/ que van a dar en la mar/ que es el morir;/ allí van los señoríos/ derechos a se acabar/ y consumir;/ allí los ríos caudales,/ allí los otros, medianos/ y más chicos,/ allegados son iguales/ los que viven por sus manos/ y los ricos".

Parafernalia

2008-10-19T19:32:00.013+02:00

Vamos a cargarnos varios pájaros de un tiro. Antes de empezar con las cuatro breves comentarios (sí, cuatro) sobre alguno de los títulos más interesantes, en apariencia, estrenados en las últimas semanas, aquí les dejo el cortometraje rodado por mi profesor y demás miembros de la Escuela de Cine, toda una curiosidad. Su duración no llega a los seis minutos y es de todo menos aburrido, así que no teman perder un poco el tiempo pinchando en el enlace, que la cosa merece la pena.

Después de esto, saltémonos un poco la tradicional parrafada que corresponde antes de toda reseña y vayamos al grano, que hoy, encima, neutralizo títulos de algunas de las últimas semanas de estrenos, y eso es de todo menos sencillo. Me gustaría hablar de más películas, pero el tiempo es oro.

Jason Statham no defrauda a sus seguidores y, tras el ligero paréntesis que supuso The Bank Job -inédita en España, aún-, el carismático protagonista de la saga Transporter (en breve, una trilogía) vuelve a las andadas con Death Race, espectacular 'remake' de una joyita 'cormaniana' sin el menor desperdicio. Pese a su excelente campaña publicitaria, con la mítica 'Welcome to the Jungle' de fondo, así como el tirón de su actor protagonista para estas producciones, la película se ha estrellado en Estados Unidos aun contando con un presupuesto no excesivamente abultado, que ha recuperado en el resto del mundo, no sin ciertas dificultades. Y la verdad es que es un resultado algo injusto, teniendo en cuenta que se trata, entre otras cosas, de la mejor película de Paul W.S. Anderson en años, y de uno de los llamados "productos de consumo fácil" con más enjundia estrenados esta temporada.

Olvídense de Resident Evil, Alien vs. Predator y demás lindezas: pese a los sospechosos precedentes de su máximo responsable, Death Race es uno de los títulos más vibrantes estrenados a lo largo de este año, mucho más efectivo que gran parte de los (pobres) 'blockbusters' que hemos tenido ocasión de disfrutar este verano, que ha tenido la suerte de contar con un gran material de partida y un realizador al que le pierde el espectáculo. Aquí todo está muy dosificado: el guión se ha cuidado lo suficiente para mantener cierta parte del espíritu crítico, reivindicativo y puramente antisistema de la destacable La carrera de la muerte del año 2000, aunque sin renegar, en ningún momento, de una presumible honestidad que se advierte con solo ver quién anda metido en el reparto. Así pues, Death Race jamás deja de ser otra película de mamporros de Jason Statham, aunque esta vez haya más explosiones de por medio y menos artes marciales. Los amantes del género encontrarán aquí un agradecido oasis, entre tanta marea de producciones PG-13 y artefactos a cámara lenta.

Pasemos a otro buen 'remake', esta vez de la mano del especialista Alexandre Aja, que ya lavó la cara hace un par de años al clásico de Wes Craven Las colinas tienen ojos. Esta vez, el francés echa mano de otro título de terror asiático (en este caso, surcoreano), como ya viene siendo habitual en Estados Unidos, del que toma algunas premisas argumentales y poco más. Así pues, Reflejos no es, ni muchísimo menos, un calco de la decente El otro lado del espejo (conocida en muchos círculos, simplemente, como Into the Mirror), sino una adaptación a la que se le priva de toda función alegórica y se le aplica la parafernalia de siempre, cosa que funciona sorprendentemente bien. Esto es debido, en lo principal, a que Aja es un excelente director que sabe darle el perfecto empaque a una propuesta que, en manos de otro, jamás habría cruzado la barrera de lo discreto. El 'remake', aunque nunca parezca tener como modelo el título que adapta, no tiene nada de original, pero el guión tiene mucha garra y la historia está presentada estupendamente, partiendo de una escena inicial sobrecogedora y, como no podía ser de otra forma, con la imprescindible casquería de Aja.

La subtrama de los críos es el mayor achaque de la película, pero, por lo demás, Reflejos es condenadamente entretenida, de principio a fin. Desde su sobrecogedora secuencia inicial, pasando por unos trabajados títulos de crédiotos en los que ya se empieza a jugar con la idea principal, hasta su inteligente desenlace, el 'remake' de Aja se disfruta bastante bien, logrando por momentos superar a su embarullado deudor, y resultando, sin problemas y pese a los tópicos y abuso de "lugares comunes" del cine de terror, igual de efectiva que la sorprendente Las colinas tienen ojos, donde ya ganó por puntos al Craven de los setenta. Su significa falta de pretensiones que ya de por sí le otorgan una extraña y quizás acertada apariencia de cinta liviana de evasión consigue que se antoje algo más simpática que otras producciones de, en teoría, mayor índole. El resto lo hace un protagonista con el carisma suficiente para llevar buena parte del peso de la película, Kiefer Sutherland, si bien es cierto que su escasa variedad de registros no ayuda a olvidar, en absoluto, al Jack Bauer de 24. En definitiva, una entretenidísimo y muy bien dirigido filme de horror que, aun sin haber contado con el apoyo de la crítica ni del público, probablemente acabe viéndose reivindicado en cuestión de años.

Pese al interés despertado en su primera semana de exhibición, una película que sí parece condenada al olvido es La conspiración del pánico, extraña traducción española de Eagle Eye, que pese al halo de misterio con el que ha contado para su campaña publicitaria y el prometedor material promocional que le otorgaba cierto carácter de 'blockbuster' tardío, la película no es más que un desapasionado compendio de títulos muchísimos mejores, que parece empeñado en ser una celebración del concepto de "cine de acción" que aproximadamente una década atrás instaurara Michael Bay, pero sin el sentido del espectáculo descabellado del director de Armageddon. Aquí tenemos tras las cámaras a D.J. Caruso, hombre que ya sorprendió en taquilla el año pasado con la, no obstante, discreta Disturbia, también con el protagonismo de Shia LaBeouf, chico de moda en Hollywood que ha visto como su, hasta ahora, imparable carrera se detiene ligeramente ante las correctas aunque insatisfactorias cifras de su nuevo film, por debajo de las esperadas. El esquema es similar al que triunfó el pasado año con la notable Transformers: actor en plena ascensión dentro del 'star system' (LaBeouf), director sin demasiadas intenciones artísticas y Spielberg dando ideas para el resultado final -y, en este caso, ingeniando también la historia original-.

El problema no está en que la propuesta no tenga ni pies ni cabeza -disparates mayores han funcionado mejor-, sino en que ni Caruso ni sus guionistas han sabido sacarle partido a una idea con cierto interés, pese a haberse tratado ya en multitud de ocasiones. El director no parece saber exactamente si está emulando a Bay o al propio Spielberg, o si en realidad está homenajeando a Hitchcock. En cualquier caso, nada de ello le sale a derechas: La conspiración del pánico resulta un poco inspirado "todo vale" que, en lugar de contra con una estructura narrativa respetable, únicamente acumula una serie de completos despropósitos que alcanzan su cima en la alucinante persecución en el aeropuerto y su inenarrable conclusión (la caja). Al final, la verdadera sorpresa de este aparatoso artefacto de, al fin y al cabo, entretenimiento no reside en la identidad del antagonista ni nada por el estilo, sino en los títulos de crédito: ¡cinco guionistas! ¡Cinco!

Ante estar repetición de clichés, resulta lógico que el público se aburra y prefiera escoger propuestas con burlan a golpe de ingenio los más manidos tópicos cinematográficos, sobre todo cuando detrás de esos dardos envenenados se encuentran dos de los guionistas más ácidos de Hollywood, Joel y Ethan Coen. Quemar después de leer completa la trilogía imaginaria que vincula a los Coen con George Clooney -bautizada por este último como "la trilogía de los idiotas"-, iniciada hace varios años con O Brother!, cuyo testigo recogió la divertida Crueldad intolerable. Sin conseguir situarse siquiera entre las mejores comedias de sus autores, Quemar después de leer es otro gran ejemplo de sátira elaborada a golpe de ingenio, brillantemente escrita y plagada de subtramas muy bien hilvanadas que acaban interconectándose del modo más disparatado posible. Nada ha cambiado, aunque los Coen se llevarán el gato al agua en la última edición de los Oscar gracias a la espéndida No es país para viejos, o Brad Pitt llevara una temporada encarrilando uno tras otro proyectos como Babel o El asesinato de Jesse James.

La película, cuentan sus responsables, fue creada en torno a John Malkovich, actor con el que nunca habían trabajado, cuyo personaje se elaboró a su medida. Así pues, inspirándose en la novela Burn Before Reading, del antiguo jefe de la CIA Stansfield Turner, los hermanos Coen hacen una radriografía no ya de la mencionada CIA, sino de los ridículos movimientos que se pueden llegar a producir en torno a un acto estúpido. No tenemos el tradicional monólogo inicial de toda película 'coeniana', pero tenemos una hilarantísima conclusión entre dos de los personajes sencundarios que, poco a poco, tratan de encontrarle algún sentido a la serie de hechos ocurridos durante la acción. No es una película accesible (mis acompañantes se aburrieron...) ni está destinada al consumo fácil pese a su promoción, más propia de una cualquier comedia al uso, pero los seguidores de los hermanos Coen no saldrán decepcionados de una propuesta que no es Barton Fink... pero tampoco es Ladykillers.

Hecatombe, caos, lo mismo da

2008-10-08T17:01:00.015+02:00

Mientras el blog se sumerge en el caos del título -que no va por ahí, pero se puede aplicar maravillosamente al contexto-, supongo que será muy de agradecer que cuente, a modo reducido, qué tal van las cosas en las que me ocupo mientras me despreocupo de la bitácora. Realmente, no hay mucho que contar: aunque pensé que en cada uno de los presuntamente semanales 'post' podría comenzar con alguna batallita sobre mi emocionante vida, todo parece estar envuelto, desde hace ya un tiempo, en una normalidad insultante. Han pasado ya unas semanas desde que comencé el instituto y no ha ocurrido nada significativo, después de una primera toma de contacto con Filosofía 'destroyer' en la que ya se nos cuestionó cuál era el sentido de la vida -así, para romper el hielo-, y unas doce espectaculares clases de Historia en las que el profesor se ha encargado, entre otras cosas, de lapidar de una puñetera vez a Pío Moa y César Vidal, algo que era humanamente necesario.

Entre tanto, independientemente de todo y con tan solo dos compañeros más (eran tres, pero al parecer uno se ha rajado), he iniciado mis labores por sacar algún provecho a lo único que se me da medio bien o que, al menos, me gusta, llendo a la Escuela de Cine, algo que está funcionando como un "in-crescendo": tras una primera clase que no prometía nada bueno, en la que el profesor declaró pasión por Medem o Godard, se cargó Titanic y confesó no soportar la alucinante y muy sugerente Trainspotting, la cosa ha ido mejorando y, aunque me pierda habitualmente -¡qué traicioneros son los ángulos!- y sea todo muy técnico, se podría decir que promete bastante. Hubo alguno que me pidió que fuera comentando los truquitos que aprendiera por ahí -algunos muy curiosos, por cierto-, pero ¿no dicen que un mago jamás revela sus secretos? Pues eso.

Y, para cerrar esta introducción realizada con la (frustrada) intención de situar al héroe en escena, les anuncio que un servidor ha sumado un año más al casillero y ya van 16 primaveras, algo que obvié mencionar y que, por supuesto, es completamente irrelevante. Pasemos a lo que interesa: los estrenos. Pero los de hace dos semanas, que ando con un retraso de tres pares de cojones, y en breve se intentará actualizar más, que el síndrome post-vacacional es muy, muy malo.

Existe cierta unanimidad con respecto a Tropic Thunder, y eso, para tratarse de un trabajo de Stiller, es algo que me preocupa. Pongámonos en situación: hace algo más de una década, el popular protagonista de Los padres de ella estrenaba en cines The Cable Guy, protagonizada por el incombustible Jim Carrey, que alcanzó tal fracaso crítico que, pasados los años, solo temerarios como el que esto escribe nos atrevemos a reivindicar la locura de una propuesta sin precedentes. Tiempo después, Stiller volvió con Zoolander, que de nuevo cosechó críticas de todo tipo, con la única diferencia de que acabaría convirtiéndose en casi una cinta de culto, al menos dentro del género. Con Tropic Thunder alcanzando estupendas valoraciones de grandes medios de comunicación, cabía intuir que, al menos, una cosa había cambiado desde el estreno de cualquiera de esas películas: o bien la crítica, o bien el propio Stiller. Sorprendentemente, el director, actor y todo lo que se le eche, sigue siendo muy fiel a sí mismo con una comedia que lleva al límite la insensatez de sus trabajos anteriores, permitiéndose lujos como el de tener un presupuesto en torno a los 100 millones de dólares -el mismo con el que ha contado, para que se hagan una idea, la imposible adaptación de Dragonball que está produciendo la Fox-.

Tropic Thunder, en principio, está planteada como una ácida sátira del cine bélico norteamericano y acaba omitiendo la apostilla de "bélico" para desmontar todo Hollywood, sus formas y las frivolidades de alguno de sus nombres por excelencia, aunque para ello tenga que contar, muy acertadamente, con miembros del 'star system' como Tom Cruise, en su mejor actuación desde hace lustros. Pese a sus consabidas irregularidades, muy típicas en Stiller, probablemente hablemos de una de los pocas comedias prácticamente redondas estrenadas este año, eficaz de principio a fin, y todo gracias a un guión muy bien elaborado por Justin Theroux -elegido para escribir la secuela de Iron Man tras su trabajo en esta película- y a un grupo de actores con muchísimo talento, incluyendo los impagables cameos. ¿Hartos de la pesada censura impuesta por Hollywood y el cuidado puesto en el lío de la calificación por edades? Tropic Thunder ofrece los diálogos que usted siempre quiso escuchar en una sala de cine y nunca le dejaron, así como un merecidísimo encumbramiento al llamado "negro de la película", personaje bastante recurrente en multitud de producciones, marcado siempre por las mismas pautas y que, ironías de la vida, ha tenido que ser definitivamente inmortalizado por un blanco: Robert Downey, Jr., inmenso en su soberana creación. Si lugar a dudas, una de las mejores películas de la temporada.

De algo parecido se podría haber hablado respecto a Babylon, de no ser por el martirio al que se ha visto sometida por ciertos productores. Aunque en principio se habló de que llegaría a Europa con el metraje extra eliminado en contra de los deseos del director, el hundimiento taquillero de la película en Estados Unidos parece haber motivado a la Fox ha acortar su metraje en todo el mundo, dejando las casi tres horas originales en una escueta hora y media. Por razones como esta y otras tantas, la buena idea que presenta Babylon no termina de funcionar. Kassovitz, su director, apunta maneras, pero se le ve algo desorientado en un proyecto que pedía una complejidad mucho mayor a la empleada, al menos, en la versión exhibida en cines. Tiene algunas imágenes poderosas (el primer "viaje" de Vin Diesel en coche) y destellos de buena ciencia-ficción, pero el resultado se antoja insuficiente, previsible y quizá algo tedioso.

Al final, Babylon resulta una película más de su protagonista, ocasionalmente divertida pero sin garra. Posee ciertos momentos conseguidos o, al menos, hechos con cierto talento, pero las circunstancias impiden que se llegue a más, mostrándose de lo más liviana dentro de la ciencia-ficción, y sin demasiadas cosas que contar ni aportar, sobre todo cuando ya hemos visto títulos como la muy superior Hijos de los hombres, de premisa parecida y también ambientada en un futuro, cuanto menos, apocalíptico. No se trata de una película tan horrible como se ha ido comentando -y aberrando- por ahí, pero obviamente está muy por debajo de las posibilidades de una historia que se merecía, en definitiva, otra cosa que la ofrecida por Kassovitz o por sus productores.

Bastante peor es el caso de Passengers, a pesar de que en esta no se ha echado a perder gran cosa, viendo el poco inspirado punto de partida de una película dirigida por el otrora prometedor Rodrigo García, hijo del novelista Gabriel García Márquez. Aunque Cosas que diría con solo mirarla tenía detalles bastante interesantes tratándose de un debut, García siguió haciendo más de lo mismo con Nueve vidas, insistiendo en la ya muy pesada idea de entrelazar diferentes historias y conectar finalmente a sus personajes, demostrando a su vez haber heredado buena parte del legado de su padre, especialmente en lo negativo, por la densidad de sus guiones y el excesivo retrato de sus personajes, demasiado elaborado y más bien plomizo. Después del inmerecido batacazo de la serie Seis grados, que mantenía exactamente la misma idea que las otras dos películas, aunque esta vez bajo el sabio amparo de J.J. Abrams, García se pasa al cine comercial, y la verdad es que el cambio no le ha sentado nada bien.

Passengers es una extraña mezcla entre el cine dramático de personajes y la intriga, cuyo problema principal radica, aparte de en lo insulso de su historia, en sus serias dificultades para mantener al espectador atento durante un metraje no muy extenso que, sin embargo, acaba por resultar excesivo. Si bien en su inicio todo parece apuntar hacia algo más digno, García pierde el rumbo completamente, demostrando que el ritmo nunca ha sido su mejor aliado, y llenando el guión de situaciones de relleno que aportan poco o nada a la historia, así como un halo de misterio bastante ridículo que, en la mayoría de las ocasiones, levanta indiferencia por encima de todo desconcierto. Resbalón del director y todo un trasìés para su actriz principal, Anne Hathaway, últimamente metida en producciones de peso 'hollywoodienses'. Lástima, también, que un buen actor como David Morse no pueda optar a mejores papeles y tenga que estar condenado a hacer el ridículo en títulos tan olvidables. La guinda al pastel: un final efectista, presuntamente de sorpresa, que, en lugar de conseguir llevar el producto hacia cotas más altas, lo único que hace es terminar de hundirlo. Una pérdida de tiempo, y a su vez el entierro creativo de un "cineasta" que apuntaba maneras y se ha quedando estancado en lo mismo. O peor.

Y, de repente, los fuegos artificiales

2008-09-24T20:07:00.006+02:00

Tiempo de ferias. No me divierten tanto, la verdad. Antes se podía ir tranquilamente por donde te saliera de los mismísimos, pero ahora está todo apestado de gente, por la noche mayoritariamente "canis", de esos que, como las tribus indígenas, llevan su gorra tan alta como su rango dicta. Ahora, a tíos raros -o de pinta estrambótica- como nosotros solo nos queda hacer botellón en los jardines mientras blasfemamos y, hasta hace poco, podíamos asistir a los conciertos del grupo de rock que viniera gratis. Sin embargo, este año, en vista del escaso entusiasmo que causan dichas bandas por estos lares, el Ayuntamiento no ha traído ni siquiera a Medina Azahara, que ya han venido unas cuantas veces. Así pues, el pasado viernes, después de un desapasionado pregón y un montonazo de fuegos artificiales, estuve con unos amigos tragándome a Jarabe de Palo (los del 'Depende' y 'La flaca') y, aunque es un grupo que me cae simpático, llegué a la conclusión de que no deben de calentarse mucho la cabeza componiendo. ¡Si todas sus canciones son idénticas!

Lo demás, poca historia. Me cansé y no asistí tanto como otros años. Únicamente fui de nuevo un bonito y caluroso mediodía a las cañas y me despedí para acabar regresando, no muy convencido, el último día oficial para ver a una banda a la que me arrastraron, unos argentinos que llevaban un puñado de tiempo girando por todo el mundo, Dios Salve a la Reina, que se dedican a homenajear a Queen imitando su estética y verisonando con la mayor fidelidad posible sus clásicos. ¡El caso es que estuvieron enormes! Mientras en la otra plaza, en ese mismo instante, el payasete de moda en el mundo del rap, Porta, salía escopetado ante el hostil recibimiento de un público no muy entusiasmado con la idea de escuchar bobaliconadas, un puñado de privilegiados asistíamos a uno de los más interesantes espectáculos musicales vistos por aquí en mucho tiempo. Se dieron cita todos los grandes clásicos, incluso 'Radio Ga Ga', aunque tal vez se echara de menos 'Don't stop me now'. El único punto negativo: la frialdad y brevedad del asunto, y el hecho de que los integrantes, canciones aparte, se mostraron algo distantes con el público.

Buena alternativa a las ferias y a escribir en este blog -lo sé, la cosa se está volviendo desastrosa, no hace falta insistir en ello- es la misma que proponemos los de siempre: camuflarnos en la oscuridad de una sala de cine. Recientemente -más bien hace un par de semanas-, tuve ocasión de ver Wanted, y, para mi sorpresa, se trata de una notablísima película de acción. Obviando que no existe mucha fidelidad con respecto al cómic -elemento bastante lógico teniendo en cuenta que su concepción fue paralela-, la película logra enganchar desde sus primeros compases hasta su necesariamente descabellado final.

Bekmambetov, padre del no especialmente aplaudido díptico de Guardianes..., cimenta su sólido entretenimiento sobre el "todo vale", regalándonos, entre tanto, piruetas imposibles, secuencias a cámara lenta, balas que van y vienen y, en definitiva, un espectáculo desmedido que entusiasma. Con reconocibles ecos de Matrix y Fight Club, sus guionistas no parecen tener miedo a la hora de hablar en voz alta de rebeldía y de lucha, embutiendo su mensjae en un contexto terriblemente original. Todo un descubrimiento, pero ¡no dejen de leer el cómic!

Un interesante "opuesto" en cartelera lo encontramos con Los extraños. Si en Wanted su director parece dispuesto a reinventar las pautas y cimientos del cine de acción convencional elevando, para ello, el espectáculo y los fuegos artificiales a la máxima potencia, Bryan Bertino, con su debut en la dirección, parece buscar lo mismo dentro del cine de terror, aunque con distintas maneras, reduciendo al mínimo los elementos con los que crear una atmósfera digna del género. Se podría decir que lo consigue a medias, aunque sus logros no dejan de ser meritorios. Hay hallazgos muy interesantes en el conjunto, como el tocadiscos, arma precisa a la hora de crear el desconcierto y la confuisión de la que se aprovechará el director más adelante. El problema está en que la manera de rodar no resulta del todo original, y parte de su atractivo pertenece a otro film del que Los extraños se revela deudor, el interesantísimo Ils de David Moreau y Xavier Palud.

La película, de todos modos, resulta muy entretenida -tal vez debido a su escasa duración-, mostrándose, por momentos, escalofriante y capaz de imponerse, sin problemas, a otros títulos de cercanas pretensiones estrenados en los últimos tiempos, aunque el propio Bertino acaba tirando por tierra su digno trabajo con unos minutos finales bastante flojos, en los que utiliza todo el efectismo que había dejado aparcado en momentos anteriores. Su inverosímil, barata, rastrera e innecesaria secuencia final deja un sabor de boca malo que no hace justicia a lo visto anteriormente, aunque tal vez debería servir de lección a más de uno para demostrar que una interesante realización puede quedar sepultada si no se sabe rematar del todo bien.

Entre tanto, Woody Allen por fin ha estrenado su esperadísima última película tras su inesperado "éxito" taquillero en tierras norteamericanas, donde ya ha superado los 20 millones de dólares, algo que no ocurría desde Match Point. El nuevo trabajo del neoyorkino, Vicky Cristina Barcelona, ha sido centro de todo un debate -no me refiero al estúpido circo político montado en torno a su presupuesto- entre los fans de su realizador, quienes parecen considerarlo, de nuevo, un trabjo menor en su abultado filmografía. ¿Un trabajo menor? Probablemente, pero eso en Allen ya es peyorativo, y es que ha pasado un tiempo desde la última vez que estrenó una "gran película" y el cineasta, aunque sus temas empiezan a agotarse, se mantiene en forma. Que sí, que ya sabemos que los conocimientos de Allen sobre nuestra cultura se antojan un tanto pobres. También sabemos que la música de Paco de Lucía de fondo es un topicazo, y que los nombres de sus protagonistas son más propios de un culebrón que de la última comedia del hombre que creó la maravillosa Zelig -por citar algún título-, pero si nos olvidamos un poco de sus errores formales y el lamentable doblaje al que se ha visto sometida, estamos ante uno de los guiones más interesantes que ha escrito Allen en los últimos años.

No encuentro, en absoluto, que Cassandra's Dream fuera una mala película -de hecho, me parece bastante curiosa-, ni tampoco creo que Scoop fuera tan floja cuando, que yo recuerde, se trata de la comedia más deliciosa que he tenido capacidad de degustar en tiempos recientes. Vicky Cristina Barcelona propone un interesante episodio más dentro de las comedias románticas de su director. Allen se burla de la monogamia y rebusca dentro de la condición humana su verdadera naturaleza, filosofando una vez más sobre las relaciones, aunque cambiando de tercio e insistiendo en el ya muy popular dicho de que todos somos bisexuales. Cierto que el Woody Allen de ahora no tiene la garra ni la chispa del fantástico guionista de los setenta y ochenta, pero sigue siendo todo un maestro, todavía con las facultades suficientes para estrenar una de las comedias del año aun aplicando la ley del mínimo esfuerzo. Sí, el mejor Allen, el verdadero, el genio, todavía sigue presente en su versión literaria, como demostró el extraordinario Pura anarquía, pero, de vez en cuando, esta incuestionable leyenda viva sigue obsequiándonos a sus seguidores con ciertos apuntes interesantes, esparcidos de la manera más inesperada en títulos tan irregulares como inexplicablemente más atractivos que otros títulos en cartel.

The winds of change are in the air...

2008-09-13T17:32:00.018+02:00

Lo cantaban los grandísimos Judas Priest en su no menos monumental último álbum, y ahora toca echar mano de ello para que me explique.

Como ya habrán visto, llevo un puñado de días sin actualizar. Ha sido voluntario. No es que haya estado tan ocupado como para no responder ni a los comentarios: algún día me he escapado por ahí e incluso he estado implicándome en asuntos en los que jamás pensé que llegara a intervenir, mientras, por supuesto, he seguido viendo cine, leyendo, escuchando "cierto" disco, etc. El caso es que la decisión de pegarme unos cuantos días sin aparecer por aquí se ha visto motivada por una nueva idea que mantendrá vivo al blog un tiempecito de más.

Remontémonos una fracción de tiempo atrás: la reapertura del blog. 'Purgatorio crítico' había conocido su cierre con tan solo un par de meses de existencia debido a la imposibilidad de compaginar todos los follones en los que estaba interviniendo entonces (sí, amigos: hay vida después de esto) con una bitácora de cine, por otro lado, bastante liviana. Cuando llegó el verano, surgieron nuevas ideas y ganas de reactivar el asunto, por lo que decidí ponerme manos a la obra con una reformulación directa de la idea principal que movía este blog. Por supuesto, siempre tuve en mente dar carpetazo a la bitácora en cuanto mi tiempo de descanso cesara y yo me viera obligado a reanudar algunas actividades paralelas. Y ese momento se iba acercando.

Conforme pasaban los días, la idea de volver a cerrar 'PC' para, de nuevo, reabrirlo en el siguiente período estival me parecía cada vez más estúpida. Entonces se me ocurrió una tontería cuya eficacia era bastante cuestionable, pero que, al menos, serviría para que el blog prosiguiera su funcionamiento unos meses más. Esta semana de sequía -que, al final, se me ha ido de las manos y ha durado unos diez días- es una buena muestra de lo que probablemente acabe siendo el blog de ahora en (relativo) adelante. Las actualizaciones serán semanales, y, aunque entiendo las limitaciones que puede ofrecer la existencia de un solo 'post' cada siete días, trataré de concentrar, a mi manera, las novedades que merezca la pena mencionar, como han venido siendo hasta ahora cine, música y literatura. El que surja algo más, solo lo dirá el tiempo. De momento, esto es lo que hay.

Críticas propiamente dichas no se verán por aquí hasta dentro de un tiempo. En su lugar, tengo pensado recurrir a esas opiniones brevísimas que no ofrecen demasiados detalles dentro de lo que es el análisis, pero dejan claro -o, al menos, eso es lo que pretendo- mi punto de vista. Y lo demás seguirá esa tónica. El objetivo es darle algo de cuerpo a este tipo de artículos, cosa que aún no he conseguido -¡tal vez si me lo hubiera propuesto...!-, pero que se intentará hacer.

Después de esto, ¿qué hay de las razones? ¿Un cambio en el blog y no se explica el motivo? ¡Vaya informalidad! Bien. Dentro de nada retomo el instituto. No es una razón de peso: en vista de lo realizado en anteriores años, si este fuera el único asunto que me mantuviera ocupado, sería para celebrarlo. ¡Vayamos al grano! En cuestión de días, voy a asistir a una Escuela de Cine sólo por pura curiosidad. Esto me tendrá atado, calculo, un par de ocasiones a la semana o así -únicamente tengo intención de aprender algunas cosillas sobre dirección cinematográfica y guión, no más-, y, que yo sepa, no soy omnipresente. ¿Entienden la idea?

Pues eso, que a partir de ahora la cosa seguirá marchando como hasta ahora, pero en versión reducida y exclusivamente los fines de semana. Para los períodos vacaciones, como Navidad o Semana Santa, trataré de volver un poco a lo que he ido esbozando este verano; mientras que en los puentes y todas esas fechas en rojo del calendario, trataré de trabajar un poquito más. Y, ya que me he tirado un tiempo sin actualizar solo para dar prueba de ello, lo justo es también escribir las primeras mini-reseñas. Vamos allá:

- Hellboy II: El ejército dorado. Ni caballeros oscuros, ni hombres de hierro ni gigantones verdes ni nada que se le parezca. Guillermo del Toro da la campanada y, con la segunda adaptación a la gran pantalla del personaje de Mike Mignola, se consagra como uno de los más interesantes directores en activo gracias a una fantástica propuesta alejada de la seriedad y pretensiones del sobrevalorado Nolan, toda una carta de amor a ese tipo de cine que entiende el espectáculo como una razón de ser. Y es que la nueva película del director mexicano resulta brillante desde sus primeros minutos, en los que, a través de un originalísimo prólogo, adentra al espectador en la historia del ejército dorado.

Todo un derroche de imaginación, amparado en la extravagante mitología creada por Mignola (un mercado troll, abuelitas que devoran gatos, la muerte alegorizada como una figura siempre dispuesta a negociar...), que logra alzarse, sin problemas, como el mejor 'blockbuster' del verano -aunque, si consideramos a WALL·E como tal, la película de Del Toro se colocaría un peldaño por abajo-, superior y mucho más divertido que El caballero oscuro. ¡Incluso el antagonista acaba por decir verdades de mayor enjundia que la enunciadas por el mismísimo Joker!

Lo consiguieron Spielberg y Lucas, y ahora el director de El laberinto del Fauno se les suma: Guillermo del Toro ha creado una película destinada a las masas sin renunciar a sus principios estilísticos. Chapeau! Valoración final: ····· (sobre cinco).

- Star Wars: The Clone Wars. Era de esperar que, después de que Lucas diera carpetazo final a su saga con un redondo tercer episodio, con el tiempo surgiera alguna posibilidad de estirar más el chicle y, con ello, seguir generando más y más beneficios. Esa posibilidad se hizo realidad cuando George Lucas anunció la creación de dos nuevas series sobre Star Wars: una de animación en torno a las Guerras Clon, y otra, en imagen real, comprendida entre los episodios III y IV, con mayor protagonismo para personajes secundarios sin demasiada relevancia en las otras entregas. Mientras la segunda aún está "en pañales", por decirlo de algún modo, la serie de animación se estrenará en cuestión de meses. Sin embargo, The Clone Wars supone una especie de adelanto con respecto a lo que veremos pronto en televisión: según han reconocido sus responsables, se trata de un lujoso episodio piloto que juega un poco con la idea que moverán los inminentes dibujos animados.

La trama vuelve a dar otro giro, y ahora será Anakin quien tenga la posibilidad de ejercer de Maestro -sin serlo en absoluto-, al contar con una 'padawan' debido a una decisión de Yoda. En medio de las Guerras Clon, mentor y aprendiz tratan de infiltrarse entre el ejército de los clones para rescatar al bebé de Jabba, quien cree que su hijo ha sido secuestrado por los Jedi. La película no aporta demasiado a la saga pero no deja de ser Star Wars, con todo lo que ello conlleva. Esto es, pues, que la película no es absoluto aburrida, sino que, al estar orientada en mayor medida a un público infantil, sus responsables se dejan por el camino -agradecidamente- la verborrea y el contexto político, tratando de ir más al grano. Esto no quita que ciertos personajes, como es el caso de Ashoka, resulten insoportables.

Sin embargo, la trama es más clara, se dan las justas dosis de acción y no deja de entretener y divertir en ningún momento, siempre y cuando se sepa ver como lo que es. Por cierto, ¿qué demonios es esa versión de chiringuito que han hecho con la magnífica pieza de John Williams? V.F.: ··· (sobre cinco).

- Che, el argentino. Con esta película sucede algo que me llama especialmente la atención: las críticas más demoledoras que he leído hacia ella provienen de gente que ¡no la ha visto! ¿La razón? No creo que haga falta explicarla. Simplemente, por lo que veo, hay personas que no terminan de entender lo que, realmente, representa la utilización de la figura del 'Che' Guevara como icono popular: ni más ni menos que un ensalzamiento de sus absolutamente respetables ideales, no de sus actos. Es imposible llegar a un acuerdo entre dos polos ideológicos, que podrían y de hecho se sentirán divididos ante la nueva película de Soderbergh, por lo que, como no tengo intención de convencer a nadie de nada, hablemos de la película. Está bastante bien, pero ¿qué le ocurre? Ni más ni menos que lo que yo apuntaba al principio: la dirección que toma Soderbergh para contar la historia no se antoja del todo acertada.

La cosa queda un poco descompensada porque el director de Traffic parece querer decir mucho sobre las ideas de su protagonista, sobre muchas de las cosas que representa, pero se queda corto porque parece más preocupado en rodar un documento definitivo, algo megalómano, sobre el Che como revolucionario en lugar de como persona. La voz en 'off' del personaje se manifiesta durante toda la película; el director alterna la acción con la intervención del protagonista en conferencias, entrevistas o en discursos como el de la ONU. Sin embargo, parece que Soderbergh quiere contentar a todos al no mojarse en ningún aspecto del personaje. Resta crudeza a muchas de las opiniones del Che manifestadas a lo largo del film, y, a su vez, no presta mucha atención a ciertos aspectos negativos del personaje, como su creencia en la pena capital, que solo aparece levemente esbozada. Por otro lado, el corte sufrido por la película -en realidad, su duración era de cuatro horas y media y finalmente se ha visto convertida en una forzosa duología- es bastante notorio.

La introducción es bastante larga -¡casi una hora!-, con ciertos momentos tediosillos, pero luego mejora notablemente, y escenas como la del tranvía dan clara muestra de una planificación asombrosa. El empaque que el director ofrece a algunas escenas resulta modélico. El problema es que Soderbergh es de los que dan una de cal y otra de arena. Habrá que esperar a ver el resto del metraje, Guerrilla, para valorarla en su conjunto, pero de momento podemos hablar de un título decente, sin la extraña épica que parece prometer en sus avances publicitarios ni la carga política a lo Oliver Stone de la que merecería haberse impregnado, pero con los valores justos como para no ser, de ningún modo, deplorable. V.F.: ··· (sobre cinco).

Todo esto en lo referente al cine. La próxima semana, más, aunque, si quieren, hablamos de Mr. Magorium y su tienda mágica en los comentarios, que acabo de verla y la tengo bien fresca. ¿Alguien se anima?

Cambiemos de tercio. Por fin, tras años de espera, Extremoduro ha publicado esta semana un nuevo disco, La ley innata. Algunos de los fans del grupo parecen haberse sentido decepcionados ante la estrambótica nueva propuesta de Robe y los suyos, dado que se desmarca, en el estilo musical, de los anteriores discos. Créanme si les digo que esa decepción que muchos se empeñan en manifestar es de todo menos justificable. Aunque existe una evolución clara desde sus primeros álbumes hasta llegar a este, las principales inquietudes del letrista y alma del grupo se vuelven a dar, de nuevo, en La ley innata. Como viene siendo habitual, su nueva canción (leen bien: únicamente contiene una canción, a lo Pedrá, dividida en seis pistas) vuelve a insistir en los temas principales del grupo, aunque la extraña poesía de Roberto Iniesta aparece más potenciada en este nuevo disco que en cualquiera de los anteriores. Su cantante descuida toda métrica y estructura musical y decide hablar de temas completamente universales a lo largo de los más de 45 minutos que dura, motivado por sus últimas incursiones en el terreno de la Filosofía, y, en especial, por una cita de Cicerón que aparece reflejada en la portada del disco.

El resultado es un álbum tan experimental como sugerente, emocionante desde sus primeros compases hasta la impensable coda flamenca, en la que vuelve, de nuevo, a las ideas expresadas en su introducción y redondea el disco de manera notable. En los cuatro movimientos intermedios, el oyente escucha a Extremoduro en todas sus facetas, desde el embrollo mental (¿resacoso?) hasta la más humana reflexión, con tiempo suficiente para la rabia y la ira que, en mayor medida que nunca, desprende la asombrosa 'Lo de dentro'. Un disco increíble, original y, en definitiva, imprescindible, con el que el grupo se atreve a dar un giro completo, a caballo entre la necesidad de hacer algo diferente y las ganas de desafiar a sus imitadores. ¿Es el mejor de Extremoduro? Solo el tiempo lo dirá. De momento, lo único que puedo asgeurar es que nunca un disco del grupo me había dado tan buenas vibraciones desde su primera escucha. Puede que no sea de locos pensar en cualquier tipo de reconocimiento. ¿Es pronto para hablar de premios?

¡Puños fuera!

2008-09-02T18:09:00.011+02:00

Aunque aspiraba a ser la comedia del verano, Zohan: Licencia para peinar, la última película estrenada bajo el sello Apatow (que no parece vivir sus mejores momentos en taquilla, tras arrasar el pasado año con sorpresones económicos de la talla de Superbad y Knocked Up), se ha tenido que conformar con amasar una nada desdeñable aunque quizás decepcionante cifra cercana a los 100 millones de dólares. Más de uno argumenta que, tal vez, la considerable bajada de estas producciones se debe principalmente a que el público empieza a cansarse de ver más de lo mismo dentro de este género. No obstante, aunque Zohan no sea una película destinada, precisamente, a reinventar los pilares del género, hablamos de una de las películas más "puras", por decirlo de algún modo, que han surgido no solo dentro del colosal imperio forjado por el director de Virgen a los 40 en apenas unos años, sino en la filmografía del irregular Adam Sandler, cómico con notable tirón en su país de origen y escasa pegada por estas tierras -aunque, en este caso, haya sucedido a la inversa y el número 1 lo haya conseguido aquí, apenas una semana después del estreno de El caballero oscuro-.

Tras los últimos fracasos, más bien relativos, de Sandler en la comedia, su amigo Judd Apatow -compañero de piso suyo cuando iban a la universidad- decidió reencauzar al cómico con una película "a su altura". Para ello, le forzó a redactar un guión a partir del personaje protagonista, que llevaba unos ocho años en su tintero de creaciones. ¿El resultado? Una comedia, cuanto menos, estrambótica, eficaz durante gran parte de metraje pese a acabar saturando al espectador por culpa de su excesiva duración. En contra de lo que su material promocional puede llevarnos a intuir, la película tiene virtudes más que respetables, aunque todo queda un tanto lastrado debido a que no existe demasiada "armonía" en el conjunto. Adam Sandler crea un espectáculo a su medida, aunque el guión es rico en personajes y, en más de una ocasión, estos se acaban comiendo la película. De entre estos personajes, algunos no tienen excesiva importancia y, sin embargo, aparecen demasiados minutos en pantalla. Por contra, el antagonista oficial de la película, interpretado por un genial John Turturro, tan solo aparece en momentos muy puntuales.

Dennis Dugan, su director, muy habituado a trabajar con Sandler, también es un tipo con una carrera algo desigual. Con la comedia "negra" le ha ido más o menos bien (la archi-repetida Este chico es un demonio, injustamente denostada por sus innecesarias secuelas, o la inenarrable Beverly Hills Ninja son claros ejemplos de ello), pero por lo general ha tenido demasiados altibajos para considerarle un realizador fiable. En Zohan, su trabajo resulta más bien discreto, debido a que, realmente, parece afrontarlo con cierta indiferencia. En lugar de querer complementar su guión al traducirlo en imágenes, se limita a "transcribirlo", sin demasiados aportes, dejando a las estrellas huérfanas frente a la cámara. Y, finalmente, estas son las que le sacan del embrollo.

La película se abre con un prólogo modélico en terrenos de la comedia absurda. Toda una presentación, que utiliza como blanco principal los tópicos del cine de acción y espías al más puro estilo James Bond y nos muestra la vida y obra de un agente del Mossad dedicado a eliminar palestinos.

Aunque en ningún momento reniega de su carácter humorístico, la historia está sorprendentemente bien construída. El problema de su guión es que no puede evitar caer en el tópico, y su director no pone demasiado empeño en arreglarlo, dándose situaciones ciertamente trilladas. Afortunadamente, el talento para la comedia de muchos de sus implicados es innegable, y consiguen dar con hallazgos de considerable valía, aunque, pese a la hilaridad de muchos de sus diálogos, la película funcione mejor en lo visual que en lo verbal (o quizá es que el hecho de haber tenido que soportarla doblada le haya restado puntos en este aspecto, eso no lo sé). Hay gags sin demasiada gracia, otros excesivamente repetitivos, aunque también hay momentos en los que la carcajada flora sin problema, pese al acentuado tono vulgar del que, en lugar de avergonzarse, presume el conjunto. Es el caso del primer trabajo como peluquero del protagonista, de marcado carácter sexual -por supuesto, en clave de humor-, tontería de brillante ejecución que acaba repitiéndose hasta la saciedad en una escena posterior zafia, excesiva, pero a fin de cuentas memorable.

Aquellos que no soporten la inclusión de chistes escatológicos, sexuales, carentes de toda decencia, no encontraán asilo en una comedia que, por momentos, quiere hacer apología de ellos: en medio de todo el conflicto entre Oriente Medio, Zohan: Licencia para peinar anima a los enfrentados a dejar de luchar y empezar a fornicar entre ellos. El otro mensaje implícito de la comedia deja claro quién pone la pasta, con una metáfora "romántica" que, más que parecerse, es idéntica a una de las perlas finales de la notable Forgetting Sarah Marshall -la cual, según las últimas noticias, parece que contará con un 'spin off' basado en el personaje de Russell Brand, en el que volverá a aparecer su protagonista y repetirá en la dirección Nicholas Stoller). Resumiendo, aunque no es una comedia precisamente redonda y cuenta con demasiadas desigualdades para poder aspirar a ser la comedia del año (su final es demasiado extenso, el cameo de Mariah Carey es una imbecilidad...), resulta una interesante curiosidad, capaz de dejar un tanto desconcertado al espectador en sus pasajes más burdos, pero afrontada de un modo desenfadado, con mala leche, mucho sentido del humor y con cierto alma, lo que la separa, afortunadamente, de las gilipolleces anuales de Friedberg y Seltzer.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: La comedia arriesgada en sus ideas, extrema en sus planteamientos, más o menos al estilo de Borat (aunque la película de Cohen tenía un material y un formato más original y ácido que el de Sandler). No es que el argumento tenga mucho que ver, por ejemplo, con Desaparecido en combate, pero no hay duda de que Zohan es lo que pasaría si el endiosado Chuck Norris fuera judío.

Valoración final: ··· (sobre cinco).

En vista de las últimas tonterías protagonizadas por Nicolas Cage -el último título interesante que protagonizó fue El señor de la guerra, en 2005-, no era muy difícil que, tarde o temprano, el actor realizara un trabajo por encima de su media con el que superar sus últimas debacles. Bangkok Dangerous no es el título que los pocos fans que le quedan a Cage soñaban, pero, por suerte, ya está un peldaño por encima de títulos como Ghost Rider. Los hermanos Pang llevan a cabo el 'remake' de la obra por la que empezaron a obtener cierto renombre, pero sorprende el modo en que lo hacen: si bien en la película Muerte en Bangkok (título que aún no he tenido oportunidad de ver: pregunto en tiendas especializadas y me dicen que está descatalogada, miro en Internet y no la encuentro...) el protagonista era sordomudo, con este 'remake' parecen haberse ceñido, del algún modo, a los cánones del cine 'hollywoodiense' realizando lo que, para muchos, sería una adaptación irrespetuosa, pero... ¿perpetrada por sus propios padres?

Con estos antecedentes, no es difícil imaginar que el dinero es lo que ha movido a los hermanos a volver a dirigir una de sus películas de mayor éxito (únicamente, esa y The Eye, explotada luego con un par de secuelas, han llegado a funcionar de verdad). Ahora, el protagonista es Nicolas Cage -quien, por supuesto, no es sordomudo, sino que habla por los codos, ya sea de forma natural o en off-, acompañado de un asiático, al que instruye vagamente a lo largo de la película, y que, faltaría más, se encarga de poner la nota de humor a la película. La sordomudez pasa a ser la deficiencia de una joven empleada de una farmacia que compartirá con Cage una especie de historia romántica paralela a todo el jaleo. Aunque el argumento ha sido moldeado de tal manera que, lo que antes era rocambolesco, ahora resulta convencional, la película tiene valores, cuanto menos, extraños en su conjunto. La trama alcanza extraños toques de misticismo, mientras que los Pang otorgan al guión dimensiones impropias del género.

Sin embargo, aunque tiene numerosos valores que deberían convertirla en una película de acción más compleja y, por qué no, interesante, la realización de los Pang es cerrada y, en lugar de aprovechar ciertas posibilidades ofrecidas por un libreto del que ellos mismo son autores, quieren enfocarlo todo de forma videoclipera, de modo que dentro del film nada parece corresponderse. Bangkok Dangerous rezuma una poesía extraña y muy oriental, con una iconografía que va desde los elefantes hasta la lluvia y que, sin embargo, no termina de encajar dentro de una película que, por momentos, no sabe si es un 'blockbuster', acción 'mainstream' o una tragedia oriental. De sus virtudes es imposible discutir: convierte, en una escena muy puntual, el asesinato en arte partiendo de la sordera de una de sus protagonistas, y algunos detalles de dirección son magníficos. No obstante, acaba resultando pedantilla e incluso torpe. Sus directores se acaban perdiendo en el amplio universo que ellos mismos crean y, al final, acaba por rozar la hecatombre por culpa de la precipitación a la que someten las supuestas cartas que se guardan bajo la manga. Lo que en otras circunstancias habría resultado muy curioso, muy Oldboy, aquí acaba por resultar ridículo, debido a que los Pang no parecen saber introducir sus buenas ideas en un conjunto demasiado abrupto para tener poesía.

Tampoco parece poner mucho de su parte un Nicolas Cage ligeramente más expresivo que en sus últimas incursiones en el género, aunque todavía sin convertirse en el héroe de acción que se empeñó en ser desde que protagonizó La Roca. El actor, de nuevo con uno de sus peinados "a la última", trata de otorgar cierto carisma y algo de verosimilitud a la película, que acaba por tomarse demasiado en serio su convencional punto de partida, embarullado de tal manera que se antoja, por lo general, un galimatías de escaso atractivo, reiterativa, un tanto tediosa, rutinaria y sin demasiada gracia. Una auténtica lástima que, para una vez que se parte de un punto interesante, existiendo la posibilidad de crear algo distinto y, de paso, resucitar el cadáver interpretativo de Cage, el trabajo esté realizado con tanta desgana y tan poca claridad que acabe rozando lo mediocre. Otra vez será, Nick.

Nivel de diversión: Medio.

Para aficionados a...: Las películas de acción que se ven en hora y media, y se olvidan en algo menos. Pese a lo atractivo de su material, Bangkok Dangerous no deja huella alguna en un espectador que, por momentos, se sentirá desconcertado ante el extraño espectáculo servido por sus directores, y culminado con un final a la "altura" de las circunstancias. Los seguidores del cine de los Pang encontrarán motivos para sentirse decepcionados y esperar a que, después de The Messengers y esta, vuelvan a Asia.

Valoración final: ·· (sobre cinco).

Por cierto, parece ser que las viejas leyendas del rock viven un momento de especial creatividad y, si hace unos días dejaba caer por aquí el nuevo 'single' de AC/DC, hoy me entero de que Metallica ya ha colgado tres de los diez temas de su nuevo disco, Death Magnetic, en Internet: 'The Day That Never Comes', 'My Apocalypse' y 'Cyanide'. No me han disgustado, aunque siempre he dicho que Metallica no es, precisamente, de mis bandas favoritas. Bueno, y entre tanto ya solo faltan seis días para lo nuevo de Extremoduro. La que se va a liar por aquí...

¡Ah! Y otra cosa: ¡Tenemos nueva encuesta, que últimamente les veo muy poco participativos!

Llegó la caballería

2008-08-27T18:40:00.014+02:00

Nadie puede negarlo. El caballero oscuro (The Dark Knight) se ha convertido, con pasmosa facilidad, en la película más popular y comentada del verano, seguramente también del año. Ha conseguido amasar una taquilla asombrosa en su país de origen, con casi 160 millones en su primer fin de semana, manteniéndose prácticamente un mes como lo más visto, frente a la llegada de estrenos tan potentes (comercialmente hablando) como La momia: La tumba del... Al público le ha gustado una barbaridad, sobre todo a juzgar por su rendimiento y la avalancha de votos de altísima puntuación en diferentes portales de cine: sin ir más lejos, en IMDb llegó a figurar como la mejor película de la historia en base a la opinión de sus visitantes, aunque ahora haya descendido un par de posiciones. Además, la crítica también ha contribuído a ensalzar la producción, en ocasiones, a través de medios más que respetables que la han situado como uno de los fenómenos de nuestro tiempo. Y es que la película, a día de hoy, es la segunda que más dinero ha recaudado en el mercado doméstico (USA), justo por debajo de Titanic -aunque, si tenemos en cuenta que el precio del cine ha subido y valoramos las más taquilleras por el número de entradas vendidas, la película tan solo figuraría en una digna 39ª plaza-.

Tiene mérito, para qué vamos a engañarnos. Incluso los que no hemos quedado del todo satisfechos con la última adaptación de uno de los superhéroes emblema de DC Comics, Batman, hemos de reconocer que Christopher Nolan ha realizado un trabajo lo suficientemente atractivo como para seducir a las masas sin abominar a los expertos en esto del séptimo arte. El director de Memento explota las posibilidades surgidas a partir de Batman Begins, fiel a su intención de desmitificar al personaje, "humanizarlo" y reformular las reglas -por decirlo así- del género superheróico. Lo que antes era toda una amalgama de golpes, espectáculo cuasi vitalista, villanos de caricatura y doncellas en apuros siempre rescatadas en el (único) momento exacto, se ha convertido ahora en una especie de derivado del cine negro no lo suficientemente afortunado aunque con ciertas ideas de interés en su planteamiento. Nolan y sus guionistas trazan un estupendo retrato del Gotham más desolador que se haya visto nunca en cines. Una ciudad al borde de la anarquía, con sus temerosas gentes echadas a las calles, la corrupción aflorando cada vez más y el "terrorismo" alcanzando, de algún modo, sus más altas cotas de criminalidad.

La otra gran baza de la película es la atención -e incluso mimo- que presta hacia sus dispares antagonistas. Como toda segunda entrega que se precie, el director ha afrontado la secuela otorgándole un tono mucho más oscuro y, de este modo, ha intentado profundizar en estos aspectos, igual que hizo George Lucas hace casi treinta años con la modélica El Imperio contraataca. El problema es que Nolan no es George Lucas, ni tampoco Francis Ford Coppola. Está bien que un realizador tenga referentes tan destacables y trate de homenajearles y hasta brindarles algún guiño, ya sea a través de la dirección o de la estructura de su guión, pero, sin embargo, su ambición ha ido más allá y se ha querido acercar a sus modelos. Tanto que, al final, la mayor deficiencia de El caballero oscuro no son sus reconocibles desigualdades en el conjunto, sino la impersonalidad y relativa elegancia que el director impregna a su película. A pesar de ser presumiblemente distinta a la inmensa mayoría de películas de superhéroes, si hablamos de cine realmente Nolan no aporta tanto con esta nueva visión del personaje.

La fortaleza de su pulso narrativo es incuestionable, pero los guionistas se quedan prácticamente sin tiempo y con demasiados folios como para desarrollar aún más una historia que parece pedir a gritos otro tratamiento. Se centran más en las cuestiones éticas y morales que envuelven a sus personajes principales a lo largo de la película y se olvida de dar verdadero y sano espectáculo en detrimento de cuatro explosiones, una música atronadora y demasiada grandilocuencia. Al final, solo es una película (bastante) entretenida con pretensiones muy superiores a las de Superman -por cuya entrega inicial de Richard Donner me sigo decantando frente a producciones como esta- o Hulk, pero no con una calidad mayor, al menos por lo general.

Afortunadamente, hay personajes que parecen luchar por imponerse entre tanta trascendencia barata. No es el caso de Bruce Wayne, con el que el director cree haber terminado tras "deconstruirlo" en Batman Begins, pero sí el de la estrella de la película, el Joker, reclamo principal de la película en taquilla, tanto por el atractivo del personaje como por el triste destino sufrido por el actor en Enero de este mismo año. Heath Ledger está inconmensurable en el que será su papel más recordado: el actor borda una creación brillante de la que solo se puede disfrutar en su totalidad con la versión original. El personaje representa el mayor foco de atención de la película, algo perfecto para las intenciones de su director, pero los guionistas se interesan tanto por él que profundizan en demasiados aspectos de su psicología (detalle ciertamente peligroso cuando hablamos de una producción tan comercial), descuidando, quizá, al resto. Los demás resultan un tanto forzados: la evolución del personaje de Harvey Dent no está tan conseguida como algunos parecen indicar, y de los secundarios apenas hay noticias. ¿Por qué se presta tan poca atención al alcalde?

Otro aspecto a destacar es la escasa naturalidad del conjunto. Algunas cosas se antojan muy obvias, cercanas a lo teatral, y los diálogos, bastante falsos. La mayoría son excesivamente moralistas, casi didácticos, y no resultan nada creíbles por la sencilla razón de que, o están demasiado bien construídos, o son discursos en toda regla. ¡Luego criticamos al cine argentino! Muchos han destacado el monólogo final de uno de sus principales personajes, pero realmente es de lo más precipitado. Sin embargo, el montaje, tanto de esa escena como de la propia película, es espléndido, de modo que momentos más bien risibles de la película quedan maquillados a la perfección. Por no hablar de la tontería cerca de lo 'jigsawiano' de los barcos en su final, algo rebuscado y demasiado obvio como para tener el calado "social" que quiere darle el director.

Es un entretenimiento decente, pero se queda a medio gas y, definitivamente, no funciona como debería o como realmente quisiera Nolan. Se agradece que se estrenen películas que hagan a los espectadores plantearse algo, pero El caballero oscuro se hace preguntas ella sola y no responde a ninguna, y, si lo hace, siempre es de la manera más previsible -o a través de diálogos rimbombantes-. Lo mismo da, es abrir círculos para luego no cerrarlos. Simples curvas. Puede ser una de los más eficaces divertimentos del verano, pero dudo horrores que tenga tanta miga como para verse situado entre las mejores películas de superhéroes jamás realizadas. Probablemente suponga un referente destacable dentro del amplio mosaico de adaptaciones y estilos experimentados por el personaje a lo largo de su trayectoria cinematográfica -de la que, por cierto, reivindico a Burton-, pero fuera de ello, es una superproducción muy vinculada a ese truco del lapicero visto al principio: demasiado tramposa para considerarla "mágica".

Nivel de diversión: Alto.
Para aficionados a...: La humanización de iconos del cómic, aunque, más que para aficionados, lo correcto sería indicar que es una película para aquellos que, por lo general, no soportan las películas de superhéroes o su tono habitual. Es diferente, pero creo que los más experimentados en los diversos géneros (sobre todo cine negro) que parece querer tocar Nolan se darán cuenta de que algo falla.
Valoración final: ··· (sobre cinco).

Algo más de fortuna ha tenido en su adaptación el musical Mamma Mia! Sin ser mejor que muchos de los principales títulos que han alcanzado el éxito este verano en taquilla, la película cumple sus objetivos previstos gracias a una puesta en escena un tanto descuidada a la par que festivalera: su directora, Phyllida Lloyd, no ha jugado demasiado con las posibilidades que ofrecía la gran pantalla para el traslado del musical, y todo se antoja demasiado abierto, desordenado, precipitado... ¡Que me aspen si no es magia que una película así funcione! Lo normal sería reconocer que es un desastre, ni siquiera los actores cantan demasiado bien. El caso es que, muchas décadas después de que ABBA triunfara, ya sabemos que las canciones de la banda de origen sueco resultan igual de atractivas en cualquier contexto.

Lloyd ya ha aprendido la lección: lejos de corregir las imperfecciones que pudiera tener su obra original -ella misma fue quien dirigió Mamma Mia! en Broadway-, por momentos parece potenciarlas hasta convertir las mismas en elementos indispensables para el disfrute del film. Suena absolutamente disparatado, pero si algo se agradece en un musical es que hasta el apuntador se suelte la melena. Por supuesto que no voy a poner mi propia credibilidad en cuestión afirmando siquiera que es el mejor musical en lo que va de año -y menos cuando, hasta hace unos meses, tuvimos en cartel una delicia como Sweeney Todd-, pero es que, afortunadamente, sus pretensiones no van más allá de hacer pasar un buen rato a los espectadores osados que se olviden de sus prejuicios y pasen a ver una chorrada, sí; pero, ante todo, una chorrada autoconsciente.

Ni durante un solo minuto de metraje se toma a sí misma en serio. Eso, en algún momento, pasa factura, pero los personajes (y, sobre todo, los actores que los encarnan) son presumiblemente carismáticos, lo que ayuda a sintonizar con el film en cuestión de tiempo. Su tramo inicial, de hecho, parece traer consigo algo insufrible: ciertamente, cuesta captar el enfoque que Lloyd le da. Los primeros apuntes que conocemos de la trama remueven las tripas a cualquiera, para qué vamos a engañarnos. Todo suena muy convencional y, en ciertas ocasiones, algunas piezas musicales están insertadas -o presentadas- de forma hilarantemente obvia. Sin embargo, aunque de vez en cuando tenga que caer en la autoparodia para resultar complaciente, la película consigue finalmente que el espectador se olvide de toda formalidad y la película enganche.

¿Para qué vamos a criticar la película de efectista cuando eso es lo que busca? ¿Para qué vamos a vertir ríos de tinta insistiendo en que la trama está muy sobada? Todo eso ya lo sabemos. Claro que nos gustaría que tuviera alguna locura a lo John Waters, pero nos tenemos que conformar con la subtrama de Colin Firth. Y se acepta. Cierto que algunas coreografías dejan algo que desear, pero hay secuencias poderosas y algún plano general estupendo -siempre en medio de algún número-. Además, el reparto es impagable: olvidándonos un poco de mencionar lo increíble que es Meryl Streep y el hecho de que, sin duda, puede hacerlo todo, la sola presencia del trío de caballeros parece desprender, por sí sola, un humor socarrón inaudito.

A Skarsgard ya es tarde para andar descubriéndolo, y más cuando ha demostrado ser un intérprete magnífico en títulos tan recientes como Los fantasmas de Goya o incluso la saga Piratas del Caribe. Colin Firth nunca ha sido santo de mi devoción, pero consigue estar a la altura de las circunstancias. Bueno, y Pierce Brosnan siempre ha sido un tipo admirable: se le perdona que cante como un sacerdote gregoriano ronco, él -uno de los más fieles seguidores del legado del gran Michael Caine- es único a la hora de encarnar papeles de este corte. Mención aparte para la joven Amanda Seyfried, más que correcta actriz, con un timbre de voz precioso.

Buenas noticias, compañeros: Mamma Mia! La película no es tan bochornosa como todos nos esperábamos y, aunque carece de las suficientes virtudes como para ser considerado un musical "importante", resulta simpática en (casi) todo momento. Sin ser de uno de los imprescindibles del año, el trabajo de Phyllida Lloyd se revela como uno de los más eficaces y honestos entretenimientos del verano. Honestos y especialmente generosos cuando hablamos de una película que incluso tiene el detalle de regalar unos bises durante los créditos con la canción que más se extrañaba y menos encajaba en la historia.

Nivel de diversión: Alto.
Para aficionados a...: ABBA, por supuesto. No es factible al cien por cien que los amantes más quisquillosos del musical queden del todo satisfechos (no hablamos precisamente de un West Side Story), pero quienes no tengan demasiadas preocupaciones ni cosas mejores que hacer lo pasarán bien. Claro que se echa en falta algo de excentricidad en su propuesta, pero se ha enfocado a un sector demasiado amplio del público como para que se atrevan a experimentar con cosas así.
Valoración final: ··· (sobre cinco).

Y, hablando de música, este año aparecerá, tras mucho tiempo de espera, el nuevo disco de AC/DC, Black Ice. Hoy, por fin, ha salido el más que prometedor 'single' de adelanto, 'Rock 'N' Roll Train'. Disfrútenlo.

Máquinas... ¿de matar?

2008-08-19T20:16:00.012+02:00

Finalmente, ni los Coen, ni P. T. Anderson, ni mucho menos Nolan (oh, por favor...). La mejor película del año, esta vez, viene servida en bandeja de plata por ese estudio cinematográfico que, cada vez que estrena un nuevo trabajo, parece destinada a cambiar nuestra concepción del cine de animación por siempre jamás.

Decía Brad Bird, director de las asombrosas Los Increíbles y Ratatouille, en un reciente entrevista, que uno de los mayores objetivos de Pixar era borrar de la mente del espectador esa asociación de ideas que une a la animación con el cine infantil y, realmente, se considerase una técnica en lugar de un género. Bajo este planteamiento, el estudio ha dado un paso de gigante con la magnífica WALL·E, su mejor título hasta la fecha, que olvida por completo todos los cánones del que hasta ahora estaba considerado un tipo de cine especialmente orientado a los críos sin por ello abominar a los adultos, y acepta, del primer minuto al último, su condición de auténtica ciencia-ficción. Ahora, Pixar tiene la irrepetible ocasión de que ese paso de gigante se convierta en todo un salto si, tal como se han encargado de pronosticar los más avispados, decide presentar su último trabajo, de cara a la próxima ceremonia de los Oscar, en la candidatura de Mejor Película, olvidándonos un poco de esa apostilla ("...de Animación") que viene después.

Dejando de lado este aspecto, realmente es difícil ver WALL·E sin que la obra maestra de Stanley Kubrick, 2001: Una odisea del espacio, ronde por nuestra cabeza. La película de Andrew Stanton -quien, años atrás, ya se encargó de la deliciosa Buscando a Nemo- ofrece un homenaje constante, basado en la sutileza, la inteligencia y, sobre todo, el fundamento (al contrario de lo que ocurre con algunos títulos de Dreamworks...), y, sobre todo, atreviéndose a llevar ciertos parámetros de dicha producción algo más lejos, sin herejías de por medio ni ofensas innecesarias a lo que hace ya casi cuarenta años el gran Kubrick construyó mano a mano con Arthur C. Clarke. De este modo, contamos con un primer tramo prácticamente mudo, en el que oímos los nombres de los protagonistas y poco más. Si en 2001 este tramo se ambientaba en el pasado, en WALL·E ya partimos de un futuro sustancialmente desolador para la raza humana, que se ha visto obligada a desalojar la Tierra dados los pocos recursos que ya, a esas alturas, puede ofrecer -esto, tal vez, pueda traernos a la mente la interesante Titán A.E., pero cualquier comparación con la producción de la Fox finaliza en ese mismo punto-. Sólo permanece un robot basurero al que los humanos olvidaron desprogramar y que, con el paso del tiempo, ha acabado desarrollando sentimientos. Así pues, su día a día se basa en "construir" edificios a partir de cubos de basura moldeados y fabricados por él, así como en recoger y coleccionar objetos, a priori, absolutamente innecesarios con los que decorar su hogar, una especie de nave más bien destartalada.

Más tarde, se incorpora a la trama otro robot (por sus formas, suponemos que hembra) que viaja a la Tierra con una particularísima y concreta misión. WALL·E y ella redescubren, en este tramo, algunos aspectos del pasado de los humanos, asombrándose, por ejemplo, ante la utilidad de un mechero. En el clásico de Kubrick ocurría exactamente lo contrario: los más lejanos antepasados del hombre aprendían a hacer uso de lo que más tarde serían sus principales, esenciales y más elementales recursos.

Lo posterior sigue, de algún modo, la linea habitual de Pixar: momentos de comicidad (necesariamente visual, lo que nos devuelve, por obligación, la magia del cine mudo) y ternura, plagados de imaginación y, sobre todo, de buen gusto. Más tarde, cuando se dan las circunstancias que obligan a que los humanos aparezcan en pantalla, la película adquiere cierto carácter de denuncia. Un carácter que le ha valido muchas críticas puesto que, al parecer, a muchos les resulta un mensaje hipócrita viniendo de Disney. Yo, simple y llanamente, creo que hay mucho "cronista" por ahí al que le apetece hablar de todo menos de cine.

Stanton consigue retratar una exacta involución humana, cuya raza ahora es absolutamente dependiente de la tecnología y las máquinas, creadas todas ellas en base a sus servicios más banales. La comunicación y las relaciones se han visto deformadas, quien sabe si para siempre. Pixar se arriesga, sin que le pierdan las grandes palabras, y su ácida ironía acaba por funcionar del modo más avasallador. Su único problema es que acaba por mostrarse, en conjunto, irregular (más que nada por su duración), aunque eso no quita que sea siempre entretenida.

Una película magnífica, de esas que solo aparecen cada muchos años. Si sigue habiendo justicia en esto del cine, el último trabajo de Pixar superará el infinito al que apuntaba Buzz Lightyear hace ya casi quince años y se convertirá, por fin, en el clásico imperecedero que todos soñábamos y parecía que nunca llegaría. Imprescindible.

Nivel de diversión: Absoluto.

Para aficionados a...: Las películas de Pixar, la ciencia-ficción y las historias ambiciosas que no se quedan por detrás de sus pretensiones. Gran cine, con enjundia y mucho sentido del espectáculo. Aquellos que idolatren 2001 amarán WALL·E sin contemplaciones.

Valoración final: ····· (sobre cinco).

Menos conclusiones se necesitan para hablar de Venganza, la nueva producción del querido y a la vez denostado Luc Besson. Negándome por completo a utilizar la palabra "plana" para describirla, obviamente hablamos de una película esquematizada y muy sencilla, tanto como el mecanismo de un chupete... ¡pero enormemente eficaz! El segundo trabajo en la dirección de Pierre Morel cumple sobradamente con su cometido de ofrecer entretenimiento sin tregua alguna, tal como su inquietante trailer prometía, y, únicamente con seguir unas pautas básicas del género, Besson consigue reafirmarse como uno de los grandes del cine de acción, entregando la que, hasta nuevo aviso de Statham, se sitúa como la mejor película encuadrada en esta temática que se ha estrenado en todo el año.

Que no nos dé vergüenza, el hecho de que se trate de un trabajo absolutamente inverosímil no tiene por qué ser un impedimento para disfrutarla y salir del cine como el que baja de una montaña rusa. La combinación es tan obvia que resulta infalible: ¿cómo demonios una película en la que Liam Neeson, como buen ex-agente de la CIA, vuelve al ruedo para cargarse albanos no va a merecer la pena? La estructura del guión no revolucionará, ni falta que hace, los cánones del género, pero cuenta a su favor con un arma básica: el espectador no se plantea el disparate de su propuesta dado que siempre está ocurriendo algo, que la mayoría de situaciones a las que se enfrenta Neeson resultan interesantísimas y, sobre todo, que el montaje es soberbio, ocultando con él los más que factibles defectos que suelen tener las obras de Besson.

Tal vez lo único que se pueda achacar a la película (olvidándonos, insisto, de buscar valores o detalles dramáticos a una película que ni los quiere ni los necesita) son algunos titubeos en su inicio, cosa absolutamente comprensible cuando se trata de presentar a los personajes. Sin embargo, la crepuscularidad a la que es sometido en su tratamiento el personaje de Neeson resulta, cuanto menos, admirable. Prácticamente, el director le enfoca como otro de los 'popes' del género, Stallone, quiso mostrar a uno de sus personajes fetiche en la reciente John Rambo. Da la sensación de que ya conocemos al protagonista, por la única razón de que, en este tiempo, se ha tratado tanto la idea de rescatar viejas glorias del cine de acción que Besson ha partido con el trabajo hecho y ha mostrado al héroe directamente en plena veteranía, o, como se suele decir, "retirado". No necesita presentación y, por ese modo, apenas la tiene. Únicamente se esbozan, de algún modo, sus habilidades (las mismas que se citaban cuarenta veces en el trailer) en una breve escena en la que el protagonista retoma su trabajo por una noche para ayudar a sus compañeros con la protección de una joven estrella juvenil antes, durante y después de un concierto.

Liam Neeson, además, tiene un carisma enorme y no le pesa lo más mínimo una historia ciertamente convencional que, gracias a alguna triquiñuela del guión y la fuerza narrativa imprimida por la dirección de Morel, consigue elevarse muy por encima de la media, puesto que va siempre al grano y no se anda con rodeos. Venganza es, ni más ni menos, el perfecto 'blockbuster' que llevamos tanto tiempo esperando de Hollywood y, al final, ha tenido que llegar de Francia, un país que se está portando de maravilla con estas producciones -solo hace falta recordar la interesantísima El secreto de Anthony Zimmer, otro gran ejemplo de 'thriller' consistente-. Por supuesto, la película no tiene la casi perfecta depuración de otros 'tótems' actuales como Bourne, pero, al menos, aquí las escenas de acción se degustan sin problema, no como con Greengrass, que tenía la extraña costumbre de involucrarse en dichas secuencias colocando la cámara en tantos sitios a la vez y con tantísimos planos que, al final, acababa por marear hasta a Matt Damon.

Amigos que se sintieron defraudados ante las, pese a todo, muy amenas La jungla 4.0 o John Rambo: he aquí la secuela que soñaban.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a: La moda del 'ultimate hero' iniciada por Bourne y sublimada por el nuevo James Bond; el cine de acción propiamente dicho; y, por supuesto, las pelis de justicieros a lo Charles Bronson o -en vista de los estupendos resultados de Sentencia de muerte- a lo Kevin Bacon.

Valoración final: ···· (sobre cinco).

Sé que a todos nos apetece discutir sobre The Dark Knight, pero el tiempo no es, precisamente, denso y no puedo sacar 'posts' de la nada. Palabra de David Dunn: estoy como loco haciendo la reseña conjunta de la nueva de Batman y de Mamma Mia!, y mañana mismo me escapo a ver Zohan para unir su "crónica" a la de Bangkok Dangerous.

Malas obsesiones

2008-08-13T14:54:00.005+02:00

Hoy toca hablar de los Guns 'N' Roses. Hace unos días, un amigo me pasó un DVD que le habían regalado meses atrás: la gira Bad Obsession del grupo comandado por Axl Rose y Slash. Sobra decir que es un documento increíble.

Llevo años siguiendo a los Guns y, desde luego, hablamos de una de las bandas de rock más asombrosas de todos los tiempos (al menos, cuando estaban Slash y compañía). Conversando el otro día sobre ellos, el mismo que me dejó el DVD me recomendó que le echara un vistazo a la biografía del grupo, aunque fuera en la Wikipedia. Su trayectoria es, cuanto menos, desconcertante. Debido, principalmente, a la cara que se me quedó cuando terminé de leerlo, la idea era realizar un 'post' que repasase la historia de los Guns 'N' Roses, pero esa es una de las cosas menos interesantes y más aburridas que se pueden hacer en este momento. Por lo tanto, ¡me he quedado sin 'post'!

Para que la cosa sea algo menos descarada, pasemos a mencionar algunos de los más divertidos incidentes de la banda desde su fundación hasta el momento en que "dejaron de molar" -concretamente, cuando Slash mandó a Axl a freir espárragos-:

Si hacemos caso a la leyenda, el "Parental Advisory" que aparece en las esquinitas de algunos discos más o menos complicados fue motivada por el álbum debut del grupo, el portentoso Appetite for Destruction.
Durante una de sus primeras giras, Slash destrozó una habitación de hotel en Dallas y, a su vuelta a Los Ángeles, Axl se lanzó al público durante un concierto para zurrar a un guardia de seguridad por echar a un amigo suyo del recinto.
En el festival Monsters of Rock, dos de sus fans murieron aplastados ante la avalancha de público, y no se dieron cuenta hasta terminar. En el vídeo de 'Paradise City' aparecen cortes de ese concierto como supuesto homenaje a los fallecidos.
La canción 'One in a Million', que critacaba a los homosexuales, los inmigrantes y los policías, hizo que se les expulsara de un concierto contra el SIDA que iba a tener lugar en Nueva York. Años más tarde, la banda particparía en un homenaje a Freddie Mercury con fines similares.
Slash y McKagan aparecieron, durante una ceremonia de premios que se emitía en directo, en claro estado ebrio, insultando al público y utilizando un lenguaje que casi les cuesta el empleo a los directivos de la cadena.
Axl Rose fue arrestado por arrear con una botella de vino a su vecina, que se quejaba de que el vocalista del grupo escuchaba música a un volumen excesivo.
A su vez, él anunció que, si el resto de la banda no solucionaba sus problemas con las drogas, abandonaría el grupo. Prácticamente, todos lo consiguieron. Irónicamente, Axl Rose es quien más incidentes relacionados con las dorgas ha llegado a protagonizar antes y después de este suceso.
En Febrero de 1992, el vocalista gritó "Fuckin' St. Louis!" durante un concierto en dicho lugar, lo que provocó una tremenda bronca que acabó con decenas de heridos. El Tribunal del Estado declaró a Axl Rose culpable de alterar el orden público e incitar a la violencia. En Carolina del Sur sucedió algo similar, lo que causó sesenta heridos.
En una de sus visitas a Chile, Axl Rose agredió a varios fotógrafos a su llegada al aeropuerto. En el concierto que tendría lugar por la noche, se presentó con dos horas de retraso, borracho e insultando al público. Actualmente, tiene prohibido entrar en la República de Chile.
Hartos de Axl Rose, los integrantes del grupo decidieron marcharse. Axl sigue con Guns 'N' Roses, pese a llevar años sin sacar un solo disco. Slash creó Slash's Snakepit, y Adler creó Adler's Appetite. Ninguno tuvo demasiado éxito. Actualmente, la mayoría forma parte de Velvet Revolver.
Guns 'N' Roses tiene grabado un disco desde hace diez años, pero al amigo Axl no le apetece sacarlo. Algunos críticos han escuchado pases privados de ese Chinese Democracy y hablan de obra maestra. Algunos se aventuran a decir que el 2008 será su año. Yo creo que todavía es demasiado pronto, y hasta 2010 no habrá nada de nada. ¡Y eso siendo generoso!

En fin, lo mejor es olvidarse un poco de la salud mental de los componentes del grupo -ahora, por lo visto, Axl canta en la misma banda junto a un tal Buckethead, un guitarrista que, según he visto en fotos, toca con un cubo en la cabeza-, y escuchar una y otra vez el mejor álbum de debut que ha conocido jamás el rock: Appetite for Destruction, portador de las maravillosas 'Welcome to the Jungle', 'Sweet Child O'Mine' (elaborada por Slash como una broma, y con una letra compuesta por Axl en cinco minutos) y 'Paradise City', así como ver sus impresionantes directos y repasar la mejor versión jamás elaborada de la canción 'Sympathy for the Devil'.

Mientras tanto, para redondear un poco este 'post' musical, Extremoduro, mi banda favorita de siempre, "parece" que al fin publicará su nuevo disco este otoño, tras años sin material nuevo. Reconozco que los últimos discos no recopilatorios de la banda -concretamente, Canciones prohibidas y Yo, minoría absoluta- no son gran cosa en comparación con otros álbumes publicados previamente por el grupo, pero, en vista de los adelantos del disco ofrecidos primero en su página web ('Dulce introducción al caos') y luego durante la gira ('Primer movimiento: El sueño'), creo que hay razones para tener confianza ciega en un disco, de título La ley innata, que iba salir en Mayo, después en Junio, y ahora, a juzgar por la relativa metedura de pata de FNAC, el 9 de Septiembre. Hasta que eso ocurra -yo no me fío hasta que no tenga el disco en mis manos-, podemos resacirnos mirando la cita de Cicerón que aparecerá en la portada ("Ciertamente existe una ley verdadera, de acuerdo con la naturaleza, conocida por todos, constante y sempiterna... A esta ley no es lícito agregarle ni derogarle nada, ni tampoco eliminarla por completo"); criticando el abusivo precio del álbum, que, por lo visto, rondará los 21 euros; y, por supuesto, examinar la extraña lista de canciones que aparecerá en la contraportada:

Dulce introducción al caos.
Primer movimiento: El sueño.
Segundo movimiento: Lo de fuera.
Tercer movimiento: Lo de dentro.
Cuarto movimiento: La realidad.
Coda flamenca (Otra realidad).

La ley innata se trata de un único tema de 42 minutos y siete segundos de duración, como, por ejemplo, lo fue Pedrá, aunque este proyecto parece ser, a todas luces, más ambicioso. Dicho disco, publicado en 1995, tan solo contenía una canción de aproximadamente media hora de duración. Esta vez, el tema ha sido dividido en seis pistas para hacerlo más accesible y fácil de escuchar. Veremos lo que nos depara el ingenio de un nuevamente inspirado Roberto Iniesta, quien, tras llevar años incapaz de componer, afirma haber recuperado las ganas de escribir canciones. Ahora, según dijo en una entrevista en la SER, esta realizando ¡otro disco!

Negrura 'made in USA'

2008-08-09T16:13:00.014+02:00

Quien tuvo, retuvo. Sidney Lumet, de 84 años, parece vivir una segunda juventud similar a la experimentada en la época de su debut, cuando sorprendió a crítica y público con la excelente 12 hombres sin piedad. El director ha mantenido, no obstante, desde sus comienzos, una singular irregularidad que la ha valido la desconfianza de más de uno. No obstante, la experiencia ha valido sus frutos: no se explica de otra manera cómo un director octogenario, que llevaba años inactivo, con un Oscar honorífico bajo el brazo y que debería estar disfrutando de su retiro y jubilación, consigue volver de una manera insólitamente fuerte con dos trabajos de la talla de Declaradme culpable (Find Me Guilty) y, sobre todo, Antes que el diablo sepa que has muerto. Tras innumerables retrasos en su fecha de estreno -hasta, finalmente, verse enfrentada con Indiana Jones y el Reino... en su misma semana-, Lumet vuelve a dar la campanada con un producto sombrío, duro, eficaz y, en definitiva, vertiginoso.

A partir de un estupendo guión del debutante Kelly Masterson que llevaba ocho años dando vueltas por diferentes productoras, Sidney Lumet lleva a cabo una de sus mejores películas, cuyo "caprichoso" juego con el tiempo le ha valido alguna insulsa comparación con Pulp Fiction. Lumet reescribió algunas partes del guión -así como ciertos diálogos- para reforzar las relaciones entre los personajes de la película, algo esencial teniendo en cuenta la fuerte carga emocional que cobra el sentido de unión familiar en torno a determinados momentos de la película. En estos senderos es, precisamente, por donde mejor parece moverse un Lumet con ganas de azotar al espectador, de hacerle reflexionar sobre lo delicadas que pueden ser las piezas expuestas a sufrir ese feroz efecto dominó que, no sin cierta mala leche, plantea el guionista.

Con ayuda de un portentoso montaje, Antes que el diablo sepa que has muerto desordena las diferentes partes de un suceso mostrando, en primer lugar, el hecho, el factor principal sobre el que todo gira. A continuación, se lanza al por qué, a las razones que mueven a los implicados a cometer tal acto y, más tarde, relata al fin las consecuencias de todo ello. El conjunto cuenta con algún que otro titubeo en sus puntos muertos, pero Lumet es único a la hora de crear atmósferas malsanas -sin ir más lejos, todo lo que envuelve al personaje de Andy- y consigue contagiar al espectador de cierta pretendida incomodidad, que dificulta el visionado de la película, no en el sentido de convertirla en una producción innacesible, sino en que, a la salida del cine, la sensación no es ni mucho menos la misma que la del espectador que sale de ver WALL·E con ganas de plantar un árbol.

Ayudan, por otro lado, los actores a la hora de dotar de una desgarradora humanidad a sus respectivos personajes. Ethan Hawke saca adelante, de manera un tanto estrambótica, su complicado papel, mientras que el gran Albert Finney consigue llenar la pantalla en los momentos en que interviene. Rosemary Harris, la tía May en la saga Spiderman, hace lo que puede en su brevísimo papel y Marisa Tomei... Cuesta creer que se pueda llegar a la cuarentena en ese estado, como si hubiera hecho un pacto con el diablo del título. Sin embargo, Philip Seymour Hoffman es quien, de verdad, se torna esencial para la película: imposible encontrar a otro actor mejor para afrontar esa tan rocambolesca como atractiva parte final, una auténtica implosión emocional, como si todo, de repente, colisionara y cayera en picado hasta demoronarse y, definitivamente, destruirse.

Un trabajo sorprendente, no exhento de cierta funcionalidad y desigualdad, pero, a fin de cuentas, admirable. Para los menos avispados, su extraño título está tomado de un proverbio irlandés: "Ojalá puedas estar media hora en el cielo antes que el diablo sepa que has muerto". Amén.

Nivel de diversión: Alto.
Para aficionados a...: La crudeza de esas producciones que, de cuando en cuando, se estrenan con ganas de remover la conciencia de sus espectadores. Los seguidores de Sidney Lumet apreciarán que, en efecto, no es su mejor película, pero sí de las más interesantes.
Valoración final: ···· (sobre cinco).

Pasamos de un debut a otro, aunque aquí, desde luego, el aire novel es absoluto. Casi 25 años han tenido que pasar hasta que, al fin, la explosiva fórmula que los hermanos Coen llevan perfeccionando desde sus inicios se consagre con ese triunfo en los Oscar de la que, hasta ahora, puede ser considerada perfectamente como la mejor película estrenada este año, No es país para viejos (No Country for Old Men). Con Sangre fácil, película estrenada en 1984, Ethan y Joel Coen empezaron a trabajar con las que serían las constantes de su cine a través de un producto inicial desgarrador.
Como viene siendo habitual, los hermanos toman una historia de corte sencillo, otorgándole unas dimensiones asombrosas que dotan al trabajo de una gran personalidad. Para ser la primera, ya hablamos de una película demasiado 'coeniana', pues encontramos todos sus elementos recurrentes: la voz en 'off' al comienzo; el arranque directo que ya parece situarnos en plena acción; el humor ácido y corrosivo que, a veces, se manifiesta con una mirada o un plano en exceso oportuno; esa caprichosa obsesión por encontrar el enfoque idóneo en cada secuencia, perteneciendo el mérito, en este caso, al otrora fenomenal director de fotografía Barry Sonnenfeld -quien, más tarde, se lanzó a la dirección con títulos como Men in Black o Cómo conquistar Hollywood-...

Además, el tándem formado por Ethan y Joel Coen a la hora de escribir, más que una pareja de guionistas al uso, parece una fábrica de creaciones míticas. En Sangre fácil nos brindan varios momentos para el recuerdo: la tan cacareada sepultura que ha servido como carta de presentación para algunos carteles, sus múltiples asesinatos, la puñalada en la mano... También la forma de cortar cada escena y enlazarla con otra resulta brillante. La técnica está cuidadísima, igual que la forma de tratar a sus personajes. Por si fuera poco, el entretenimiento es continuo, no hay lugar alguno para el tedio: apenas hora y media de duración sirven para que los Coen desplieguen todas sus armas y consigan encandilar al espectador de la manera más simple y, a la vez, brusca.

Se agradece que aún queden directores con la suficiente capacidad para innovar, jugar con los conceptos y realizar trabajos de calidad sin por ello dormir a su público. Todo un ejemplo de inteligencia y saber hacer, que ya sorprendió a propios y a extraños en su momento, brillantemente dirigida y modélicamente escrita, impactante por momentos y atractiva siempre. Pero solo era, al fin y al cabo, el principio de su trayectoria...

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: Las intrigas contadas con vitalidad e inteligencia, que saben reinventar prácticamente todos sus mimbres hasta llegar a la conclusión. Sin embargo, serán los parroquianos de los hermanos Coen quienes la disfruten al máximo.

Valoración final: ···· (sobre cinco).

Pronto tendremos reseña de WALL·E y Venganza, aunque todos sabemos que el otro gran estreno de esta semana es Cinturón rojo, de Mamet. "Puede" (repito: "puede") que me estire y la rescate junto con otra, para confeccionar la segunda entrega de este 'post'. Pero no se me revolucionen, que todavía tengo otras cositas en la recámara...

Copia de copias

2008-08-05T19:31:00.012+02:00

Resulta, cuanto menos, paradójico que, hace nueve años, el entretenido 'remake' de La momia aspirara a convertir presumiblemente a la nueva saga en el perfecto relevo de un Indiana Jones completamente desaparecido en combate desde su última correría con Sean Connery y, ahora, con la tercera entrega recién estrenada, consiga ofrecer al espectador una sensación exactamente contraria: que echemos demasiado de menos al héroe encarnado por Harrison Ford, aun habiendo pasado poco más de dos meses desde el estreno de su última película. Aunque es perdonable que Sommers tomara ciertos elementos del arqueólogo creado por George Lucas y Steven Spielberg -¿quién no se ha sentido nunca influenciado por algo?-, era cuestión de tiempo que una saga que ya acumulaba deudas creativas por todas partes mostrar síntomas de flaqueo. En contra de ciertas opiniones, la primera entrega de la, hasta ahora, trilogía resultó ser un más que sólido divertimento, gracias a un guión más o menos fresco que nos devolvía a una clase de cine de aventuras que llevábamos demasiado tiempo sin ver y ya extrañábamos en demasía. Pese a tener ya pocas cosas en común con la película de Karloff en la que se inspiraba, Sommers logró crear una suerte de mitología, con personajes carismáticos y atractivos, y una interesante trama de por medio. Tal vez no explotaba del todo las posibilidades de la historia, como esa especie de tragedia existente entre los personajes del sumo sacerdote Imhotep y su amor no correspondido, Anck-Su-Namun; así como esa especie de anti-redención asesina en la que había de matar a Evelyn para, en su lugar, poder resucitar a su amada, pero el director lo compensaba con unas fantásticas dosis de entretenimiento y aventuras, unidas a una cierta sencillez sobre el conjunto que la daba un toque despretensionado y agradecido. Sin embargo, el desgaste empezó a notarse demasiado rápido con su inminente secuela, la pasable The Mummy Returns. El presupuesto fue mucho mayor y la película, bastante aparatosa e irregular. El conjunto seguía mostrando cierta consistencia y, pese a todo, distraía bastante y la historia todavía guardaba cierto atractivo.

Saltándonos -nadie quiere recordarlos- los dos 'spin-off' con los que contó uno de los personajes de esta película, The Scorpion King, esta semana se ha estrenado la levemente esperada última entrega de la trilogía, en la que se ha apostado por cambiar casi todo: de entrada, Stephen Sommers, el responsable de las entregas anteriores, deja la silla de director al escasamente fiable Rob Cohen, director acostumbrado a ofrecer una de cal y otra de arena. Por otro lado, Rachel Weisz decide marcharse con Amenábar para rodar su Ágora, propiciando la contratación de una nueva actriz, Maria Bello, para el personaje. Otros, como Oded Fehr (el personaje de Ardeth Bay) tampoco aparecen en la película, sin siquiera contar con una sola mención.

Todo pintaba mal desde antes de su estreno, y, en efecto, los peores augurios, acallados antes por su buen material promocional, se han hecho realidad. La tumba del Emperador Dragón, en lugar de tratar de revitalizar la saga, tan solo toma las directrices de las anteriores entregas para entregar algo mucho más endeble, una especie de remix de la fórmula. Seguro que no soy el único que ha visto ese episodio de Los Simpson en el que, tras un incendio, aparecían como bomberos algunos de los ciudadanos de Springfield y, junto a ellos, un perro completamente desorientado, casi agonizante, del que Moe decía: "Han cruzado su raza tantas veces que no puede ni mantenerse en pie". Con esta nueva película de La momia pasa lo mismo. Ya son tantas las licencias, los "robos" a otras (mejores) películas del género que, a estas alturas, le es difícil sustentarse si no a base de parches, trampas y triquiñuelas de un guión que apuesta por el "todo vale" para, supuestamente, ofrecer espectáculo. Pero, aunque esa parece haber sido la prioridad del irregularísimo Cohen -realizador, pese a todo, de alguna que otra notable película como Dragón. La vida de Bruce Lee-, sobre todo al contar con un buen presupuesto entre sus manos (si hacemos caso a los rumores, este sería de 150 millones, algo que me parece completamente exagerado si tenemos en cuenta que la segunda apenas costó 98 y ofrecía un nivel parecido en lo que a efectos especiales se refiere), la película acaban por sustentarla Brendan Fraser y John Hannah, lo único salvable de la producción. Son, prácticamente, los únicos que han aguantado bien desde que Sommers y compañía redactaran el primer guión y crearan sus estupendos personajes. El resto, nada de nada. Maria Bello está completamente caricaturizada y se ve incapaz de retomar con acierto el rol dejado por Rachel Weisz. Para colmo, el personaje de Evelyn, en esta película, pasa a convertirse en una popular autora de libros basados en sus aventuras, lo que, sin ir más lejos, puede traernos a la memoria otra película de aventuras superior, la estupenda Tras el corazón verde, del gran Zemeckis.

Sin embargo, la culpa de todo no está en Cohen. El director ya ha demostrado con solvencia que sabe cumplir cuando se trata de rodar escenas de acción y hay un guión decente de por medio. No es el caso, pues, esta vez, el libreto es especialmente malo. Aunque la historia del Emperador Dragón es rebuscada y trata de ser original, el resto esta confeccionado a través de remiendos tejidos con la mayor convencionalidad. Todo en ella es previsible, pero, para colmo, crea un antagonista invencible -puede controlar los cinco elementos- al que luego no saben destruir dignamente cuando llega el momento de hacerlo. Se trata, sin duda, de la película peor resuelta que se ha estrenado en todo el año. Y luego nos metemos con el pobre Shyamalan por no dar una razón coherente a la sed asesina de unas puñeteras plantas.

Surgirán ahora iluminadas voces que la situarán como el más desolador 'blockbuster' de la temporada. Yo voy más lejos: es el más mediocre título que ha visto la luz este año en nuestras pantallas. Escalofriante que, hace poco más de cuatro meses, algunos de los productores quedaran tan satisfechos y entusiasmados con el resultado que decidieran entregarle al director varios billetitos más para seguir hinflando la producción. ¡Bravo! ¡A eso se le llama tener vista para el mercado! Resumiendo, una película tan abominable como los hombres de las nieves que surgen de las montañas, como quien no quiere la cosa, en mitad de la película.

Nivel de diversión: Bajo.

Para aficionados a...: Las más pobres miniseries fantásticas que, de cuando en cuando, programa Antena 3. La tumba del Emperador Dragón podría pasar, perfectamente, por una de ellas. En cuanto a los seguidores de la saga... La momia tendría que gustarles demasiado para poder soportar esta.

Valoración final: · (sobre cinco).

En un marco habitual, la película de Rob Cohen habría sido el estreno más pobre de la semana. Sin embargo, la ¿fortuna? ha querido que encuentre un serio competidor con varios kilos menos en su presupuesto y calidad semejante. Su título: Whisper, aunque en España han preferido cambiarlo por un desconcertante Hellion, el ángel caído. Aunque los 'remakes' de populares cintas de terror acostumbran ser nefastos, cuando nos encontramos con producciones como la dirigida por Steward Hendler realmente cuesta plantearse si lo que preferimos son mediocres repeticiones de buenos títulos del género o presuntas nuevas ideas, como la que nos ocupa. En realidad, Hellion de original tiene poco. Más bien, su caso es bastante parecido al de la película de la que hablábamos arriba: es un compendio de títulos mucho mejores, sin embargo, pertenientes a géneros un tanto dispares.

Por momentos, parece perfilarse como un 'thriller' de personajes, centrando la trama en unos delincuentes que deberán ocuparse en cómo afrontar el problema que tienen entre manos: han secuestrado a un niño perteneciente a una familia de clase alta para poder conseguir un botín considerable con el rescate, pero, casualidades de la vida, ese niño resulta ser el hijo de Lucifer. De este modo, Hellion pasa a convertirse en otro título más de terror (del malo), sin demasiadas distancias con respecto a otras películas que saltan directamente al mercado del DVD, destinadas a estar a lo alto de una estantería de videoclub.

Su único aliciente es ver cómo se desenvuelven dos de los intérpretes más populares de televisión en su salto al cine: por un lado, tenemos a Josh Holloway, famoso por su papel de Sawyer en Lost y por anunciar colonias; por otro, a Sarah Wayne Callies, la doctora Sara en las dos primeras temporadas de Prison Break, que, al parecer, volverá a reincorporarse al reparto en su nueva temporada, algo que me parece, cuanto menos, disparatado, en vista de la suerte que corre en uno de los primeros capítulos de la tercera entrega. No son malos actores en absoluto y consiguen sacar ligeramente algo de sus planísimos personajes. Una lástima que Holloway, con el carisma suficiente para encabezar otro tipo de producciones, solo pueda dedicarse a films de medio pelo como el que nos ocupa mientras lo compagina con Lost. Veremos qué tal le va cuando acabe la serie, pues, para lo que le echan, el muchacho ha demostrado ser buen actor. En cuanto a Callies, la verdad es que se defiende bastante bien, aunque no parece encajar correctamente en una película de estas características. Cuando se quite de encima Prison Break -serie ya en exceso alargada si tenemos en cuenta cuál era su planteamiento inicial-, debría probar suerte en otros géneros (drama, sin ir más lejos).

El resto del reparto... Poca cosa. El niño, que nos retrotrae directamente al Damien de La profecía, resulta bastante repelente y poco verosímil, aunque también es culpa del guión, que pone en su boca frases un tanto ridículas que, de escalofriantes que pretenden resultar, únicamente provocan la sorna más cruel. De todos modos, en el guión existe alguna idea o situación interesante que, de haberse aprovechado mejor, podría haber dado incluso para un decente 'mainstream'. No obstante, la película está realizada con tanta desgana que acaba por ser de lo más rutinaria y predecible. Solo en su final parece levantar un poco el vuelo, pero la conclusión, aunque diferente a lo habitual, no puede desprenderse de cierto halo de ridiculez, por no hablar de su precipitación y convencionalidad en la ejecución. ¡Que hemos visto tantos lobos negros en estas películas que ya no acojonan, hombre!

Su única virtud es que es corta y, por ello, no aburre. El resto, con la única salvación de sus (pobres) actores, es desastroso, confuso, mediocre y demasiado visto. Incluso la tensión existente entre sus protagonistas acaba por quedarse a medio gas en detrimento de ese tonto aire a cine de terror psicológico que el director parece buscar. Sustos fáciles, escenas de impacto que siempre son una pesadilla, y voces "angelicales" atormentando a los personajes para que se les vaya la olla. Lo de siempre, o peor.

Nivel de diversión: Bajo.

Para aficionados a...: Las películas de terror con pocos alicientes que sean fáciles de cazar y no tengan desarrollos complicados. A quienes les vayan los subproductos de videoclub (sin 'gore' ni nada que se le parezca, ojo), felicidades: tienen la irrepetible oportunidad de disfrutar uno de ellos en la pantalla grande.

Valoración final: · (sobre cinco).

Historias y psicohistorias

2008-08-04T18:02:00.005+02:00

Ante lo precipitado de mis vacaciones, en las que tuve que recoger mis bártulos en tiempo récord, olvidé echar en la maleta A sangre fría, el clásico de Capote que llevaba leyendo unos días. Precisamente, leer es una de las cosas que más me gusta hacer durante esas horas muertas en las que todo el mundo parece ponerse de acuerdo para marcharse y dejarme a cargo de bolsas y demás inutilidades. Además, el libro empezaba a tornarse seriamente interesante, y tenía intenciones de terminármele de una vez por todas durante mi retiro. Por tanto, ante la frustración provocada por dicho imprevisto, y una vez estacionado en mi escasamente paradisíaco lugar de destino, me dispuse a buscar una librería en la que conseguir un sustituto decente a Capote. Al principio, me incliné por El médico, una de las más populares novelas del conocido Noah Gordon. Sin embargo, no era un título que me suscitara excesiva pasión, por lo que decidí seguir buscando. Finalmente, me topé con un libro en cuya cubierta figuraba, con letras imponentes, el nombre de "ASIMOV".

Su nombre era Fundación, y parecía poseer, únicamente con ver la portada, un aura de "paja mental" considerable, la misma con la que contaba la extraordinaria Solaris, la novela por la que me decanté el verano pasado. Extrañamente fascinado tras leer su estrambótico argumento ("El hombre se ha dispersado por los planetas de la galaxia. La capital del Imperio es Trántor, centro de todas las intrigas y símbolo de la corrupción imperial. Un psicohistoriador, Hari Seldon, prevé, gracias a su ciencia fundada en el estudio matemático de los hechos, el derrumbamiento del Imperio y el retorno a la barbarie durante varios milenios. Seldon decide crear dos Fundaciones, situadas en cada extremo de la galaxia, a fin de reducir este período de barbarie a mil años."), decidí tirarme a la piscina y probar suerte con él.

Nada más empezar el libro, me encontré con un prólogo de Carlo Frabetti en el que todo empezó a despistarme. De golpe, descubrí que el libro formaba parte de una trilogía que continuaba con Fundación e Imperio y Segunda Fundación (cosa que los avispados editores decidieron no señalar en la cubierta) y que, más tarde, Isaac Asimov -para los más despistados, uno de los autores más importantes que ha conocido jamás la ciencia-ficción, creador de las leyes de la robótica y autor de clásicos como Yo, robot- había recopilado tropecientas novelas y relatos cortos que también tenían su lugar dentro de la saga conocida como El ciclo de Trántor. La cosa empezó a darme mala espina. Luego, al leer que dicha saga había recibido el Premio Hugo -cuyo nombre se debe a Hugo Gernsback, pionero del género- a la mejor "serie de novelas", me calmé ligeramente. Pero, dejándome de pamplinas, empecé a leerlo.

Fundación está estructurada en cinco partes, "Los psicohistoriadores", "Los enciclopedistas", "Los alcaldes", "Los comerciantes" y "Los príncipes comerciantes". Aunque, cronológicamente, aparecen en el orden correcto, entre ellos hay un margen de tiempo considerable. Su personaje más importante, Hari Seldon, tan solo aparece en la primera de todas las entregas, pese a que se le sigue mencionando y teniendo en cuenta como "guía" durante toda la novela. Es precisamente el tramo en el que aparece uno de los más entretenidos de los escritos por Asimov. La historia, desde el principio, tiene el atractivo suficiente para enganchar al lector. Sin embargo, Asimov abarca tanto que, en ciertas ocasiones, uno no puede evitar naufragar entre los mares de la imaginación de su autor. La primera mitad del libro acaba alzándose por encima de la segunda, por lo que, en conjunto, fundación se torna un tanto irregular. Toda la trama de Anacreonte y los Cuatro Reinos, protagonizada principalmente por Salvor Hardin, resulta bastante interesante. Sin embargo, aunque los sucesos que tienen lugar a continuación son importantes para el devenir de su historia, la narración pierde algo de fuerza conforme pasan las páginas, produciéndose ciertas desigualdades con lo leído anteriormente. Por fortuna, su extensa parte final recobra el excelente nivel inicial, dotando esta vez a la historia de unos agradecidos toques de intriga con tintes conspiranoicos, y consiguiendo que sus últimas páginas solo puedan leerse del tirón.

Todo un clásico del gran Asimov, que, pese a ciertas irregularidades, no se puede dejar pasar. No es de fácil acceso, dada la riqueza en detalles con la que el autor de origen ruso impregna sus tramas, pero quienes gusten de la ciencia-ficción sabrán valorar como merece la desbordante imaginación y brillante creatividad del genio que se encuentra detrás. Precisamente, por esto y por la escalofriante frase final, puede que, a fin de cuentas, me estire y eche mano de su secuela.

Hace unos días se anunció su adaptación cinematográfica a modo de superproducción, algo que me resulta, cuanto menos, disparatado, sobre todo si tenemos en cuenta que los protagonistas hablan por los codos, su acción no se corresponde en absoluto con los cánones del Hollywood actual, y la explicación de elementos como la psicohistoria o el significado de una "crisis Seldon" no son, ni mucho menos, tareas sencillas a la hora de redactar un guión, y más cuando en la propia novela se recurre habitualmente a la Enciclopedia Galáctica (escrita en tiempos futuros al contexto de la narración) para definir toda esta terminología.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: Asimov y, con ello, la ciencia-ficción original e inteligente. Aquellos que estén acostumbrados a seguir enrevesadas tramas literarias con muchos, muchos personajes, conseguirán apreciar los matices de los que el autor, claramente inspirado en las distintas épocas de la Historia pasada, dota a la complicada narración.

Valoración: ···· (sobre cinco).

Por cierto, por si nadie se ha dado cuenta, hay una flamante nueva encuesta en el blog... ¡La ausencia de votos empieza a inquietarme!

Retorno a la cueva

2008-08-02T17:33:00.011+02:00

Han sido muchos días (tal vez demasiados) de playa, piscina, sol, arena, 'cocktails' y camareros excéntricos, pero, al fin, estoy de vuelta. Tras mi reposo en tierras andaluzas, encerrado en un hotel lleno de niños gritones y desayunos tan pobres que prácticamente parecían "ayunos" -a esto se le llama volver con energías renovadas y buenos chistes bajo la manga-, vuelvo a mis igualmente poco estimulantes tierras y, por suerte, a mi amada cueva, única vía de contacto con el rico exterior. Justo al entrar descubro que está todo como lo dejé, especialmente en ese santuario que yo llamo "habitación" y, más tarde, mis tíos y primos me reclaman para seguir el guión establecido y comentarme a mí y al resto de mi familia lo morenos que estamos y lo guapos que venimos, a pesar de que, en algún que otro caso, eso sea una mentira despiadada y cochina (no en el mío, por supuesto).

Mi prima, responsable del cuidado de la casa en esos días, me comenta lo alucinada que está ante mi imponente colección de entradas pegadas con caprichoso orden y cuidado en la puerta de mi santuario. Todavía no le he dicho que conservo unas cuantas más en el bolsillo trasero...

Y es que, compañeros, un verdadero cinéfilo, incluso cuando decide retirarse temporalmente, es incapaz de descolgarse de las novedades que regala la cartelera, y más cuando hablamos de estrenos tan atractivos como el regreso de Mulder y Scully (a pesar de que, en vista de su taquilla, al final yo era el único que esperaba con ansiedad la vuelta de los personajes de una de las mejores series de todos los tiempos).

Amigos míos, el mismísimo día del estreno pude acudir religiosamente a ver una película que llevaba esperando desde hacía años: X-Files. Creer es la clave. La película de Chris Carter, que tenía toda la pinta de ser uno de los pelotazos del verano, ha acabado por cosechar un terrible fracaso tanto en taquilla como en críticas, donde poca gente, incluso hablando de fans irredentos de la serie, ha tenido piedad con ella. Y, sin embargo, yo pienso que la gente se queja de vicio. Viendo esta película, uno acaba por asumir que jamás tendremos ocasión de ver en cines la gran película de Expediente X, pero es que, de todos modos, no hace falta que la haya. Tenemos la serie, que es magnífica -de hecho, después de Lost, la considero la mejor en su género-, y ahora contamos con dos películas algo rutinarias que, sin embargo, no están nada mal. En el caso de esta secuela, Carter se esfuerza por aportar, a través de pequeños destellos, algunos datos a tener en cuenta dentro de la mitología de su mejor creación, pero la cosa no termina de cuajar en ese aspecto. En ningún momento llega a sorprender significativamente, pero, durante su visionado, siempre resulta entretenida, desde su estimulante comienzo hasta su algo atropellado final.

Tal vez, limando algunas asperezas, dando más importancia a Scully en la trama principal y eliminando cierta moralina religiosa, la película estaría bastante mejor, pero cuando se encienden las luces, siempre y cuando no se le haya exigido mucho a Carter, deja un buen sabor de boca. Hay que afrontarla como un 'thriller' y no como "la segunda venida de Jesucristo" (fabulosa aportación de George Lucas de cara al estreno de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal). Ofrece puro y sano divertimento, intriga en sus justas medidas, algún toque de humor -el momentazo Bush es inolvidable- y minutos de lucimiento para el grandísimo Mulder, muy bien interpretado por el estupendo David Duchovny, ahora resurgiendo en televisión con la curiosa Californication. Nada, parece ser que este año me voy a volver en contra de todo el mundo, puesto que aquello que parece decepcionar a las masas, como es el caso de esta película, de Indy IV o El Incidente, a mí me están encantando; y las producciones de las que todo el mundo sale satisfecho, como Iron Man o El increíble Hulk, no me están pareciendo gran cosa. Temiendo estoy la llegada de The Dark Knight. Se puede montar una buena...

Siguiendo con las adaptaciones televisivas, también pude ver Super a gente 86 de película (nadie sabe a qué viene el subtítulo aquí añadido...). Desde luego, no es una mala comedia, pero, como suele pasar con los trabajos de Peter Segal, es un trabajo algo irregular que acaba por quedarse a medio gas en ciertos aspectos. Una cosa tengo clara: Steve Carell es un actor como la copa de un pino. Hacía tiempo que no veía a nadie sustentar de esta manera una comedia en la que todo, menos él (bueno, y el excelente Alan Arkin), parece flojear conforme pasan los minutos. Suya es la responsabilidad de que buena parte de los 'gags', por tontos que sean, funcionen. El actor, en alza tras protagonizar el 'remake' de The Office e inmortalizar al protagonista de Virgen a los 40, consigue dotar de hilaridad incluso a las piedras. El resto del elenco aprueba. Anne Hathaway no tiene un rol muy complicado, y Dwayne Johnson (antes conocido como 'The Rock') cumple sin problemas. Alan Arkin está increíble: costará olvidar la escena del placaje en el congreso y la del pez espada, que ya vimos en el trailer.

No he llegado a ver la serie de televisión de Mel Brooks (me pilla un poco joven), pero la película, si se plantea como un entretenimiento sin demasiadas pretensiones, cumple su objetivo de sobra.

Entre tanto, Pliskeen ha concedido a Purgatorio crítico ni más ni menos que el Premio al Esfuerzo Personal. Curiosa mención de honor, pues, en vista del archivo de este blog, mucho esfuerzo no se ve. Pero, en fin, si Ron Howard aceptó el Oscar de Una mente maravillosa, ¿por qué iba yo a renegar de este? Muchas gracias, compañero.

Si no me equivoco, hay que seguir la cadena con un mínimo de siete blogs. Como voy a acabar repitiéndome, le concedo el premio a todos aquellos que se encuentran entre mis enlaces, a pesar de que muchos ya cuenten con alguno que otro: Amazing Movies, Cine-Novedades, D-47, Diario de una mente perturbada, El Emperador de los Helados, El teatro Kodak, Geektorium, La cinefilia, Nacho Vigalondo, Puto Godard, Quesito Rosa, Ser cinéfago según John Trent 2.0, Soy del montón, Spaulding's Blog, Tarantinospain, Totally Unrated, Tras las puertas, Tu blog de cine, Un día de furia y Visiones fugitivas. Todos ellos sí lo merecen.

Bueno, aquí termino este primer 'post' tras mi llegada. En cuanto vea unas cuantas películas, retomaré las reseñas normales. ¡Gracias por su paciencia!

No se me pongan nerviosos...

2008-07-24T20:02:00.003+02:00

...que sigo existiendo y el blog, de momento, no va a cerrar. Aunque la maniobra pueda traernos viejos recuerdos, la razón por la que llevo días sin actualizar es tan simple como que me he ido de vacaciones. No he avisado por una simple razón: ¡no lo sabía! Sencillamente, llegué a mi casa y me vi sorprendido por un montón de maletas, descubriendo instantáneamente que me marchaba a la playa. Sin avisar ni nada. Muy gracioso todo.
Y aquí estoy, en el hotel. Me he escapado ahora mismo, aprovechando que los ordenadores de la planta inferior que ofrecen acceso a Internet (por cierto, es un jodido timo, hay que pagar dos euros por media hora) al fin estaban libres de críos que, inexplicablemente, pasan el día delante de la pantalla con juegos chorra en lugar de irse a la playa o a la piscina de al lado. Intentaré, en esta breve porción de tiempo, irme pasando por algunos de los blogs "imprescindibles" que tengo en los enlaces -por cierto, flipando estoy con el récord de The Dark Knight-, pero no se pongan nerviosos que, por desgracia, creo que no soy omnipresente. Ya les iré contando algunas de las curiosas anécdotas que me están ocurriendo estos días por aquí y aquellas que estar por ocurrir, pero, puestos a adelantar acontecimientos, diré que la socorrista está como un queso y me he planteado seriamente hacerme el ahogado en la piscina.
Bueno, y para rellenar, en vista de que aún me queda tiempo, cumpliré con mi cometido (si mal no recuerdo, esto era un blog de cine) y pasaré a comentar muy brevemente algunas de las películas que he visto últimamente a la velocidad de la luz:

Kung Fu Panda está bastante bien, sobre todo en vista de otras "cositas" hechas por Dreamworks, pero paremos el carro: obviando que la productora todavía se encuentra a años luz de Pixar, la película es un tanto previsible y hasta rutinaria. Pero el guión tiene cierta consistencia y, pese a su nula originalidad, los personajes son buenas creaciones y algunos gags levantan la sonrisa del espectador. La carcajada, pues, no tiene que entender de edades.
Prométeme, de Kusturica, es otra más de su director. El problema principal es que es un título terriblemente flojo en comparación con alguna obra mucho más inspirada de su creador. Mientras que su anterior filme, La vida es un milagro, fue, para un servidor, un auténtico 'flash', esta película parece hecha por el peor imitador de Kusturica. Una historia cuasi original, con toques de lo más excéntricos, pero, finalmente, mal resuelta, que por momentos resulta hasta tediosa.
Hancock es flojísima. No les engaño: con el tiempo, he aprendido a aceptar que: 1) a un actor de la talla de Will Smith ya solo le podremos ver en producciones tan hipercomerciales como esta; y 2) que algunas buenas ideas a veces tienen que verse sacrificadas solo para contentar al gran público, ese que va al cine como el que va al circo o al zoo. En el caso de Hancock, el punto de partida era brillante, pero se ha desaprovechado absolutamente todo. Hablemos sin ningún miedo: se trata de un film mediocre, irregular, desigual, insuficiente e insatisfactorio. Su última media hora es un cachondeo, sus gags son tan repetitivos que no hacen ninguna gracia y, en definitiva, su intento por crear una mitología es tan leve y simplón que apenas impresiona. Un fracaso, aunque solo en lo que a calidad se refiere, pues sus cifras en taquilla apuntan, directamente, a una secuela.

Les hablaría de Superagente 86, pero el tiempo se me acaba de un modo exagerado. Mañana intentaré escaparme a un centro comercial a ver la nueva de Expediente X, así que, cuando vuelva (primeros de Agosto), ya les contaré. ¡Hasta la vista, mis abandonados lectores! ¡Les compensaré mi escapada!

Más de lo mismo

2008-07-09T13:12:00.010+02:00

Si algo bueno tenía la primera adaptación cinematográfica de Las crónicas de Narnia, estrenada con el subtítulo de El león, la bruja y el armario, era su facilidad para narrar clara y concisamente el inicio de una historia que, contada de otra forma, habría sido imposible de seguir. Si bien la algo cochambrosa mitología creada por C.S. Lewis contiene todo tipo de elementos -desde las metáforas cristianas hasta las simples incongruencias que se dan incluso hablando de una saga fantástica-, el director Andrew Adamson consiguió, a través de una narración algo parsimoniosa, elaborar un arranque mayormente entretenido, con la suficiente capacidad para encandilar a los críos y no dormir a los adultos. Sin embargo, aunque por lo general se ha apuntado que la primera entrega sufría una falta de acción y espectacularidad considerable, es precisamente el acto en que se da todo ello, donde, a mi juicio, cojea la película. Y es que El león, la bruja y el armario está bien hasta cierto punto. Es amena, pero una vez que empiezan las trampas, el espectador siente que le están estafando. Lo de la Mesa de Piedra -horrorosa manera de introducir, en una película fantástica para preadolescentes, una clara referencia a la Resurrección- es, de entrada, un cachondeo notable muy propio de la ultracatólica Walden Media, y las batallas, con una efectiva banda sonora atronando la escena y muchísimos planos generales, son de lo más desangeladas, sin mostrar jamás ni una sola gota de sangre. ¡Por Dios! ¡Que los tiempos han cambiado y los niños ya no son tan impresionables!

Ahora, un poco tarde con respecto al estreno de la taquillera entrega inicial, llega a nuestros cines su inmediata continuación, El príncipe Caspian. En esta secuela, se nota que el director ha escuchado algunas de las críticas a su predecesora y ha tratado de aprender de los errores. El problema es que no lo ha conseguido, y al final ha entregado una película que únicamente prolonga lo que ya hemos visto, no ofrece sorpresas considerables y se sitúa incluso algo por debajo de El león...

Lejos de ser una película mediocre o tediosa, esta nueva entrega carece de la emoción necesaria para conseguir, al menos, hacer vibrar al espectador. Las secuencias de acción están mejor coreografiadas e intentan alcanzar un sentido mayor de la maravilla, pero en ningún momento la película logra sobrepasar el eje de la corrección, siendo más un buen entretenimiento que el interesante nuevo episodio de una gran saga. El argumento da varias vueltas más que el de su antecesora, aunque sigue siendo sencillo de seguir. Sin embargo, da la sensación de ser muy pobretón, de ahí que Adamson prefiera derrochar millones y millones de dólares en largas batallitas -muchas de ellas deudoras de El Señor de los Anillos- y en una insulsa historia de amor carente de toda intensidad, antes que en dar un halo de interés y fascinación a la trama.

De todos modos, no todo son puntos negativos en El príncipe Caspian. Aunque su arranque no es muy esperanzador, los intentos por envolver de oscuridad la presencia de los telmarinos están conseguidos, el desarrollo es entretenido, y las peleas, cuando no se ven destrozadas por ataques de honradez, compasión u honestidad, incluso son espectaculares. ¡Y aparece Warwick Davis, el "enorme" protagonista de Willow!

En resumen, que, pese a estar siendo recibida con cierta frialdad por la crítica y el público, es un entretenimiento decente, aun estando a años luz de otras grandes sagas. Quienes disfrutaron de la primera probablemente no queden decepcionados con su secuela -en la que tampoco faltan las dichosas metáforas cristianas-, aunque no muestre una evolución considerable respecto a esta. Sin embargo, es probable que hablemos del 'blockbuster' menos interesante, junto con El increíble Hulk, estrenado este verano. Y eso, tratándose de la Disney, que en años anteriores ha contado con Piratas del Caribe o La búsqueda, es mucho decir.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: Las fantasías para preadolescentes, puesto que, como saga mayoritaria al nivel de El Señor de los Anillos o Star Wars (por poner ejemplos de franquicias), desde luego, no da la talla. Es un buen entretenimiento siempre y cuando se coja el hilo, y El león, la bruja y el armario no disgustase -ésta, desde luego, no la veo mucho mejor-. Quienes disfrutaran de los libros saldrán satisfechos: es un trabajo completamente fiel al original de C.S. Lewis.

Valoración final: ··· (sobre cinco).

Más insólito es aún el caso de Michael Haneke. Decía Alfred Hitchcock que la diferencia existente entre su 'remake' de El hombre que sabía demasiado y la original era que, mientras que la primera versión era la obra de un aficionado con talento, la segunda era la de un profesional. No estoy completamente seguro de que dicha afirmación se pueda aplicar a Funny Games, puesto que, en lugar de mejorar la obra anterior, Haneke la copia del primer al último minuto. El caso es este: si la original es espléndida, la nueva, exacta plano por plano, ¿lo es también?

Las únicas novedades que introduce el Funny Games norteamericano son sus actores, de mucho mayor caché, encabezados por la siempre deliciosa Naomi Watts, junto con uno de los rostros del momento, el gran Tim Roth, de moda ahora por su papel antagónico en El increíble Hulk. Un soberbio Michael Pitt -a estas alturas, todo un símbolo del cine independiente- y un, quizás, menor Brady Corbet ponen el toque de sadismo a su reparto. Por lo demás, todo es idéntico, punto por punto.

Haneke plantea un 'remake' exacto tal vez con el objetivo de llegar a mucho más público del logrado por la original austriaca, aunque para ello tenga que recurrir al engaño. La cosa parece obvia: Funny Games, da igual qué versión, es una película necesaria, que hace varios años podría haber resultado todo un experimento. Un experimento, no obstante, sobre los patrones del espectáculo, de la crueldad que se puede llegar a exhibir, de lo que, realmente, el espectador desea ver en una película de estas características. Hay que ir más allá: no estamos ante un 'thriller' al uso. Quien vea al trailer puede tomarla como una película más de intriga, pero se trata de algo muchísimo más profundo. A alguno le parecerá una tomadura de pelo, pero, en realidad, estamos ante un gran juego, al que la audiencia puede sumarse o mantenerse al margen.

Un par de guiños en determinados momentos piden a gritos la complicidad del espectador. En ello se sustenta, prácticamente, la gracia de la película. De hecho, y sin destripar nada fundamental, tenemos una secuencia en la que el cabecilla de la pareja supone, cínicamente, que nosotros estamos en el bando de la apurada familia y queremos que se salve.

Después de quejarnos y quejarnos tanto de la escasa originalidad de las historias que nos vienen de Hollywood, aquí tienen algo diferente. No es una película nueva en su integridad -más bien todo lo contrario, pues hablamos de un título, literalmente, rehecho-, pero quienes no disfrutarán de uno de los títulos esenciales de su época hace unos años, no deben perder la oportunidad de ver, de una vez por todas, el título más arrollador, fresco, original y cruel de los últimos tiempos. Una película imprescindible.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: La filmografía de Haneke, pues, según la opinión generalizada, es su mejor título. Quienes gusten de películas que van muchísimo más allá de lo que las apariencias indican, ese tipo de films que, aunque pueda llegar a defraudar, ofrecen resultados originales y muy por encima de la media, lo pasarán en grande con un juego maliciosamente divertido de ver, Funny Games.

Valoración: ···· (sobre cinco).

Tres clásicos, tres

2008-07-06T19:00:00.013+02:00

Quienes ya frecuentaban el blog antes de su pomposa reapertura recordarán la larga lista de películas pendientes de reseñar que figuraba en la columna de la derecha. Ahora no está, pero, para sorpresa de todos ustedes, no me la he comido y la sigo teniendo por ahí guardada. No me gusta dejar las cosas sin hacer, por lo que retomo dicha sección con dos de las películas de la lista unidas a una aportación mía (un título que vi hace unos días, ninguna cosa rara). Bueno, vamos allá.

A día de hoy, nadie que ame el cine puede negar la figura de Stanley Kubrick como una de las más importantes en toda su existencia. Capaz de todo, el director cambió el cine y todo lo que se conocía de él prácticamente desde el momento en que consiguió controlar su talento y, por ende, dominar todas las facetas de ese invento considerado, gracias a tipos como él, séptimo arte. Dicen que los genios no suelen caracterizarse por su constancia, pero aquí hablamos de un caso aparte. Raras veces, a lo largo de su trayectoria, no ha contado con el aplauso unánime al estrenar un filme, quizás con Fear and Desire -debut del que acabó renegando, considerándolo "un trabajo de aficionado-, El beso del asesino o incluso El resplandor, ejemplar muestra de cine de terror que, sin embargo, no convenció ni a los seguidores del relato original ni a su propio autor, Stephen King. Diferente sería, por ejemplo, lo ocurrido con Eyes Wide Shut, obra póstuma que, en el momento de su estreno, dejó fríos a público y crítica, más por su complejidad que por su verdadera calidad.

También, a la hora de analizar lo dejado por Kubrick, un apartado propio merecería la película que nos ocupa, Barry Lyndon. ¿De qué clase de título hablamos? ¿La obra de un maestro completamente consolidado? ¿La cima de su megalomanía? Yo me quedo con las dos opciones.

Ninguna, absolutamente ninguna película ha conseguido igualar, desde el día de su estreno, la recreación que el director de 2001: Una odisea del espacio hizo del escenario histórico en que se ambienta la película: en los Oscar, la película arrasó con todos los premios técnicos, obteniendo galardones su fotografía, dirección artística y vestuario, unidos al conseguidos por su incontestable banda sonora adaptada, que incluía piezas clásicas de Haendel, Schubert o Bach. Kubrick dio rienda suelta a su estilo más caprichoso y exhaustivo y, durante un largo rodaje en lujosos decorados de época, elaboró ni más ni menos lo que él pretendía: un documento inigualable del siglo XVIII. Partiendo de la novela homónima de William M. Thackeray -autor de La feria de las vanidades y mayor rival de Charles Dickens-, el realizador, sin demasiado sentido de la elipsis (sus más de tres horas de duración hablan por sí solas), construyó un portentoso relato en torno a la vida de un personaje ficticio y su ascensión, desde que se alista en el ejército británico hasta que se convierte definitivamente en el hombre rico que siempre había ansiado ser, peleando por conseguir definitivamente un título de nobleza.

Pese a la asumida frialdad con la que Kubrick recrea tanto a sus personajes como a todo lo que les rodea, la fuerza de la historia es innegable. El director la narra con una pasión inusual, consiguiendo que el espectador intime con sus caracteres y no se despegue de lo que cuenta pese a su duración y la consabida lentitud con la que avanza. No se puede decir que la película entretenga tanto como, por ejemplo, La chaqueta metálica, pero está anclada en un género completamente distinto, con un tratamiento diferente, mucho más complejo, y quizá hasta con mayor ambición. Puede que Barry Lyndon se trate del trabajo más arriesgado y con mayor desmesura jamás filmado por Kubrick: una pena que los Oscar, como casi siempre, no llegaran a hacerle justicia y le entregasen los premios correspondientes a las categorías principales a otro excelente film, Alguien voló sobre el nido del cuco, que, no obstante, quizá se encontraba algo por debajo.

Una obra maestra intachable, cargada de emoción y consistencia, eficazmente interpretada por un reparto desconocido y a la que, en definitiva, ya va siendo hora de valorar como se merece y sitaurla a la altura de los mejores títulos de su director.

Nivel de diversión: Medio.

Para aficionados a...: El eterno relato sobre el hombre que se hace a sí mismo, como puede ser Ciudadano Kane (salvando las distancias), las más intensas historias de época y, sobre todo, el cine.

Valoración final: ····· (sobre cinco).

Y pasamos de una genialidad a otra. Han pasado casi cincuenta años desde su estreno, y El apartamento sigue manteniendo una frescura envidiable que ya quisieran para sí muchas de las comedias actuales. Fiel a su espíritu de realizar películas de género con muchísima enjundia, un Billy Wilder en estado de gracia se reunió con su co-guionista habitual, I.A.L. Diamond, y el actor Jack Lemmon, un imprescindible en su cine desde que coincidieron en Con faldas y a lo loco (Some like it hot), para filmar una de las mejores comedias de todos los tiempos, la historia de un oficinista que, para crecer dentro de su empresa, debe prestar, con suma frecuencia, a sus superiores el apartamento alquilado en el que vive para que ellos tengan donde alojar a sus "señoritas".

Toda una sorpresa en su época, consiguió el Oscar a la Mejor Película -así como sendos premios para su director, guionistas, realizador artístico y montajista- gracias a su hábil mezcla de comedia corrosiva e inteligente, una historia de amor resultona de por medio y un pequeño mensaje moral sobre las ambiciones de los hombres, dispuestos a entregar su dignidad solo por ascender todo cuanto puedan.

Pese a sus dos horas de duración (algo raro para la época), la película es entretenidísima. Su brillante puesta en escena, los ejemplares movimientos de cámara, la manera de resolver cada una de las secuencias -incluyendo su desenlace, que juega con el espectador de manera asombrosa-, o incluso la forma de dar paso a su banda sonora -tan bien insertada que, en una ocasión determinada, logra hacer olvidar que lo que se está escuchando es el tocadiscos, algo que se encarga de recordarnos Lemmon, cortándolo en seco- convierten a El apartamento en una película perfecta. Incluso las actuaciones están a un altísimo nivel: su protagonista es, gracias a trabajos como este, todo un rey de la comedia, mientras que Shirley MacLaine está encantadora y Fred MacMurray cumple con el rol de su personaje.

Comedia sutil, innegable, hablamos sin duda del título más insigne de Billy Wilder, superior, incluso, a su obra maestra del cine negro Perdición (Double Indemnity). Un título imprescindible e imperecedero.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: El tipo de comedias honestas de las que se acaba sacando algo tras su visionado. Dentro de la filmografía de Wilder, es un título que todo acérrimo a su cine debe ver.

Valoración final: ····· (sobre cinco).

"No hay soledad más profunda que la de un samurái, salvo la de un tigre en la selva... tal vez". Algo más complicado que estos dos títulos sería la extraña El silencio de un hombre (Le sa mou raï), considerada por muchos una obra maestra de su género. Si bien a mí no me parece, en absoluto, un trabajo importantísimo dentro del cine negro, dentro de su nacionalidad (de origen francés), la película supuso un importante avance para asentarlo. Jean-Pierre Melville, experto en películas policíacas de mismo corte, adaptó una novela de Jean McLeod, narrando, intencionadamente, de manera muy fría la historia de un asesino a sueldo sin escrúpulos, siempre con la coartada perfecta, que un día se ve traicionado por quienes le contrataron y decide planear su venganza... mientras las autoridades siguen uno a uno cada uno de sus pasos.

No es una película sencilla, ni se trata, en absoluto, de la típica peli de perseguidores y perseguido. Tampoco es, precisamente, un gran entretenimiento: la película se sigue con verdadero interés más hacia su nudo, cuando la historia se complica, que en su comienzo, en el que el espectador más desorientado no sabrá, con certeza, qué demonios es lo que está viendo. La narración es muy densa. Hay planos larguísimos, a veces tan solo con gente andando: el director trabaja en la atmósfera implicándose al máximo, prácticamente da la sensación de querer contarlo todo con las imágenes.

La banda sonora aparece tan solo ocasionalmente. Es una pieza musical pequeña, ligera, que no altera en absoluto el pulso de la obra. Mientras tanto, las interpretaciones se saldan de manera notable. Su principal reclamo por aquel entonces, Alain Delon, cumple de sobras en un papel en el que el actor permanece inmutable e inalterable en todo momento. Melville quedó tan satisfecho con su trabajo que volvió a contra con él en sus siguientes películas, El círculo rojo (de la que Johnny To prepara 'remake') y Crónica negra.

No es una película accesible, pero quienes permanezcan abiertos a la rareza de su propuesta y planteamiento entenderán con plenitud la calidad que destila por los cuatro costados. Pero tampoco es, precisamente, el trabajo que uno no se cansa de revisar.

Nivel de diversión: Medio.

Para aficionados a...: El cine negro poco convencional y cerrado, así como el espíritu samurái. En este aspecto, habrá quien la encuentre fascinante. No obstante, ante todo, el requisito principal es tener mucha paciencia.

Valoración final: ···· (sobre cinco).

¿Cualquier tiempo pasado fue mejor?

2008-07-04T13:34:00.018+02:00

Han pasado casi cuatro años desde que Judd Apatow diese la campanada con Virgen a los 40, comedia asombrosamente bien escrita que logró situarse, sin demasiados problemas, por encima de la media del género gracias a la eficacia de buena parte de sus gags y, sobre todo, a unos personajes fabulosamente tratados, incluyendo a un brillante plantel de secundarios que, por momentos, conseguía robar la película. Desde entonces, Apatow se ha ido consolidando como el nuevo rey de la comedia conforme ha forjado todo un imperio de producciones, la mayoría de ellas con gran fortuna en taquilla -especialmente cuando, el pasado año, colocó a la notable Supersalidos entre los mayores éxitos de la temporada-. Ahora, y de nuevo como productor, Apatow estrena Paso de ti, desafortunada traducción de Forgetting Sarah Marshall, que no ha cumplido las expectativas en taquilla en su país de origen, pese a no situarse, en absoluto, por debajo de otros títulos ideados por el director de Lío embarazoso.

Con guión de su protagonista, Jason Segel -popular ahora por la divertida Cómo conocí a vuestra madre-, la película arranca con la traumática ruptura de la estrella de la televisión Sarah Marshall con su novio, el músico Peter Bretter, tras cinco años de relación. Lo que prosigue a continuación es lo habitual: los amigos del personaje central se entrometen en el asunto y, tras aconsejarle, principalmente, "follar todo lo que se mueva" (cita textual), decide tomarse unas vacaciones en Hawai, con la idea de enterrar su antigua relación, algo que se tornará complicado cuando descubra que su ex-novia se encuentra, precisamente, en su mismo hotel.

Pese a algunos titubeos en el arranque, la película se muestra como un formidable entretenimiento, sin apenas irregularidades significativas en su metraje. Existen momentos de comicidad algo obvios, pero consigue arrancar la sonrisa del espectador en numerosas ocasiones gracias a la complicidad que este adquiere con los personajes, de nuevo brillantemente dibujados. Hay cabida para todo, y, de nuevo, los secundarios logran sobreponerse en determinados momentos a sus protagonistas, como es el caso de la estrella musical emparejada con Sarah Marshall, o de su joven admirador, el camarero interpretado por uno de los rostros imprescindibles en cualquier producción Apatow, Jonah Hill.

Cierto es que su esquema, quizás, es algo elemental, pero se aleja bastante del corte habitual de las comedias románticas, siempre con buenos gags verbales bajo la manga y situaciones ocurrentes que evitan por completo cualquier atisbo de tedio. Algún que otro guiño cinéfilo y televisivo ("Debes aceptarlo, tu relación se ha acabado, como Los Soprano"), el justo toque dramático que otorga algo de credibilidad al conjunto, y la insólita simbología final (¿quién iba a pensar que una mamada podía significar tanto?) redondean una comedia entretenidísima que en ningún momento toma al espectador por imbécil. ¡Atención a los números musicales, sin desperdicio alguno!

Amigo mío, ¿su novia le obligó a ver Sexo en Nueva York? ¡Vendetta! Alguien ha escrito esta comedia exclusivamente para usted. No la deje pasar: raras veces verá en cartelera un título romántico para tíos.

Nivel de diversión: Alto
Para aficionados a...: Las comedias de Apatow, pues Paso de ti es de las mejores de su producción. No alcanza momentos de hilaridad tan altos como algunos logrados por Virgen a los 40, pero es algo más equilibrada que la cinta de Steve Carell. Además, a quienes les apestase el tufillo sensiblero desprendido por Lío embarazoso, encontrarán esta comedia algo más divertida.

Valoración final: ···· (sobre 5).

Tras estar mucho tiempo dando vueltas por festivales de todo el mundo, desde Sitges hasta Sundance, pasando por Texas, el pasado viernes llegó a nuestras pantallas, con tan solo 77 copias, el primer largometraje del, hasta ahora, popular cortometrajista Nacho Vigalondo, Los cronocrímenes. La película ha contado con una magnífica acogida allá donde se ha exhibido, mientras que ahora ha divido a crítica y público, principalmente por no tratarse del tipo de film que muchos esperan. Vigalondo ha elaborado un trabajo complejo, algo frío y, sobre todo, muy sugerente que, aun sin cumplir las expectativas de algunos espectadores, se desmarca de algunos de los mimbres habituales del género y, por supuesto, del tipo de cine al que nos tienen acostumbrados por aquí.

De entrada, la premisa es brillante: un tipo llega, tranquilamente, a su recién adquirida casa, situada en medio del bosque, después de hacer la compra. Su mujer se marcha un momento, y él, entonces, echa mano de unos prismáticos tras haber visto algo raro entre los árboles. Allí, aprecia a una chica desnuda y, confuso, marcha hacia el lugar, donde un hombre ataviado con una gabardina y una venda rosa en la cabeza le ataca. Entonces comienza su huída, concluyendo en el lugar menos esperado: una máquina del tiempo que le envía unas horas atrás.

El primer tramo es, quizá, lo más confuso de la película, cosa bastante obvia. Uno no sabe con certeza qué demonios está viendo, hasta que el film entra en materia hacia la media hora. Existe algún que otro detalle un tanto previsible, pero, por lo general, la trama se sigue con extraña fascinación. La atmósfera, los pequeños detalles, todo en el conjunto está admirablemente cuidado y adquiere razón de ser en su vibrante parte final, cuyo mayor pecado es, quizá, resultar un tanto repetitivo, algo inevitable tratándose de una película de viajes atrás en el tiempo.
Su principal problema -que tampoco se le puede acharcar plenamente a la película- es que a algunos espectadores les costará un poco seguir la trama, que no para de dar vueltas sobre sí misma hasta culminar en un desenlace asombroso y muy bien ejecutado, que deja un sabor de boca espléndido.

Un giro inesperado que, en definitiva, eleva Los cronocrímenes a la (merecida) categoría de "bombazo", convirtiéndola en una de las imprescindibles sorpresas del año que, de haber contado con una mayor distribución y publicidad, podría haberse convertido en un éxito. Sin embargo, tendrán que pasar unos años hasta que, al fin, se aprecie lo que alguien con muy poco presupuesto ha llegado a rodar. Pero eso no ocurrirá, al menos, hasta que el 'remake' producido por Tom Cruise llegue a los cines dentro de un tiempo.

Nivel de diversión: Alto
Para aficionados a...: La ciencia-ficción inteligente y, en particular, los viajes espacio-temporales. No es, ni mucho menos, Regreso al futuro, pero consigue situarse muy por encima de otras aventurillas de andar por casa como Timeline o la fallida última adaptación de La máquina del tiempo.
Valoración final: ···· (sobre cinco).

Por cierto, curiosamente, el pasado miércoles Vigalondo estrenó, en Muchachada Nui, su último 'sketch', ni más ni menos que un Back to the Future IV. No se lo pierdan:

He's Back!: El bloggero contraataca

2008-07-02T23:27:00.005+02:00

Me ha llevado varios días, he dado largas, he tomado decisiones equivocadas que, más tarde, he enmendado, y ahora, a día 3 de Julio, reabro oficialmente Purgatorio crítico, con nuevo diseño, nuevo 'banner', nuevas ideas, nuevos contenidos y, esperemos, también nuevos comentaristas -sumados, por supuesto, a los "genios" que llevan circulando por aquí desde que se estrenó el blog-. Las visitas han experimentado un interesante "subidón" desde que publiqué el artículo de resurrección, por llamarlo de algún modo, lo que me hace pensar que, para mi sorpresa, el proyecto interesa a más de uno.

Y, en definitiva, dicho proyecto ha terminado, o, mejor dicho, ha dejado de serlo. Ahora es una realidad, una complicada tarea, acertada o equivocada, pero tarea a fin de cuentas. ¿He tardado demasiado en prepararlo definitivamente? Sí, más de la cuenta. ¿Ha merecido la pena el trabajo? No lo sé, no soy quien tiene que valorarlo. A mí, de momento, todo lo planeado, las ideas pendientes de ejecutar y la selección de películas por reseñar, unido a sus excelentes sugerencias -que, téngalo por seguro, las he tenido en cuenta, incluso la del análisis de títulos 'gafapasta'-, me convence como "material nuevo" y, al menos, me sirve para poder decir que no voy a hacer lo mismo de siempre. ¿Mejor o peor? No sé, pero aportar algo distinto siempre es una razón para escribir.

Sería un cretino si, después de hacerles esperar tanto, no les avanzase algo en condiciones. Aunque hasta verlo no sabrán exactamente a qué me refiero, apenas habrá reseñas individuales. Para evitar extenderme en demasía a la hora de hablar de una película, contando en cinco párrafos lo que se puede contar en tres, los estrenos recientes -la idea es que sean los correspondientes a la semana de su estreno, pero no estoy seguro de poder llevarlo a rajatabla- serán resumidos y criticados en un solo artículo. De este modo, será más dinámico, rápido y fácil de leer. Además, las películas seguirán siendo puntuadas, pero a esto le he sumado otro tipo de calificación que, espero, sirva de guía a los más indecisos a la hora de ir al cine.

A su vez, aunque he retirado de la columna la lista de películas de 'Fuera de contexto', elaborada a través de recomendaciones de los lectores, se seguirán escribiendo críticas de esos films pendientes. Durante este tiempo, he visto muchos de ellos, pero todavía no puedo adelantar nada. La lista ha sido retirada del blog porque el orden en que serán publicadas sus correspondientes críticas no tendrá nada que ver con el que estaba puesto: no es que tan solo vaya a hablar de las que me apetezca, es que también estarán escritas en artículos colectivos, por así decirlo, y quedará mejor si los títulos de los que se habla pertenecen a la misma temática o género.

Las únicas reseñas individuales serán las de cine 'gafapasta', propuesta "bienientencionada" del Reverendo Gore, cuyo ciclo empezará analizando profundamente, en efecto, Blow Up, de Michelangelo Antonioni. No sé la frecuencia con la que haré esta sección, pero si me da algo, seguramente acabe convirtiéndose en mensual. Tiempo al tiempo...

Volverán las retrospectivas de actores -que, en Sesión Nocturna, acabé desterrando-, con biografías y comentarios de sus películas más conocidas.

Además de todo esto, los más detallistas se habrán dado cuenta del cambio en el lema del blog. Antes tenía puesto un sencillísimo "El blog de Jaime Lorite", pero ahora he preferido decantarme por "Maneras de perder el tiempo en el limbo". Con esto, lo que pretendo decir es que el blog no solo hablará de cine, sino de otros temas, como por ejemplo, de música. Amigos, ¿circula por ahí un nuevo disco de Judas Priest y nadie dice nada? Imperdonable.

Bien, hasta aquí queda explicado, de un modo algo superficial, lo que será el blog: diferente a lo que habían leído antes por aquí, y con más energía. Tardaré un tiempo en coger el ritmo, pero denme tiempo: no les decepcionaré. No sé si mañana tendré lista la primera doble reseña, pues todavía me queda por ver Paso de ti (Forgetting Sarah Marshall) y debería escribir a un ritmo meteórico. Y, ya saben, las prisas no son buenas.

Por cierto, no olviden votar en la nueva encuesta que he abierto: es la más interesante que he colgado y tiene una relevancia acojonante.

'Purgatorio crítico' resucita

2008-06-26T17:16:00.005+02:00

Era un secreto a voces, y ya es hora de confirmarlo: 'Purgatorio crítico' reinicirá su actividad, en principio, a partir de la semana que viene. Tras varios meses inactivo, y ahora con todo el tiempo libre del mundo por delante, me vuelve a picar el gusanillo de escribir, aunque mi idea esta vez va más allá de retomar el blog: el silencio mantenido durante este tiempo ha sido mucho más que un descanso vacacional, por lo que, si vuelvo, es con la intención de hacer algo nuevo, y no de limitarme a escribir lo de siempre una y otra vez. Una de las razones, aparte de la falta de tiempo, que me llevaron a enterrar la bitácora, fue el colosal aburrimiento que me infundía hablar constantemente de lo mismo. Ahora, existe una planificación, unida a una serie de buenas ideas -al menos, sobre el papel lo parecen- destinadas a cambiar en gran medida la monotonía por la que antes se regía 'Purgatorio crítico'. Resumiendo, que ahora el plan es seguir dando el coñazo sin por ello ser un coñazo.

De todos modos, y lo sé por experiencia propia, uno tiende a equivocarse, por lo que, a lo largo de estos días, tienen vía libre para dejar sus sugerencias, todo lo que se les ocurra y apetezca. Lo consideraré TODO, incluso las ideas absurdas, que, por estadística, son las que siempre funcionan. Recuerden: la semana que viene la estética, los temas y, por lo general, todo lo que hasta este momento ha sido 'Purgatorio' cambiará y mejorará, y qué mejor que empezar por cambiarse uno mismo: ¡ya pueden acceder a mi trabajado nuevo perfil!

Sí, de ahora en adelante pueden llamarme Dunn, David Dunn. ¡Gracias por adelantado!

This is the End

2008-03-08T12:01:00.003+01:00

Después de pasar un mes desaparecido, suponngo que ya va siendo hora de dar señales de vida y anunciar lo que muchos de ustedes ya habrán intuído: el cierre de Purgatorio crítico. Lamento haber pasado todo este tiempo "exiliado", por así decirlo, pero créanme si les digo que he estado ocupadísimo, y es precisamente por eso por lo que me veo obligado a aparcar, no sé si temporalmente, el blog. Durante este tiempo me han salido bastantes cosas, y conforme pasaban los días sin actualizar estaba cada vez más seguro de lo que debía hacer. Ustedes no se merecen, desde luego, pasar por aquí con regularidad para encontrarse siempre con la misma entrada en la portada. Lo peor de todo es que, de algún modo, me queda la sensación de haberles tomado el pelo a todos ustedes. Apenas llevaba poco más de un mes con esta nueva bitácora cuando me dio por dejar de publicar repentinamente. Mucho blog nuevo, pero ahora lo cierro a las primeras de cambio. Mis más sinceras disculpas, de veras.
De todos modos, quizás lo peor de esto no haya sido, simplemente, el abandonar toda escritura por estos lares, sino también mantenerme así de alejado de toda la blogosfera. Ni siquiera he tenido el "detalle" de dejar algún comentario durante estos días. Como mísera compensación por la faena de este abandono, trataré de pasarme por los blogs de todos aquellos que me han leído y comentado en las pocas semanas de duración de este fallido invento de forma regular, aunque solo sea para certificar que sigo vivo.
Pese a todo, si algún día me da por volver, trataré de anunciarlo a bombo y platillo, pero desde luego, les aseguro que ahora mismo eso no es algo precisamente factible.

De nuevo, reincido en mis disculpas y me despido con un "¡Hasta la vista!".

Vivir juntos, o morir solos

2008-02-06T20:34:00.001+01:00

Tras una devastadora campaña publicitaria organizada por uno de los magos actuales de la ficción a nivel mundial, J.J. Abrams, se estrena al fin una de las películas más esperadas y deseadas del presente año, inquietud motivada principalmente por el aspecto del monstruo encargado, por enésima vez, de asolar la ciudad de Nueva York. No han sido pocas las apuestas y especulaciones que han girado en torno a la criatura. Amparados en unos brevísimos fotogramas en los cuales hace acto de presencia, se le ha llegado a considerar desde un sucedáneo de Godzilla hasta uno de los protagonistas del Parque Jurásico de Spielberg. Una vez visto en pantalla grande, desde luego puedo asegurar que la bestia se parece, en comparación con las otras dos señaladas, lo que un huevo a una castaña, para entendernos.

¿Cómo es? No creo conveniente explicarlo, pero desde luego no decepciona, sino todo lo contrario. Además, dicho monstruo posee una cualidad que, supuestamente, debía de ser una sorpresa, pero ha sido ya desvelada en alguna reseña de la crítica especializada. En cualquier caso, esquivaré dicho punto para salvar un poco la idea de secretismo montada por Abrams.

Además del monstruo en cuestión, una de las preguntas más formuladas en los días previos a su estreno era si, después de tantísimo bombo, la película estaría a la altura de las expectativas. Lógicamente, es difícil responder con plena certeza, dado que eso va relacionado directamente con lo que uno le pida a Abrams y a su película de 21 millones de dólares. La mayoría de los espectadores deben de ir, ante todo, avisados de que Monstruoso (espantosa traducción de Cloverfield) no es ni muchísimo menos un ‘blockbuster’, principalmente porque el presupuesto no da para tanto, y, por otro lado, de que el film está grabado con una videocámara, de modo que uno sigue el suceso con el mismo desconcierto que los protagonistas: sin saber absolutamente nada. Si a esto le sumamos el factor Abrams, con todo lo bueno y lo malo que ello implica, no es difícil hacerse a la idea de cual será el resultado de la enigmática Monstruoso.

Aunque más de uno se sentirá estafado ante el descubrimiento de que, en efecto, no hay demasiado espectáculo y de que realmente se trata de una película de personajes y no de seres de otros mundos, el planteamiento y, hasta cierto punto, ejecución de la idea es prodigioso. En realidad, la cinta grabada es la fiesta de despedida de Rob, que ha sido nombrado vicepresidente de una empresa en Japón y marchará a dicho país al cabo de unas horas. Sin embargo, la celebración se va al garete cuando, para sorpresa de todos, hay un apagón parcial y, en el corazón de la gran manzana, tiene lugar una enorme explosión que nadie consigue explicar.

Lo demás es, prácticamente, la inevitable consecución del problema: las personas, ante lo desconocido, reaccionan de modos variopintos y siempre atemorizados. El pillaje inunda las calles de la ciudad, a la par que muchos de los ciudadanos neoyorkinos se refugian en las tiendas y pequeños comercios escapando no sólo del monstruo, del que aún no hemos visto un ápice, sino de la terrible humareda que cosecha a su paso (y, aunque hubiera tenido su gracia, definitivamente la criatura que destroza media ciudad NO es el humo negro de Lost)... y de lo que se esconde en ella, ni más ni menos que la “sorpresita” de la que les hablaba.

Desde el preciso instante en que la gente se percata del peligro que corren ante esa amenaza desconocida, la cámara (obviamente, un amigo de Rob) sigue la incansable búsqueda del protagonista a la mujer que realmente ama, y con la que, precisamente, acaba de discutir esa misma noche. Repetición, pues, de la premisa que inundó la segunda temporada de la serie más popular del productor ejecutivo de Monstruoso: “Vivir juntos, o morir solos”. Es a partir de aquí cuando el director, Matt Reeves, incrementa notablemente la angustia de los protagonistas, con peligro en los lugares más insospechados, algo que acecha en la oscuridad, y, sobre todo, el miedo a lo desconocido.

Alguno dirá que [·REC], la fenomenal película de terror de Jaume Balagueró y Paco Plaza, consiguió con muchísimos menos elementos atemorizar al espectador y hacerle sufrir hasta el punto de que este desease, como nada en el mundo, que la película llegase a su fin. ¿Tiene para el género de terror mayores aptitudes [·REC] que Cloverfield? Probablemente, pero quien imagine el último ingenio de Abrams como una película con la que pasar miedo, está muy equivocado. El guionista se ha centrado muchísimo más en las motivaciones principales de sus personajes que en la criatura, de ahí que, principalmente, Monstruoso tenga más de historia de amor que de terror.

Igual que Edgar Wright mostraba en su genial Shaun of the Dead una epidemia de zombies como otro obstáculo más en la complicada vida social de su protagonista, quien, a su vez, debía reconciliarse con su novia, enmendar las relaciones con su madre y enfrentarse a las responsabilidades que le asaltarán y, de hecho, le asaltan en su nueva vida, el monstruo de marras no representa más que un escollo en los accidentados amoríos entre Rob y su doncella en apuros, Beth.

Otro de los puntos a destacar de la película son los pequeños injertos de otra grabación realizada previamente a la de esa noche. En los momentos en que el cámara pulsa el botón de “Stop”, la cinta anterior es la que vemos en pantalla. De hecho, la película se cierra con el final de dicha grabación. Este desenlace decepcionará a muchos, pues no se revela nada importante del monstruo. En los diez minutos anteriores, el espectador ha tenido ocasión de verle de todas las maneras: alejado, cercano, de perfil, ¡incluso por dentro! Sin embargo, no llegamos a conocer su origen. Se dice ahora que este sí se puede averiguar, por ejemplo, en planos aparentemente irrelevantes donde no se ve nada que conste de verdadero interés, o incluso durante los títulos de crédito, en los mensajes cifrados que aparecen en la parte inferior de la pantalla. Habrá que buscar por Internet...

Por lo demás, no se trata de una película del todo redonda, ni siquiera en la consecución de sus planteamientos, que son del todo brillantes, pero que, al menos, sí que aporta mucho al género introduciendo algo que, por el momento, no habíamos visto, o al menos no de esta forma. Entretenida.

Calificación

7,25/10

Acorralados en Birmania

2008-02-05T21:41:00.002+01:00

Sin ataduras. Después de un regreso tan emotivo y bien recibido como Rocky Balboa, Sylvester Stallone vuelve con absoluta libertad para retomar las aventuras del famoso héroe de guerra John Rambo. En la sexta y última entrega de la que gozó su mítico personaje de boxeador, Stallone consiguió dar un broche de oro a la saga con un conseguido canto a la madurez emocional y la imposibilidad de volver la cara hacia lo que, en realidad, nacemos siendo. Aunque, en determinados momentos, John Rambo. Vuelta al infierno parece seguir derroteros similares, en esta ocasión Stallone ha optado por mantener las constantes habituales del protagonista, llevando a cabo una secuela más, algo superior, no obstante, a su segunda y tercera parte.

Se trata de un digno regreso, más por el tiempo que ha transcurrido desde que vimos la floja última entrega de la saga (Rambo III, en 1988) que por cómo se ha abordado, pues, en el fondo, estamos ante una secuela bastante corrientita en líneas generales, pero también con notables hallazgos en su conjunto. Con 61 años a sus espaldas, Stallone sigue dando golpes a diestro y siniestro, esta vez a unos militares birmanos que han tomado como rehenes a los misioneros que él mismo guió hasta la frontera. Lógicamente, los mamporros y demás se han visto reducidos a cinco intensísimos minutos situados cerca del desenlace que compensan plenamente el incesante parloteo que hay a lo largo del film.

Un par de frases sentenciosas y poco más salvan de algún modo la peor cara del film: hay dramatismo, pero este no resulta del todo efectivo. Lógicamente, nadie pagó para ver a su protagonista filosofando, pero Stallone ha optado, en esta ocasión, por presentar a su personaje de un modo alejado de toda estridencia, e incluso atormentado por sus propios recuerdos, pero en este aspecto, de algún modo, falla. Aunque, a primera instancia, no era necesario tal abordaje psicológico, el director ha perdido la oportunidad de llevar a cabo una apoteósica conclusión de la saga a partir de una certera deconstrucción del mito, del héroe, y de sus fantasmas del pasado.

Pese a ser complicado, a estas alturas, reprocharle a Stallone buena parte de las deficiencias con las que cuenta John Rambo, dada la abrumadora sencillez de su punto de partida, la película se presenta en exceso plana justo cuando no ocurre nada verdaderamente reseñable. La introducción es bastante interesante, mostrando una especie de competición llevada a cabo por el ejército birmano con sus prisioneros, y más tarde, la aparición inicial de Rambo no podría estar más conseguida. Con fondos cercanos a lo crepuscular, Stallone presenta a su icono a través del cansancio, de la lamentación, olvidándose de toda exageración e ironía.

Sin embargo, pese a su estupendo arranque, la película acaba por caer en lo obvio. Su premisa no puede ser más honesta, pero en cualquier caso el espectador siempre agradece que se le sorprenda con algún giro inesperado o vuelco en la trama. En John Rambo no ocurre nada de eso. Uno siempre sabe, al dedillo, lo que tendrá lugar en la próxima secuencia, y dada la funcionalidad de su dirección, la ejecución entre una y otra rara vez varía. Por momentos, lo único que se desea es que comience, al fin, la siguiente escena de acción, pues lo demás, si bien no aburre, tampoco es que enganche lo suficiente.

Menos mal que en su último tramo, Stallone recupera la garra y las ganas de dar espectáculo, brindando al espectador un brillantísimo último acto, cargado de fuerza y trepidancia. El director retrata la larguísima batalla final prácticamente como un instante de furia repentina, de arrebato, de enajenación por el sufrimiento. Unos minutos maravillosos, los más memorables de la película, muy por encima del resto del conjunto. Y, después, la calma. Realmente brillante.

Por lo demás, no se puede decir que, al igual que sus dos predecesoras, se recuerde demasiado por su calidad, pues se trata de una película entretenida y poco más. El problema es que Stallone sí podría haber ido más allá, pero ha preferido entregarnos otra secuela antes que redondear el mito. Es más divertida que el 80% de las películas de acción que se estrenan hoy día, pero no hubiera estado mal que, en una ocasión excepcional, el director se hubiese arriesgado un poco más. Buena conclusión, convencional film.

Calificación

6,75/10

Celebrities. Hoy: John Rambo

2008-02-03T13:10:00.001+01:00

El cine de acción no se entiende sin él. Es un mito, un héroe para muchos pese a las segundas lecturas que puedan tener sus películas. Sin embargo, el personaje bien podría desdoblarse en dos según "qué" tomemos como referencia. Aunque muchos parecen ignorarlo, antes de dar el salto al cine John Rambo fue el protagonista de la novela First Blood, de David Morrell, titulada aquí, literalmente, Primera sangre. También muchos parecen desconocer que, a pesar de que Acorralado no lo mostró así, el personaje de Rambo muere en la novela a manos del coronel Trautman (¡!), que a su vez también elimina al sheriff Teasle en mitad de un enfrentamiento entre ambos en la azotea de la casa donde se desarrolla la escena final. Morrell desaprobó que en la película se modificase tanto el desarrollo del film como el propio comportamiento del personaje, que originalmente era un frío asesino perturbado por sus recuerdos de la guerra, para quien no quedaba otra cosa más que luchar. Eso sí, se llegó a rodar una escena en la que Rambo se suicidaba, pero los implicados en el proyecto, y especialmente Stallone, decidieron que era mejor que ésta no viese la luz. Sin embargo, en los albores del dominio de Reagan, Acorralado se convirtió en un auténtico éxito de público, el cual vio en Rambo una nueva figura de acción, un héroe, un ídolo al que admirar. La opinión de Morrell sobre el nuevo trato otorgado al personaje cambió por completo y, mareado por los millones de billetes verdes que su creación estaba generando, decidió olvidarse del fatal desenlace del protagonista novelizando así la segunda y tercera entrega de la saga. Pero, ¿quién es John Rambo?

John James Rambo nació el 6 de Julio de 1947 (anecdóticamente, Stallone nació ese mismo día un año atrás) en Bowie, Arizona, en el seno de una familia con raíces alemanas e indias. Al concluir sus estudios en el instituto se alistó en el Ejército de los Estados Unidos precisamente el día en que cumplió 19 años, en 1966, y en Septiembre fue destinado a Vietnam. Al año siguiente regresó a Estados Unidos, comenzando a entrenarse como miembro de las Fuerzas Especiales en Fort Bragg, Carolina del Norte. Un par de años después volvió a Vietnam en otro frente distinto, hasta que, en Noviembre de 1971, fue capturado por las fuerzas norvietnamitas en las inmediaciones de la frontera china. De este modo, fue conducido a un campo de prisioneros de guerra, donde se le sometió a fuertes torturas que le dejarían marcado eternamente. En el año 1972 logró escapar, pero le asignaron a otro frente. Dos años más tarde, finalizó su servicio y regresó a casa. La primera película tiene como partida la dificultad de Rambo para adaptarse a la vida civil, y ocurre ocho años después de su regreso a casa, cuando descubre que todos sus compañeros en el frente han muerto, y además acaba de perder su empleo como mecánico en un taller de coches.

¡¡¡ALERTA DE SPOILERS!!! En los siguientes apartados, se analiza la saga película por película. Si lo creen conveniente, no lean las de aquellas que aún no han visto.

En 1982, Ted Kotcheff estrenaba Acorralado, película que adaptaba la novela de David Morrell, que sigue las andanzas del ex-boina verde John Rambo en su particular contienda contra las autoridades de la pequeña localidad de Hope, Washington. Sorprendentemente, la película se convirtió en un enorme éxito de taquilla, logrando una gran aceptación entre el público, que no tardó en ensalzar a su protagonista como uno de los grandes héroes del género (a pesar de que, técnicamente, su filosofía no sea muy admirable...). El film muestra como el protagonista es arrestado por vagabundear y resistirse al arresto, viéndose sometido, más tarde, a crueles tratos por parte de la policía del lugar, que le asesta varios golpes y le humilla. Durante todo esto, a Rambo le viene a la cabeza el tiempo en que estuvo apresado en Vietnam, y no se lo piensa dos veces a la hora de propinar varios golpes a aquellos a quienes tiene alrededor con tal de escapar. El protagonista roba una motocicleta y huye a las montañas, donde establece un fuerte, armándose y borrando a su paso todo aquel que pretenda darle caza. El sheriff Teasle recurre a la Guardia Nacional, que envía al coronel Trautman, antiguo oficial al mando de Rambo. El propio Trautman avisa: "No vengo a salva a Rambo de ustedes, sino a ustedes de Rambo". Poco tiempo después, la Guardia encuentra el escondite del protagonista y lanza una granada autopropulsada. Todos le dan por muerto, cosa que Rambo aprovecha para escapar a través de los túneles que dan con la carrretera principal del pueblo. Más tarde, tras provocar varios destrozos, es rodeado y mantiene un duelo dialéctico con Trautman, para después entregarse y ser apresado. Acorralado encumbró más aún a su protagonista, Sylvester Stallone, que acababa de alcanzar el éxito con las primeras entregas de Rocky, y encontró en este personaje otro auténtico icono del cine todavía por explotar. Aunque no posee el estátus de "cumbre del género", se trata de una película bastante entretenida, de gran popularidad en el momento de su estreno, pese a que sus secuelas empobrecieron bastante la calidad con la que se recordaba el conjunto. Bien narrada, con 'flash-backs' muy bien situados que ejercen de ráfagas en el herido recuerdo de su protagonista, Kotcheff logra otorgar a la película gran sentido del ritmo y del espéctaculo, interesando en todo momento. Sólo una pega: su final. Es la gran conclusión de todo y la situación no está nada mal planteada, pero Stallone no es muy buen actor que se diga, y la escena en la que él debe llorar mientras expone los motivos de su enfado queda incluso algo ridícula, y esto, además, si pasamos por alto la discutible ideología que envuelve dicha secuencia. Como curiosidad, David Caruso, conocido por su papel de Horatio Caine en CSI: Miami, tiene un pequeño papel en el film.

Tres años después, concretamente en 1985, el ya fallecido George Pan Cosmatos, director de Cobra, Tombstone o Conspiración en la sombra, tomó las riendas de la saga con Rambo: Acorralado II, secuela que, pese a no guardar muchas similitudes con la película original (por no hablar de la novela...), consiguió aún mayor éxito que su antecesora en taquilla, y por supuesto fue lapidada sin problemas por la crítica, obteniendo los Premios Razzie a Peor Película, Guión, Actor y Canción Original ("Peace in our life"). Fue, no obstante, el film que más ganacias género el año de su estreno, sólo por debajo de Regreso al futuro. Grandes tiempos para el cine. En esta película, Rambo permanece encarcelado por lo acontecido en la primera entrega, cuando de repente recibe la llamada del coronel Trautman, quien le visita para hacerle una oferta: tomar parte en una misión en Vietnam y, a cambio, recibir el perdón presidencial. Por supuesto, Rambo acepta, y más tarde se le comunica su tarea: hacer fotografías. Obviamente, el protagonista rechaza frontalmente quedarse de brazos cruzados en medio de todo un conflicto bélico, y decide atacar, sin calentarse la cabeza, al enemigo. El principal responsable de la operación es el teniente Murdock, a quien sólo le preocupa su riqueza y el indiscutible poder de la nación. Este decide abandonar a Rambo tras saber que no ha cumplido con su misión, sino que ha ido más allá, y que, para más inri, lleva con él a un prisionero de guerra. Rambo jura venganza, y deberá plantar cara al ejército soviético, que más tarde elimina a su compañera, Co Bao (que, en principio, iba a ser un hombre al que interpretaría... ¡John Travolta!). Rambo liquida al ejército y llega a su destino, para salvar a los prisioneros americanos. Allí, amenaza a Murdock, obligándole a volver a Vietnam para rescatar a los hombres que quedan allí. En mi opinión, se trata de un film en exceso denostado pues, pese a hacer gala de un fascismo ultra-acentuado, cumple sobradamente con su función de entretener, aunando bien el espectáculo y la imprescindible "acción por la acción" con momentos de buen cine de género, bien rodados e incluso de gran intensidad. Y es que se nota quién escribió el guión original: ni más ni menos que James Cameron, que en ese momento también preparaba Terminator y Aliens. El regreso. De todos modos, Stallone rectificó no pocas páginas del libreto, por lo que no es un dato del todo fiable a la hora de ver la película. ¿Inverosímil? Mucho, pero no creo que nadie esperase otra cosa. Muy divertida.

De nuevo, pasaron otros tres años hasta que Rambo volvió a aparecer en las pantallas de cine de todo el mundo, en la que sería su última peripecia comercial de la época (no lo olvidemos, ahora Stallone ha regresado 20 años después con John Rambo. Vuelta al infierno). Rambo III fue, en el momento de su estreno, la película más cara de la historia, y actualmente sigue siendo la más violenta jamás rodada. En esta película, Peter MacDonald, que hasta ahora había trabajado como operario y asistente de dirección en las anteriores entregas de la saga, tomó el mando de la dirección por primera vez en su carrera (más tarde, llevaría a cabo las poco agarciadas La historia interminable III o Soldado de fortuna, y se convertitía en uno de los principales responsables de la serie Historias de la cripta), elaborando un film que, no obstante, fracasó en su país de origen. La fórmula se agotó, y no lograron cubrir todo el presupuesto en el mercado doméstico, aunque bien es cierto que la recaudación mundial fue de vértigo. Sin embargo, ya sabemos que los americanos no hacen películas para el resto del mundo, por lo que los productores creyeron que era el momento de cerrar la saga. En Rambo III, nuestro "héroe" se encuentra en Thailandia ganándose la vida por medio de combates cuerpo a cuerpo. Sin embargo, no tardarán en volverle a reclamar. Rambo marcha a Afghanistán, donde el coronel Trautman ha sido capturado mientras trataba de suministrar armas a los 'muyahidines' afganos en su lucha contra los soviéticos. Rambo rescata a Trautman con la ayuda de estos, y elimina a todos los comandos soviéticos de la región. Como anécdota, las tropas soviéticas comenzaron a retirarse de la zona tan solo 10 días antes del estreno del film en Estados Unidos. También fue la última de la serie en la que apareció Richard Crenna (Trautman), fallecido en Enero de 2003 a causa de un cáncer de páncreas. Triste despedida de la saga para un buen actor, pues no es complicado darse cuenta de que, en efecto, Rambo III es la peor entrega de la, por entonces, trilogía. El personaje se siguió explotando del mismo modo que se hizo en la segunda, pero ya perdiendo por completo los ligerísimos y casi inofensivos ápices de verosimilitud que retenía la película de Cosmatos. No aburre (¡faltaría más!), pero se sigue más por amor al exceso que por cualquier otra cosa. Tiene incluso un toque paródico desmesurado, pero no creo que hubiese intención alguna de incluirlo. De todos modos, es justo reconocer que tiene unos cuantos momentazos: la carrera (para la que Sly utilizó el mismo caballo que Harrison Ford en Indiana Jones y la última cruzada), el rescate de Trautman, la cura de la herida con la cerilla, o la escena final. Para mear y no echar gota.

Próximamente, reseña de John Rambo. Vuelta al infierno.

Encuestas

2008-02-02T17:50:00.000+01:00

Les seré sincero y conciso: estoy preparando la segunda entrega de 'Celebrities', que está vez estará protagonizada por John Rambo, por lo que contrarrestaré la falta de tiempo cerrando estas encuestas mensuales de un modo plano, rápido y eficaz.

Ojeando el número de votos, parece que la cosa no les ha entusiasmado mucho, por lo que, hasta nuevo aviso, me tomo la licencia de cobrarme una de las primeras víctimas de mi traslado a Blogspot. Ya se me ocurrirá algo peor.

Bien, en 'La Encuesta del Mes', que se corresponde obviamente con Enero, les consultaba con todas las buenas intenciones del mundo (ilusos...) cuál ha sido, bajo su punto de vista, la película de estas Navidades. El resultado ha sido muy previsible: Soy leyenda, el film más taquillero de la pasada temporada, ha sido también el que más ha gustado a la mayoría de los parroquianos de PC, por lo que, con un 55%, se impone sin problemas al resto de candidatas. Inmediatamente por detrás se sitúa American Gangster, una de las mejores películas del pasado año, que consigue un 30% gracias sin duda a su hábil mezcla de intriga, acción e incluso sentido del humor. Una película de mafias como las de antes. El campanazo lo da Alvin y las ardillas. Aunque tan solo ha conseguido un 10%, es más de lo que, al menos, un servidor esperaba de ella, que era concretamente una cuarta posición. La película ha sido un sorprendente éxito de taquilla y ha salido la mar de rentable gracias a su presupuesto, por lo que los productores se pueden dar con un canto en los dientes. Segurísimo que habrá secuela. Probablemente, La búsqueda también cuente con una entrega más, pues El diario secreto ha funcionado satisfactoriamente, pero desde luego, los lectores no han quedado muy contentos con las nuevas aventuras de Nicolas Cage y compañía. Únicamente un alma cándida ha votado la película de Turteltaub, significando así un mediocre 5% para un film que aspiraba, supuestamente, a plantar cara a Soy leyenda.

En el 'Duelo de Titanes', dos jóvenes directores de cine de terror se enfrentaban con motivo del estreno de Halloween. El origen. Alexandre Aja ha ganado al director de esta última, Rob Zombie, uniéndose así al resto de nombres que han conseguido una reseña aquí. Estos son los ganadores del 'Duelo de Titanes' con una crítica pendiente de realizar:

Steven Spielberg: La lista de Schindler
Tony Scott: El último Boy Scout
Pixar: Los Increíbles
Quentin Tarantino: Pulp Fiction
Joseph L. Mankiewicz: Eva al desnudo
George Clooney: Confesiones de una mente peligrosa
Alexandre Aja: Alta tensión

Dicho esto, vuelvo a mi reclusión. Estoy viendo Acorralado: Rambo II, y en un par de horas voy a ver John Rambo. Vuelta al infierno, la nueva entrega. Con esta parsimonia, sólo nos queda rezar para que cumpla con las fechas acordadas: el 'Celebrities' de Rambo tiene que estar para mañana al mediodía, y la reseña de la nueva película, para el Lunes. ¡Felicidades a todos los que se llamen Fortunato!

Fuera de contexto: "Old Boy"

2008-01-31T23:30:00.002+01:00

Sugerida por: Alberto Q.

Brillantísima película de Park Chan-Wook, que adapta una novela gráfica de mismo título y, a su vez, conforma el núcleo de una trilogía sobre la venganza que también incluye los títulos Sympathy for Mr. Vengeance, anterior a este, y Sympathy for Lady Vengeance, estrenado aquí el pasado verano. Supuso un éxito monumental el año de su exhibición en cines, consiguiendo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y el premio a la Mejor Película en Sitges. Galardones sumamente merecidos y quizá insuficientes para la que se ha convertido, por méritos propios, en una de las más importantes e influyentes películas de los últimos tiempos, una verdadera joya que situó a Corea del Sur, el país de origen del director y, por ende, de la película, en el mapa cinematográfico, compartiendo protagonismo con otros excelentes trabajos que nos han ido llegando de Asia en el presente siglo (siendo uno de los casos más recientes la estupenda The Host, de Bong Joon-Ho).

Uno de los detalles más significativos de Old Boy es que, prácticamente, nunca presenta -ni trata de hacerlo- similitud alguna con trabajos de corte parecido que ya han tratado el suculento tema de la venganza, innovando en todo momento a través de una estética rompedora y un guión espléndido, confuso, abrumadoramente bien definido, casi con reminiscencias ‘kubrickianas’ (por ejemplo, en el empleo de música orquestada en momentos de ultraviolencia, como ya hiciese el Altísimo con Beethoven en La naranja mecánica). Old Boy es, en todo momento, una película originalísimamente tratada, que reventaría los esquemas del ‘thriller’ de no ser porque incluirla de un modo tan directo en dicho género, cuando en realidad trata muchísimos más, sería algo un tanto superficial.

La narración, ni lenta ni en exceso ágil, se aleja bastante de las pautas marcadas permitiéndose dar caprichosos saltos en el tiempo, insertos de personajes en lugares que no deberían corresponderles, ‘flash-backs’ reconvertidos en más de una ocasión en paralelismo del presente o del futuro más inmediato, etc. Sin embargo, esto no debe espantar a nadie: aunque la cosa no es muy fluída que se diga, todo se entiende a la perfección, no hay elemento que no quede explicado con absoluta exactitud, ya sea en su final o en cualquier otro tramo del film, y, aunque nunca puede dominar tanto como le gustaría el contenido y más que obvio poderío de las imágenes que circulan frente a sus ojos, el espectador no pierde jamás el interés por la historia, dado que su apasionadísimo guión está escrito casi con las tripas, de modo trepidante y asfixiante, gustando en todo momento, debido también a unos personajes deslumbrantemente perfilados y definidos. Un maldito prodigio.

Extraordinaria realización, por otra parte: Park Chan-Wook mueve los hilos de un modo excepcional, causando incluso cierta hipnosis a través de un particularísimo dominio de la técnica que queda impregnado en unos encuadres millonarios, sublimados por una soberbia dirección de fotografía, llevada a cabo por Jeong Jeong-Hun.

El monumental núcleo del enjundioso contenido de Old Boy queda maravillosamente recreado en unas imágenes que no se comen la valía de la historia, que convierte al espectador en fiel cómplice de la venganza de un hombre que busca la verdad, el porqué de todo, encumbrado a través de un espectacular epílogo, que ha causado discordia y que, a mi gusto, es el perfecto desenlace, cargado de anabolizadísimas segundas lecturas, y que, por otro lado, difiere del original, el mostrado en el cómic. Los últimos planos, incluidos aquellos que acompañan a los títulos de crédito, son de una belleza inimaginable. Fascinante, por otro lado, el modo de tomar curvas narrativas de una secuencia a otra.

En cuanto a los actores, la gran mayoría están extraordinarios (impresionantes Min-Sik y Ji-Tae), pero quienes hayan visto la película doblada comprobarán cierto problemilla: las películas asiáticas suelen ser, en general, difíciles de adecuar a las voces españolas. En la mayoría de las ocasiones, se suelen contratar a profesionales cuyo tono sea similar al de los actores originales; de ahí que, en el caso de las películas asiáticas, en las que los intérpretes tienen habitualmente unas inflexiones en la voz muy particulares, suelan darse incómodas traslaciones. Sea como sea, siempre es recomendable tratar de verlas en versión original con subtítulos, aunque para ello haya que hacerse, por narices, con el DVD original.

Concluyendo, esta vez sí que debe uno fustigarse en el caso de no haber visto Old Boy, a pesar de que el hipócrita que esto escribe haya visto la película hace un par de horas. En serio, pocas veces he tenido tan claro estar ante un verdadero clásico: no cabe duda de que, con el paso de los años, esta película se va a convertir en un episodio importante en la cinematografía de principios del nuevo milenio. Aunque, con las películas que me convencen de este modo, tiendo a ser apasionado, no crean que exagero lo más mínimo, pues Old Boy es, en verdad, extraordinaria.

Calificación

9,50/10

La gran promesa del Este

2008-01-30T23:20:00.001+01:00

En un año plagado de nominadas “de peso”, 4 meses, 3 semanas y 2 días supuso la gran sorpresa del Festival de Cannes, alzándose con la Palma de Oro. Sin haber visto las suficientes películas para juzgar, podría decir, de todos modos, que el premio es, sin duda, merecido, pues se trata, sin duda, de un magnífico film con el que su país de origen, Rumanía, da todo un golpe de autoridad entre el cine internacional. No olvidemos que, recientemente, tambiñen pudimos ver aquí, en medio de un gran éxito crítico, 12:08 Al este de Bucarest. Dirigida con gran pulso y espléndida planificación, 4 meses, 3 semanas y 2 días pone patas arriba el tema de los abortos (como probablemente lo hará Juno en cuestión de días) de una manera crudísima, coronando antes de tiempo a un director, Cristian Mungiu, al que pocos que hayan degustado este trabajo considerarían inexperto pese a su corta filmografía.

Y es que la película, pese a quizás no ser redonda del todo, es prácticamente un éxito a todos los niveles: la realización de Mungiu es tan inteligente que asusta, mostrándonos sin ningún tipo de concesiones toda la historia, de manera crítica, avispada, directa, pero sin elemento estrafalario alguno (a pesar de cierto detalle aproximadamente a la conclusión del film), y consiguiendo, además, un trabajo técnico de altísimo nivel. Si nos percatamos, a lo largo de su metraje existen poquísimos ‘travellings’, algo que aliviará a más de uno, y prácticamente durante todo el film, en la mayoría de escenas ambientadas en lugares concretos, la cámara está quieta. Esto, en principio, parecerá algo demasiado sencillo como para recalcarlo, pero dirigir a los actores para que sepan moverse por un plano así de determinado durante un buen rato no lo hace cualquiera. Mungiu lo logra, consiguiendo mostrar lo necesario en una reducidísimo imagen.

Por otro lado, la narración es intensísima, por lo que, a pesar de su consabida lentitud (¿esperaban un ‘blockbuster’?), el espectador mantiene siempre el interés por lo contado, a pesar de que, a veces, parezca que se nos den datos innecesarios para la historia. El guión, sabiamente matizado, conjuga bien el dramatismo con la dureza que lleva desde el primer momento encima. Además, resulta fascinante el modo que se tiene de hilvanar las ideas principales del film a través de secuencias casi complementarias que enriquecen el conjunto de modo que incluso se degusta mejor.

El ritmo, carente de excesivo brío, es bastante austero pero no molesta dado que, principalmente, no aburre nada y además no se da una duración desmedida: la película difícilmente alcanza las dos horas de metraje.

Por otro lado, los situados frente a la cámara son grandísimos intérpretes que, a pesar de no ser muy conocidos por el público (no, al menos, por mi parte) y carecer de mucha experiencia en el mundo del cine, dotan a la película de una inusual fuerza dramática gracias a actuaciones monumentales, creíbles, rozando lo escalofriante. Por momentos, es difícil no estremecerse ante el talento con el que los actores acometen sus respectivos papeles. Hacía tiempo que un servidor no veía una interpretación general de la talla de esta.

En resumidas cuentas, si uno es amante del cine y, de vez en cuando, le gusta desconectar de la parafernalia venida de Hollywood, no puedo hacer otra cosa más que recomendar ver este film que, con gran retraso, llega a nuestras salas de un modo quizá escaso que probablemente impulse a más de uno a descargarlo de Internet, como el que esto escribe ha hecho (magnífica oportunidad, por otro lado, para degustarla en su idioma original con los pertinentes subtítulos al castellano).

Una película de altísimo nivel con la asombrosa capacidad de perdurar en la cabeza del respetable durante bastante tiempo, a la que tal vez se le podrían achacar ciertas irregularidades en el conjunto, pero que, pese a todo, se mantiene entre lo mejorcito que hemos podido ver ya este año junto a Expiación y Darjeeling. No la dejen pasar.

Calificación

8/10

Fuera de contexto: "Napoleon Dynamite"

2008-01-29T19:41:00.001+01:00

Sugerida por: Alberto del V.

Muy curiosa película, que supuso el debut en el largometraje de Jared Hess, una de las jóvenes promesas de Hollywood. Sin contar con un éxito demoledor, Napoleon Dynamite se convirtió de la noche a la mañana en todo un film de culto, dada su innegable originalidad. Y es que, pese a la sencillez de su argumento, Napoleon Dynamite supone un cambio de juego en la comedia adolescente que hasta ahora habíamos visto.

Jared Hess presta atención, de este modo, al sector menos popular de los institutos, siguiendo a Napoleon, un joven apático, ‘freaky’ -en el peor sentido de la palabra- y con muy pocos amigos, que comparte piso con un treintañero en su misma sintonía y sin demasiadas aspiraciones en la vida. Hess trata de innovar, principalmente, en el estilo narrativo, alejándose de las pautas del cine norteamericano más comercial y optando por una pasividad que a más de uno resultará desquiciante, con la que pretende retratar la monotonía y el aburrimiento con que sus protagonistas viven los no pocos acontecimientos que se darán a lo largo del film (incluyendo, mucho ojo, después de los créditos, pues la película continúa más tarde durante unos minutos).

El problema principal reside en que, pasado el cuarto de hora, esta “originalidad” deja de sorprender, y desde ese momento el espectador sigue con el justo interés la historia, especialmente porque los personajes son, en su gran mayoría, excelentes creaciones y están tratados por los guionistas con un cariño inusual. Más tarde, en su desarrollo, presenta bastantes tiempos muertos en los que no ocurre nada que llame demasiado la atención. De todos modos, en parte este era uno de los objetivos de Hess a la hora de contar la historia. Efectivo en menor o mayor medida, no es a ciencia cierta un error del todo achacable, sino un estilo pasivo y parsimonioso que puede gustar o no hacerlo.

Aun así, en su última media hora, Napoleon Dynamite levanta asombrosamente el vuelo, regalando al espectador un puñado de buenos momentos de hilaridad (la chapa, el número de Napoleon en las elecciones) y, sobre todo, incrementando sobremanera la acción. Es aquí, cuando, en su mayoría, la película funciona mejor, pues uno lo pasa bastante bien y le resulta imposible quitar ojo de la pantalla.

Además, los actores son muy buenos. Fue esta película, precisamente, la que nos descubrió a Jon Heder, excelente intérprete que encarna a la perfección su personaje. Poco tiempo después, Heder prolongaría su éxito con Patinazo a la gloria, con Will Ferrell, enorme triunfo taquillero en Estados Unidos y fracaso absoluto en los demás países donde fue exhibida. Muy bien también Efren Ramírez, en la misma tónica de su protagonista, y Jon Gries, que está impagable. Mucha atención a la actuación de la joven Tina Majorino, a la que ya habíamos visto antes en otras películas (¡era la niña de Waterworld!), en un completo cambio de registro con el que inmortaliza a uno de los mejores personajes del film.

En líneas generales, es un film entretenido que se ve sin muchos problemas, pero al cual su condición de película de culto no ha hecho ningún favor. Tiene grandes momentos, pero, por lo general, está bastante sobrevalorada, siendo, simplemente, una interesante propuesta ‘indie’ con algún que otro curioso logro. Después de Napoleon Dynamite, Jared Hess se pasó al cine comercial con Super Nacho, a la que la crítica despedazó sin piedad. Qué quieren que les diga, a mi gusto, no existe una diferencia sensible entre la calidad de una y otra, lo que ocurre es que, como suele pasar, a Hess había que echarle en cara como fuese el haber dirigido una comedia con Jack Black.

Sinceramente, ambas son bastante dignas, a pesar de que la conclusión que se saque tras disfrutar Napoleon Dynamite sea la misma que cuando se ve un episodio de Trailer Park Boys.

Calificación

6,75/10

La familia es lo primero

2008-01-27T19:33:00.002+01:00

El pasado martes 22 fallecía en su apartamento de Manhattan el actor Heath Ledger, debido a una sobredosis producida por la consumición de seis medicamentos distintos, todos ellos con receta médica y, por ende, legales. El actor llevaba un tiempo tomando somníferos debido a su dificultad para conciliar el sueño desde su ruptura con la también actriz Michelle Williams, que se había hecho recientemente con la custodia de su hija, de tan solo dos años de edad. La noticia ha provocado gran conmoción tanto entre los medios de comunicación como entre el público, pues, a fin de cuentas, aunque no se sea seguidor suyo, un titular que reza la muerte de un joven de 28 años, con un gran futuro por delante, siempre es triste para todos. Que en paz descanse. Actualmente, el fallecido intérprete aún tiene pendiente de estreno dos películas que, precisamente, se encuentran entre lo más interesante de este año. Por un lado, I’m not there, una especie de biopic de Bob Dylan, para el que varios actores colaboraron dando vida al cantante. Por otro, un film radicalmente diferente, El caballero oscuro (The Dark Knight), secuela directa de Batman Begins, en la cual Ledger interpreta al Joker, uno de los villanos más populares de la saga, al que ya inmortalizó, en una tónica algo distinta, Jack Nicholson. A modo de homenaje, he optado por seleccionar una de sus películas menos conocidas, pero a partir de la cual se le empezó a tener en cuenta: la australiana Ned Kelly. Comienza la leyenda, que narra las “hazañas” del forajido irlandés.

Aunque en su día no contase con un éxito precisamente abultado y la crítica la acogiese con frialdad, Ned Kelly se presenta como un digno western, sin demasiados alicientes pero, pese a todo, bastante entretenido. En él, se cuentan sin excesivo brío las andanzas del bandido que da título al fin, quien busca justicia después de que unos guardias encarcelen a su madre a raíz de un crimen que él jamás cometió. Por lo general, la película sigue siempre una misma línea argumental, por lo que no se detiene demasiado en detalles ajenos a la historia pero tampoco trata de ahondar, ni siquiera de un modo superficial, en el carácter psicológico de los protagonistas. Es ahí donde reside uno de sus principales problemas: los personajes, de ese modo, actúan cuan marionetas a merced de un guión no lo suficientemente definido y carente de toda pasión.

Aun así, no es complicado en absoluto seguir la propuesta de Jordan, por lo que no aburre nunca. Ante el nulo poder dramático del film, el director recurre constantemente a su machacona banda sonora para acentuar los tramos, en teoría, más emotivos, que no llegan a estar explotados del todo bien, luciendo prácticamente como una sobreactuación de la idea y núcleo central que constituyen la, pese a todo, sólida base del conjunto.

De todos modos, en su desenlace gana una importante aunque obvia intensidad. El montaje del tiroteo final, así como el que acontece en el bosque en la primera mitad de la película, es fantástico, apoyado especialmente en una excelente fotografía, anclada siempre en unas tonalidades oscuras que ambientan y complementan a la perfección la historia.

Y es que, en lo relativo a la técnica, Ned Kelly es irreprochable. El presupuesto es bastante justo, y el dinero que había se ha empleado muy bien, construyéndose, de este modo, un western competente a casi todos los niveles, que sólo cojea en su guión. Aunque la historia es interesante, los mimbres no se han aprovechado al máximo, y se ha optado por algo mucho más convencional, alejado de cualquier estridencia, que parece buscar a toda costa la complicidad del espectador, algo que sólo consigue a medias.

Menos mal que la mayoría de sus actores son de primera fila y consiguen dotar a sus personajes de un carácter dramático que el guión no llega a ofrecer. Heath Ledger (que ya había trabajado con Jordan en Two Hands), por aquel entonces no muy reconocido, borda su papel a base de sobriedad y contención, aprovechando notablemente su primer papel relativamente de peso, tras haber protagonizado alguna que otra tontería sin demasiada relevancia. Orlando Bloom vuelve a convertirse en uno de los pocos actores capaces aún de romper con los esquemas del respetable brindado una actuación peor incluso de lo que cabría esperarse. El que esto escribe siempre ha pensado que su interpretación en Troya, de Petersen, era lo mínimo a lo que un actor podía llegar. Viendo Ned Kelly, descubro que estaba equivocado. ¡Y eso que soy de los que consideran que su intervención en Piratas del Caribe es muy discreta simplemente porque su personaje no da para mucho más! El resto de secundarios se defiende bastante bien, destacando especialmente un buen Joel Edgerton. Por cierto, muy desaprovechados Naomi Watts y Geoffrey Rush. Dos intérpretes espléndidos que, aquí, por desgracia, ejercen de mera comparsa, sin poder aportar gran cosa a la película.

Resumiendo, un trabajo corriente y moliente, que no ofrece nada que no hayamos visto antes. Afortunadamente, pese a estar bastante mal desarrollada y mostrar a unos personajes siempre en exceso planos, es un buen entretenimiento, que no molesta lo más mínimo ni aun tardando más en verla que en olvidarla. Es decente y gusta, pero no perdura por mucho tiempo.

Calificación

6,25/10

El milagro de J. Fesser

2008-01-25T19:16:00.001+01:00

Tras años de rumores y proyectos inacabados, en 2003 se estrenó al fin la primera adaptación de las emblemáticas historietas de Paco Ibáñez, en medio de un gran éxito taquillero y una desigual acogida por parte de la crítica. Cuentan que el autor de los cómics originales había quedado satisfecho a medias con la serie de televisión animada realizada años atrás y no estaba muy seguro de que una película de imagen real que recrease las aventuras de sus personajes fuese del todo viable. Sin embargo, una vez terminó la producción, Ibáñez tuvo ocasión de verla y quedó muy contento con el resultado, pues, esta vez, el espíritu de sus dibujos sí había quedado del todo plasmado en pantalla. Y es que, probablemente, la adaptación realizada por Javier Fesser -miembro de Gomaespuma, que ya había trabajado en cine con su exitosa El milagro de P. Tinto y algún que otro cortometraje (el último, Binta y la gran idea, consiguió una nominación al Oscar)- es la mejor que se podría haber llevado a cabo. No era empresa fácil el lanzamiento a la gran pantalla del deslumbrante universo de su autor, pero, en la medida de lo posible, Fesser ha logrado ser fiel a las historias que muchos de nosotros leíamos de pequeños a pesar de trasladarlo de algún modo a su terreno.

Se trata, pues, de un trabajo deslumbrante a todos los niveles, sin una calidad imponente pero con las armas necesarias para plantar cara a muchos de los títulos "de entretenimiento" norteamericanos y sobradamente a las pobretonas adaptaciones cinematográficas con las que hasta ahora han contado Astérix y Obélix (la última se estrena aquí en dos semanas). A pesar de constar de pasajes que cortan el ritmo sobremanera, y otros que quizá entretienen menos de lo debido, La gran aventura de Mortadelo y Filemón se presenta como una notable y muy divertida traslación de los personajes al cine.

Probablemente, la excentricidad con la que ha sido afrontada la propuesta llegue a espantar a más de un espectador, pero a cualquiera que se haya reído con la propia obra de Ibáñez no le debería resultar, en principio, tan lejano. Y es que, aunque por momentos los efectos especiales se coman a una, a su vez, algo embarullada historia, Fesser ha conseguido aúnar el humor visual de los cómics (caídas, golpes, etc.) con la ácida ironía que rezumaban muchos de los bocadillos sobre el papel con bastante corrección. Algunos chistes, especialmente los más riterativos, no terminan de funcionar, pero hay diálogos con bastante mala uva, cargados de sal gorda, que consiguen arrancar, cuanto menos, una carcajada a cualquier espectador cómplice de las aventuras de los personajes.

Quizás el principal problema con el que cuenta la película es la falta de fluidez en determinadas partes. Pasan ni más ni menos que diecisiete minutos hasta que al fin hace acto de presencia, con rojísimas y enormes letras, el título de la película. ¿Qué nos indica esto? Principalmente, que su introducción es bastante larga. Los protagonistas tardan unos minutos en aparecer (la escena en la que son despertados violentamente en su apartamento fue una de las más costosas a la hora de rodar, y viéndola se entiende a la perrfección el motivo), y los guionistas se prodigan mucho en explicar la historia y el funcionamiento del DDT (Desmoralizador De Tropas), que, finalmente, aunque en su comienzo parece que será el eje central de su argumento, pierde bastante peso conforme avanza la trama.

Más tarde, cuando ya entra en materia, la película se degusta mucho mejor. Los gags están más conseguidos, pese a la previsibilidad de muchos de ellos, siendo destacable la hilaridad de su imaginería visual. ¡Inolvidable el atropello del ya desaparecido Luis Ciges! Otro de los detalles positivos de la adaptación es que Fesser, además de introducir algunos pequeños arreglos para su funcionamiento en pantalla, ha optado también por complementar el rico universo del original introduciendo por primera vez a la madre de Filemón (¡fantástica Isbert!) y otorgando a Rompetechos, que nada tenía que ver con Mortadelo y Filemón, pero que cuenta, también, con sus minutos de gloria en el film, una ideología nostálgica con el franquismo. Fesser justificó este cambio explicando que un tipo bajito, rechoncho y con bigote sólo podía ser "facha".

Su final, muy simpático. Marea mucho la perdiz con los cambios de roles (el hijo del dictador, el "herido"), pero no se deja nada, tiene grandes momentos de humor, y hasta se permite concluir con el eterno e imprescindible epílogo de todas las entregas. Justo antes, Fesser se permite introducir otro pequeño homenaje al autor incluyendo un inmenso cartelón que reza "Ibáñez for President" entre el jolgorio montado por la llegada de las protagonistas a Valencia. En los créditos, se incluyen las localizaciones principales del film (el reino de Tirania es ni más ni menos que Gijón), agradeciendo a todos los figurantes su participación.

Mención aparte para sus actores. El director sufrió lo indecible para encontrar su Mortadelo, y justo cuando iba a dar su brazo a torcer, se topó con Benito Pocino, cartero que había contado con pequeños e irrelevantes papeles en el cine y que, dada su semblanza física con el personaje al que interpreta, revolucionó todo el casting. Hubo, de este modo, que contratar a nuevos actores que se pareciesen más a sus alter-egos, y ahí fue cuando se incorporaron los brillantes Pepe Viyuela y Marino Venancio, en los papeles de Filemón y el Súper, respectivamente. Todos ellos están espléndidos. A destacar la aparición del gran Dominique Pinon en un papel más o menos antagónico (generalmente por un malentendido), el de Fredy Mazas, el agente especial de la TIA infiltrado en el reino de Tirania como primero en la línea sucesoria.

Resumiendo, una muy buena adaptación, que no terminó de convencer ni a público ni a crítica en el momento de su estreno, pero que, viendo lo que parece prometer su secuela, probablemente se revalorice en cuestión de días. Yo, personalmente, reconozco que en el momento de su estreno, me apabulló bastante y no la terminé de encajar del todo bien. A juzgar por mi opinión actual, podría asegurar con total franqueza que un segundo visionado, más relajado y con la simple intención de pasar una hora y media distraído, aporta muchísimo. Viendo las anteriores películas de este ciclo que, en un par de días, me he sacado de la manga, parece obvio que La gran aventura de Mortadelo y Filemón es, tal vez, la mejor adaptación de un cómic español hasta la fecha. Si no hay novedades, mañana me invitarán a ver la segunda entrega. No tengo en mente hacer reseña, pero trataré de avanzarles algo en los comentarios o en algún comunicado estelar de los que cuelo debajo de las calificaciones.

Calificación

7,25/10

Venga, y si mañana saco tiempo, antes de que se me merienden, le monto por fin un merecido homenaje al amigo Heath Ledger con alguna reseña. No va a ser Brokeback Mountain, ni Destino de caballero, ni Los amos de Dogtown, que esas están siendo las más sobeteadas estos días.

Earth Attacks?

2008-01-24T23:18:00.001+01:00

Hace varios años, la pareja artística formada por Ricardo y Nacho alcanzó un inesperado éxito gracias a la serie de cómics Goomer, que narraba las desventuras de un camionero intergaláctico destinado a vivir para siempre en un planeta habitado aún por descubrir, después de que su nave volase por los aires. Las viñetas fueron publicadas primero en El Mundo, y más tarde apareció, si mal no recuerdo, en el suplemento dominical El Pequeño País (o algo así, vaya) y en algunas revistas más o menos conocidas. En general, las tiras no es que fuesen precisamente maravillosas, pero tenían algún chiste acertado y unos personajes muy bien perfilados en los cuales radicó mayoritariamente su éxito, a pesar de que, a día de hoy, se recuerde más bien poco. En 1999, se llevó a cabo una idea no tan disparatada como pintaba a priori: estrenar una película de dibujos animados que contase la llegada de Goomer al planeta. Sin embargo, no funcionó, principalmente porque la mala leche imperante en los cómics se perdió por completo en una adaptación que, primordialmente, tenía como objetivo agradar a todo tipo de público.

En taquilla tuvo poco premio y la crítica no fue muy complaciente que se diga con ella, a pesar de que, poco tiempo más tarde, la Academia de Cine Español le entregase el Goya a la Mejor Película de Animación. Y es que, en definitiva, ni directores ni guionistas consiguieron explotar del todo los mimbres, elbaorando una película bastante discreta que bien podría haber sido estrenada directamente en televisión, a juzgar por su estética. Una traslación a cine bastante pobre, amén de prescindible, que no aportó demasiado a lo ofrecido previamente por los cómics, que a mí tampoco es que me gustasen mucho.

Y es que, sorprendentemente, la historia muestra muchas más carencias en pantalla, pues los guionistas no han sabido suplir del todo los consabidos problemas que acarreaba esta adaptación. De este modo, queda algo coja, y hasta larga, pese a sobrepasar muy raspadamente la hora de duración. En su comienzo, ya se intuye un poco por donde irán los tiros. Música machacona de Blue 4U metida con calzador, y ahora absolutamente olvidada, una pequeña referencia a Star Trek, y una copia (que no homenaje) bastante descarada a uno de los chistes de la primera entrega de Austin Powers, tras la descongelación del protagonista. Luego, muchos de sus gags resultan bastante simplones y hasta infantiles, sin mucha gracia que se diga, destacando muy por encima del conjunto la notable imaginería visual de los ilustradores, muy superior a la poca creatividad de los guionistas.

Bien es cierto que la película no aburre, pero porque no hay momento para ello. Casi siempre está pasando algo más o menos fundamental para la trama, pero siempre da la sensación de que su historia podría haber interesado más. El despertar del protagonista en el hotel, con el posterior 'tour' por las calles de esa ciudad alienígena, está muy por debajo de lo que podría haber dado de sí, y la idea por generalizar a la especie humana dentro de la endeble capacidad mental de Goomer (cercana incluso a los objetivos de Mike Judge en Idiocracia) es buena pero también queda mal perfilada. Pero los personajes, al menos, caen simpáticos y es por ellos por los que, en general, se sigue la película. Además, la particular historia de amor entre el protagonista y una extraterrestre alcanza buenos momentos de comicidad, pese a ser algo previsible y anclarse demasiado en lo típico y tópico.

El doblaje, bastante bien. Jordi Estadella, uno de los más destacados en su oficio, pone voz al protagonista con acierto, al igual que José Mota y Juan Muñoz, miembros del ya desaparecido dúo Cruz y Raya, con cualidades para este trabajo como más tarde demostraron en la, por el momento, trilogía de Shrek.

Resumiendo, otro fiasco. Había posibilidades para elaborar una buena película, pero tras su disfraz de cine de animación para adultos, con tacos y muchos chistes sexuales, no lo suficientemente afortunados, se esconde un film bastante discreto que, precisamente, encontrará en los más pequeños su mejor público. Sus puntuales brotes de mala uva no son más que esbozos de lo que debería haber sido la adaptación, bastante chusca a nivel general. No sé si se seguirán haciendo nuevas entregas de Goomer, pero la posibilidad de una segunda película, tras el fracaso de esta, es muy poco factible. Una oportunidad perdida, pues.

Calificación

4/10

Mañana, la tercera y última entrega de este pequeño ciclo. Por eliminación: si todo esto lo he montado en torno al estreno de Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra, y he hablado de las adaptaciones de Historias de la puta mili y Goomer, ¿cuál falta?

Salvar al sargento Arensivia

2008-01-24T12:55:00.001+01:00

Mañana se estrena Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra, segunda adaptación de los fenomenales cómics de Paco Ibáñez, que tiene todas las de ser un desastre: Antena 3 es la que anda detrás de todo esto, Benito Pocino, que interpretaba a Mortadelo, ha sido sustituido por Eduard Soto, el 'Neng' de Castefa, los avances que hemos vistos no son nada alentadores... En un principio, un servidor no tenía intención alguna de verla, pero, como siempre, hay amigos que sí y, bajo el pretexto de ser el cumpleaños de uno de ellos, el compañero en cuestión tiene pensado pagarnos a todos la entrada. Voy a verla gratis, así que ya se sabe: a caballo regalado no hay que mirarle el diente. Eso sí, no cuenten con ver la reseña del film, pues bastante tengo ya con sufrir la película durante hora y media. Si ustedes son de los que analizan exhaustivamente la columna de su derecha, se habrán cerciorado de que abajo, como 'El estreno de la semana', figura la película rumana 4 meses, 3 semanas y 2 días, así que será de esa de la cual me digne a colgar una breve y mediocre opinión improvisada entre el viernes y el lunes. También se estrena Hacia rutas salvajes, de Sean Penn, pero esa no hay manera de verla por ninguna parte. Esperemos a que salga un DvDRip por ahí, pues aquí en Talavera no parecen tener muchas intenciones de exhibirla. Bueno, dejando a un lado mis muy emocionantes planes para el fin de semana, pasaré a explicarles como me las he apañado para vincular Historias de la puta mili con cualquiera de los estrenos de este viernes. Como antes comentaba, Mortadelo y Filemón. Misión... se inspira en las viñetas del estupendo Paco Ibáñez, así que, de nuevo, explorando los recovecos de mi memoria he pensado en otras tres adaptaciones de cómics con acento español, y he aquí la primera. ¿Era necesario? No, pero menos es nada.

Historias de la puta mili se presenta como una adaptación de las populares tiras cómicas de Ivá, simpático dibujante fallecido en una fecha cercana al estreno de esta película, que aparecían en la, a estas alturas, legendaria revista El Jueves. Sin embargo, como suele pasar, no se trata de una traslación a imagen real de las ilustraciones que el bueno de Ivá elaboró años atrás, sino de una toma de personajes que sitúa a estos en un contexto diferente al habitual. Con guión de Juan Potau y el Gran Wyoming, e historia del propio Ivá, los personajes se ven envueltos en una misión especial de la OTAN. Esto, obviamente, rompe con la hilaridad del conjunto pues, prácticamente, una de las señas más divertidas de las viñetas originales era que sus historias solían tener un trasfondo "normal" y, por tanto, más cercano. Historias de la puta mili, la película, cae en el exceso, tratándose así prácticamente de una sobreactuación del original.

A pesar de que, sorprendentemente, consiguiese llevar a bastante público a las salas, Historias de la puta mili no deja de ser una mera guía a través de todos los tópicos del cine español. No hay ni rastro del ingenio que caracterizaba las ilustraciones de Ivá, no hay chispa, ni hay nada que la diferencia de buena parte de las comedias que, con más frecuencia de la necesaria -si es que existe alguna necesidad-, se producen por aquí. Ni siquiera valorándola independientemente del original gana un ápice de calidad, pues en el guión, escrito probablemente en poco menos de una semana (y conste que Wyoming siempre me ha parecido un cómico bastante majo), no existe un hilo conductor claro. Sólo cuando se traspasa la media hora al fin se intuye una historia, pues hasta ese momento, Historias de la puta mili es una sucesión de chistes mal contados, situaciones diferentes sin demasiado conexión entre una y otra. Muchos 'gags' antimilitaristas, pero que, en general, hacen poca gracia.

Sí que es cierto que, de vez en cuando, en medio de la zafiedad del conjunto, se da algún ligero brote humorístico que, al menos, arranca una sonrisa del espectador, si bien es cierto que esto se debe a que sus actores están muy por encima de las circunstancias. No en vano sus chistes visuales están mucho más conseguidos que los verbales. Pero, en general, no ofrece precisamente una gran diversión, pues, aunque no aburra, se hace ciertamente algo larga en su tramo final, dado que 97 minutos es un metraje mucho más amplio de lo necesario para lo que se cuenta.

La dirección, además, es bastante pobre, pues no aporta apenas nada al libreto ni mueve demasiado bien los hilos de una trama que, en definitiva, no se sustenta. Todo queda deslavazado, sin ritmo alguno ni excesiva fluidez, de modo que, en definitiva, no hay mucho más que varios chistes toscos de vertiente escatológica, en la línea de lo conocido como "españoladas". Mucho sexo, mucho coloquialismo, y alguna parodia al desmedido patriotismo que solía y, de hecho, suele mover esos círculos, con los ecologistas en su punto de mira. Menos mal, reitero, que muchos de sus actores no son malos en absoluto: Juan Echanove realiza un papel estupendo como el sargento Arensivia, mientras que no deja de resultar gracioso ver como intérpretes no muy conocidos por aquel entonces y ahora bastante populares, como es el caso de Jordi Mollà y Achero Mañas, se vean envueltos en esto. Como curiosidad, Achero Mañas se convirtió, más tarde, en director de cine, y su mayor éxito le llegó con El Bola, que seguía a un personaje con dicho nombre como apodo. Es precisamente el Bola como se conoce a uno de los protagonistas de Historias de la puta mili.

En fin, lo más que puedo sugerirles es que lean los cómics, que son espléndidos, y se olviden de la película, que no deja de ser un triste esbozo, superficial y tosco, de lo que creó Ivá. Muy mala.

Calificación

2,50/10

Para redondear el mes que llevamos, anoche falleció Jaume Sorribas, miembro fundador de Els Joglars, a la edad de 59 años. El polifacético actor tiene una pequeña aparición en esta película como ecologista. Que en paz descanse.

Réquiem por un genio

2008-01-22T22:17:00.002+01:00

Antes de embarcarme en otro ciclo imposible con motivo del estreno de cierta película, no podía dejar que pasase un día más sin rendir mi particular homenaje a uno de los grandes genios del último siglo, Bobby Fischer. El sábado conocimos la noticia de su fallecimiento, tras permanecer años desaparecido. Amado por unos, denostado por otros, el que esto escribe reconoce una notable fascinación hacia su persona que se podría remontar años atrás, a pesar de que, en sus últimos años, dio claras muestras de estar como una cabra, al festejar, entre otras cosas, los atentados del 11 de Septiembre. De todos modos, un par de excentricidades injustificadas no son suficientes para arrebatar a Fischer la condición de genio, de leyenda, de uno de los grandes mitos de los últimos tiempos y quizás el mejor jugador de ajedrez de la historia. Quienes hayan visto la película de la que pasaré a hablar ahora sabrán que, en realidad, la cosa tiene poco que ver con Bobby Fischer, pero, en cualquier caso, supongo que servirá como particular homenaje a la figura de este Gran Maestro.

En 1993, Steven Zaillian, uno de los mejores guionistas de Hollywood, autor de trabajos como La lista de Schindler, Misión imposible, Gangs of New York o la reciente American Gangster, y ahora también uno de los responsables del próximo 'remake' de Los cronocrímenes de Vigalondo, aún inédita por aquí, decidió dar el salto a la dirección con En busca de Bobby Fischer, la apasionante adaptación de la novela de mismo nombre escrita por Fred Waitzkin, el padre real del protagonista, un niño prodigio llamado a ser, desde los siete años, el heredero directo del trono dejado por Fischer. Pese a contar con buena parte de los tópicos propios de este tipo de cine, y estar realizada muy al modo de Hollywood, sin excesiva originalidad, la película no tuvo una gran aceptación en taquilla pero sí gustó mucho a la crítica y al (poco) público que la vio, dada la tremenda afición de los espectadores por estas historias de superación al otro lado del Atlántico... por no decir a ambos, porque, para ser sinceros, hace falta ser de piedra para no emocionarse como es debido con una película tan bienintencionada y amable.

Zaillian utiliza prácticamente todas las trampas posibles para convertir al espectador en un cómplice más a favor de su causa, y, gracias a su experiencia, si uno sólo trata de evadirse durante algo más de hora y media, el realizador y guionista lo consigue con creces, logrando que En busca de Bobby Fischer enganche desde su comienzo hasta su muy bien resuelto final. Los personajes, todos, están brillantemente retratados. El director no arriesga un ápice al no ofrecer para nada un ligero ápice de crudeza, tergiversando en cierto modo la idea que, partiendo de extractos que he podido leer en Internet, el autor de la novela pretendía transmitir: aquí, el personaje de Mantegna es el padre perfecto, el prototipo de cabeza de familia políticamente correcto que va al béisbol y presta la máxima atención a sus hijos, mientras que el auténtico Fred Waitzkin reconoció en más de una ocasión que, por momentos, veía más a su hijo como un ajedrecista que como un niño, y que apenas recordaba como era Josh antes de denotar una clara aficción por el juego de mesa.

No es éste el único factor que juega en contra de la historia construída por Zaillian: todo aparece demasiado idealizado, lo cual dificulta la verosimilitud de muchos factores clave del film. Está basado en hechos reales, pero esto no significa, en absoluto, que el director no haya recurrido a los más que obvios trucos del cine dramático "a gusto de la Academia" para retocar un poco su versión de los hechos, edulcorándola en exceso y haciendo quizás difícil su digestión para los espectadores más exigentes. Sin embargo, pese al abuso de tópicos y elementos de lo más almibarados, el guión está escrito notablemente, pues consigue que uno pase por alto en todo momento detalles así y se centra en el probado atractivo de la historia. Y es que, cuando Hollywood lleva a cabo superproducciones dramáticas con niño de por medio, no hay quien se resista.

Todo es consistente, y no hay escenas innecesarias ni nada que pueda aburrir al respetable. La historia se desarrolla poco a poco, con un excelente ritmo narrativo alejado de toda estridencia, y sólo cortado brevemente por pequeños segmentos que aportan datos significativos sobre la vida de Bobby Fischer, ídolo del protagonista. La estructura narrativa clásica es bastante obvia, diferenciándose sin problemas cada uno de los puntos de su esquema introducción-nudo-desenlace. Tanto la ambientación como la fotografía (especialemnte en interiores) son espléndidas, y el montaje de algunas partidas -especialmente la última- es espléndido. Además, muchas escenas, si no han pasado ya a la historia del género, es porque el tiempo no ha querido: ¿qué me dicen de la escena en la que Kingsley tira todas las piezas de ajedrez para que su "discípulo" preste atención al tablero? ¿O de la regañina en medio de la lluvia de Fred con su hijo, cuando este confiesa su intención de dejar de jugar sólo para no decepcionarle más?

Por otro lado, su fantástico elenco brilla con luz propia. De Kingsley poco se puede decir ya. El actor asume un rol bastante sencillo y brinda de nuevo una actuación memorable. Mejor está un fantástico Joe Mantegna en uno de los mejores papeles de su carrera. Viendo su irregular trayectoria, no puedo evitar pensar que el tiempo le ha jugado una mala pasada al actor, y que, pese a su intervención en la tercera entrega de El Padrino, nunca ha estado lo suficientemente reconocido. Destacable también el buen hacer de un Laurence Fishburne pre-Matrix, que desempeña notablemente su particular papel de compañero de fatigas del niño en sus pasos iniciales en las calles de Brooklyn. En cuanto al niño, muy bien. No es repelente ni dificulta en absoluto el disfrute del film, como ah pasado ya en más de una ocasión.

En resumidas cuentas, un trabajo estupendo, con sentido del ritmo y de la medida, entretenido y compacto del primer al último minuto. No soporta muchos análisis, pues se trata de una película bastante convencional y muy al gusto de las masas, pero es bonita y se ve sin problemas. Prácticamente, un clásico. A modo de curiosidad, muchos de los personajes reales aparecen en la primera escena en el parque.

Calificación

7,50/10

Antes de terminar, una noticia que me ha dejado atónito: Heath Ledger ha fallecido. Aún no existen demasiados datos, pero se han encontrado pastillas junto a su cadáver. Como lo leen.

Un crimen casi 'ferpecto'

2008-01-21T21:20:00.001+01:00

Estamos viviendo un comienzo de año, cuanto menos, ilusionante. La primera semana del año, llegaba a nuestras pantallas con cierto retraso el interesante 'remake' Halloween. El origen, a través de la visión del inefable Rob Zombie, y la desde ya reivindicable La sombra del cazador, una pequeña joya que no pueden dejar pasar de su quizá inminente exhibición en cines. Algo más tarde, se estrenaba la excelente Expiación. Más allá de la pasión, una de las seguras candidatas al Oscar y un arrollador ejemplo de cine comedido, inteligente y bien realizado. A falta de ver títulos tan atractivos como This is England, Viaje a Darjeeling o Caramel, esta semana Álex de la Iglesia continúa echando leña a un fuego que se torna de lo más esperanzador con su esperadísima última película, Los crímenes de Oxford.

Este film, rodado en inglés, supone el segundo reto internacional de Álex de la Iglesia tras su fallida Perdita Durango, y, al contrario que en la anterior, el realizador en esta ocasión ha arriesgado bastante menos moderando considerablemente su muy particular sentido del humor en favor de una historia bastante más seria que, contada de otro modo, habría perdido todo interés. Siendo sinceros, si dejamos el fanatismo a un lado y olvidamos lo mucho que nos pudieron gustar El Día de la Bestia o La comunidad, Los crímenes de Oxford es una de las películas más conseguidas artística y formalmente de su director.

De la Iglesia ha crecido con este trabajo, dirigiendo una película mucho más madura con la que, probablemente, sí logre un éxito superior a nivel internacional. Aunque no es el realizador al que estamos acostumbrados ver, el responsable de títulos tan ensalzables como 800 balas lleva a cabo el trabajo con todo el buen oficio del mundo, impregnando de talento buena parte de las escenas del mismo, especialmente todo el plano-secuencia que sigue a los principales personajes entrelazando lo que estaban acometiendo justo cuando se descubre el primer cadáver, prácticamente como si se tratase del enunciado de un complicado problema más dependiente de la lógica que de cualquier fórmula matemática.

Desde ese momento, Los crímenes de Oxford se convierte en un entretenimiento que no brinda tregua alguna al espectador. Mientras uno presta atención al más mínimo detalle para tratar de descubrir quién es el asesino en cuestión, el film sigue una investigación constante ofreciendo poco a poco algunas de las pistas principales para la resolución del enigma. A modo de curiosidad, no sé si alguien se habrá dado cuenta, pero al principio de la película, cuando Elijah Wood sale de la universidad, se ve con claridad al fondo una pizarra que reza "Be aware". A lo largo de sus casi dos horas de duración, confié en que eso tuviese cierta importancia en el desenlace. El caso es que, aunque hay mucho 'flash-back' en sus últimos minutos, de la pizarra ni rastro. Simple y llanamente, una pequeña broma del realizador vasco.

No es esta la única seña de identidad que, a lo largo de su metraje, De la Iglesia deja: aunque Los crímenes de Oxford es una película mucho más seria, se dan algunas escenas bastante curiosas más a nivel visual que oral, como por ejemplo todos los retrocesos narrativos sobre el crimen perfecto o el motivo por el cual el amigo de Seldom está hospitalizado en esas condiciones. Dan absolutamente igual los derroteros por los que el director pretende marchar, pues es tal el magnetismo con el que lo envuelve todo que uno no puede quitar jamás ojo de la pantalla, a la espera de un ataque de generosidad de los guionistas, que no sueltan prenda hasta bien entrado el último tramo.

Los actores, espléndidos. John Hurt desborda talento en cada uno de los planos en los que es enfocado, mientras que Elijah Wood se defiende bastante bien. Lo cierto es que, en contra de la opinión de muchos, a mí me parece un intérprete bastante majo. Librarse del peso de un personaje como Frodo le está resultando difícil, y, de hecho, pasados cinco años del estreno de la última entrega de la trilogía, el actor sigue siendo mucho más recordado por su personaje en El Señor de los Anillos que por méritos propios, y es una lástima. A Leonor Watling siempre da gusto verla, tanto físicamente como en labores interpretativas. Aquí, la actriz protagoniza un par de desnudos de esos que "exige" el guión, de los que "enriquecen" la trama. Julie Cox cumple. No la consideraría una actriz con muchos recursos, pero sale adelante como su estereotipado personaje le permite. Hasta la fecha, ha protagonizado más telefilmes que otra cosa, y ha sido secundaria en una película de Van Damme, por lo que veremos si aprovecha oportunidades como esta y, en un futuro, logra hacerse paso en la cada vez más difícil industria del cine. Mención aparte para Dominique Pinon. Su aparición no es muy prolongada, pero cada vez que aparece roba la película. Un portento, bastante simpático, además.

En resumidas cuentas, que, pese a no tener excesivos puntos en común con algunos de los títulos más representativos de De la Iglesia, Los crímenes de Oxford es, desde ya, una película a tener en cuenta dentro de la filmografía del realizador vasco y todo un ejemplo de buen cine de intriga, capaz de enganchar desde sus primeros minutos hasta su embarullado desenlace, proporcionando al espectador las justas pistas para mantenerle enganchado, sin tomarle el pelo jamás, como sí lo hicieron, a base de bien, muchas de las películas de género provenientes del otro lado del Atlántico estrenadas el pasado año, como El número 23.

En cuanto al supuesto lío matemático, comentarles que no es para tanto. La solución es más sencilla de lo que en todo momento parece, por lo que, en esta ocasión, el director no ha abusado de los números y se ha dedicado más a representar una continua reducción al absurdo. Además, las dos o tres cuentas que hay se entienden perfectamente, y, ojo, que quien lo dice suspendió (y de hecho sigue suspendiendo, pues por el momento aún estudio) muchos exámenes de Matemáticas. ¡Sólo hace falta haber visto Los Simpson para resolver la llamada "serie idiota"!

Calificación

7,50/10

Una de intrigas matemáticas

2008-01-20T23:05:00.001+01:00

Soy un tipo con mucho tiempo libre, y cuando tengo tiempo libre soy peligroso. Esta es la razón de más peso que puedo ofrecer a la hora de justificar esta reseña de Cube, bajo el contexto de cine matemático resucitado recientemente por la estimable Los crímenes de Oxford, de Alex de la Iglesia, de la que tendrán crítica muy pronto por estos lares. Cube y Los crímenes de Oxford se parecen entre sí lo que un huevo a una castaña, pero en ambas se habla de términos científicos y numéricos, y tinglados de esos que un fracasado de letras como yo nunca podría llegar a entender, por lo que la relación parece inequívoca. Otra película hubiese sido más apropiada, pero el pasado año, entre los ya derribados muros de Sesión Nocturna, hice otro reportaje rarito de esos con motivo del estreno de El número 23 y, aunque por aquí todos queremos mucho a Darren Aronofsky, no había bemoles a ver otra vez Pi. Fe en el caos y a analizarla punto por punto. Vamos, pues, con la obra de culto de Vincenzo Natali, que también se las trae.

Resulta irónico en ciertas ocasiones ver como cientos de miles de espectadores inconformistas tratan de investigar el significado del cubo de Natali y las muchas y confusas metáforas que nuestro amigo canadiense ha montado en Cube, cuando probablemente una de las propiedades más destacables -y destacadas- de la misma sea la sencillez con la que el director de Cypher confecciona una historia cuyo mayor atractivo es el hecho de no significar nada. ¿Qué es el cubo? La teoría más expandida por la red es que se trata, simple y llanamente, de un experimento gubernamental que utiliza a ciudadanos medios con vidas alejadas de toda estridencia como conejillos de indias entre los cuales la cooperación, más allá de una bota o unas gafas, es su principal arma de resistencia y supervivencia. Sin embargo, yo creo que el experimento en cuestión, más que gubernamental, es tan cinematográfico como lo puede ser cualquier otra película de similares características. Igual todo lo del cubo, a juzgar por su final, no es más que un purgatorio de tránsito indefinido, pero como aquí el autor no está en condiciones de analizar nada enjundioso, trataré de centrarme, más que en el porqué del cubo, en el proqué de lo portentoso de Cube.

Y es que, aunque el argumento se centra en la aparición de seis desconocidos sin relación aparente entre ellos dentro de una sala cúbica rodeada de más salas cúbicas que conforman, obviamente, un monumental cubo, vista ahora uno se da cuenta de que la película de Natali es, probablemente, una de las más importantes y originales que fueron llevadas a cabo en la época de los noventa. Ni el Saw de James Wan, claro deudor de Cube, supone una mínima parte de la sombra del inmenso y complicado embrollo que plantea el canadiense. Tratar de saber lo que simboliza cada tonalidad de las imperantes en las salas del claustrofóbico y cúbico laberinto es, a estas alturas, una tarea ardua e inútil, pues, aun a riesgo de equivocarme, tengo la certeza de que el realizador no tenía mayor intención que la de realzar la atmósfera de tensión, de pánico, que se apodera en momentos determinadísimos de la carga dramática del film.

Una carga dramática que se acentúa con el paso de los minutos, partiendo del desconcierto inicial hasta la desesperación y las ansias por escapar de una cárcel desconocida y salvaje que encierra miles de trampas y misterios que, probablemente, no vivan para conocer. Afortunadamente, Cube cuenta con la sólida base de un guión brillantemente escrito por tres cabezas (entre ellas la del director) con la suficiente imaginación como para divertir al espectador durante una hora y media ambientada únicamente en cuatro paredes que dan paso a otras cuatro paredes, con la esperanza de alcanzar una salida. Es por ello que, de entre las decenas de películas ambientadas en lugares claustrofóbicos y sin salida, Cube es la película de referencia.

Una maravilla por la que el espectador no pierde el interés en ningún momento, que impacta cuando debe hacerlo y no abusa de efectismos baratos. Con unos personajes variopintos y muy bien retratados, definidos siempre a través de unos muy inteligentes y esquemáticos diálogos, la película de Natali supone un capítulo importante dentro de la cada vez más reconocida ciencia-ficción con aires independientes, casi siempre destinada, como es el caso, a convertirse en un trabajo de culto, que obtuvo gran reconocimiento el año en que fue presentada en el Festival de Sitges, consiguiendo los galardones principales, entre ellos el de Mejor Película. Sólo una pega: uno sabe casi al dedillo quién va a palmar y quién va a salvarse, por lo que no hay mucha sorpresa en su desenlace. Aun así, éste, que sigue sin dar detalle alguno sobre el significado del cubo, está rodado extraordinariamente, con una sabia conjugación de la iluminación y la fotografía, que brilla con luz propia en todo momento.

Película imprescindible y apasionante, a pesar de los líos matemáticos de su tramo final con todo lo del puente, los movimientos del cubo y los factores astronómicos, que cualquier aficionado al género no debe dejar de ver.

Calificación
8/10

38 semanas después...

2008-01-19T12:55:00.001+01:00

38 semanas y dos días. Todo el tiempo transcurrido desde el 26 de Abril de 2007, desde que Pliskeen me lo pasó. Pero ha llegado la hora... lo esperaban, lo deseaban... ¡EL GRAN MEME CINÉFILO!

Nadie esperaba que lo fuese a hacer, ni siquiera yo, pero cuando hay sequía se debe recurrir a la recámara, y ahí estaba, apolillado y envuelto en telarañas, el dichoso meme.

Este consiste en señalar, en una interminable lista, todas las películas que un servidor ha visto. Al superar la barrera de los 80 filmes, significará que uno no tiene vida propia. ¡Hay que joderse!

Bueno, vamos allá.

CALIFICACIONES: 'M (Mala)', 'F (Floja)', 'A (Aceptable)', 'MB (Muy buena)' y 'E (Extraordinaria)'.

'The Rocky Horror Picture Show'
'Grease' (MB, lo paso bomba viéndola)
'Piratas del Caribe. La maldición de la Perla Negra' (MB, una de las mejores películas de aventuras de los últimos tiempos)
'Los elegidos'
'The Mexican' (A, es irregular, pero entretiene bastante, sobre todo por Gandolfini)
'El club de la lucha'
'Starsky & Hutch' (A, no es una adaptación reglamentaria, pero es efectiva, y tiene un par de momentazos)
'La historia interminable' (MB, clásico infantil)
'Sillas de montar calientes'
'Aterriza como puedas' (MB, una parodia antológica)
'La princesa prometida'
'El reportero: La leyenda de Ron Burgundy'
'Napoleon Dynamite' (pero es la próxima del 'Fuera de contexto'...)
'Dentro del laberinto'
'Saw' (MB, a pesar de las trampas, gusta mucho y el final es espléndido)
'Saw II' (F, la típica secuela re-orientada al público juvenil)
'White Noise (Más allá)'
'La flor del mal'
'Ejecutivo agresivo'
'50 primeras citas' (F, a pesar de tener un par de chispazos, el conjunto es un mojón)
'Scream' (MB, aunque desató la estirpe de las 'horror-teen')
'Scream 2'
'Scream 3'
'Scary Movie' (A, tiene algún gag bien pensado y es la única buena de la saga)
'Scary Movie 2' (F, retiene parte de la gracia de su predecesora, pero es más de lo mismo)
'Scary Movie 3' (M, una basura, simplemente)
'American Pie' (MB, una de las mejores comedias adolescentes de la historia)
'American Pie 2' (F, la inevitable segunda entrega que no introduce absolutamente ninguna novedad... pese a que lo de la trompeta sea antológico)
'American Pie. ¡Menuda boda!'
'American Pie. Band Camp'
'Harry Potter y la Piedra Filosofal' (MB, gran ejemplo de cine fantástico para todos los públicos)
'Harry Potter y la Cámara Secreta' (A, tiene muchas bajadas de ritmo y es aún más extensa, pero mantiene el nivel y no defrauda)
'Harry Potter y el Prisionero de Azkabán' (MB, la mejor de la saga junto a la primera)
'Harry Potter y el Cáliz de Fuego' (A, fue aquí cuando la saga cayó en declive)
'Resident Evil' (A, muy videoclipera y sin mucho guión, pero entretenida)
'Resident Evil: Apocalipsis' (A, en cierto modo es un despropósito, pero lo pasé mejor que con la anterior)
'El chico ideal'
'Little Black Book'
'El bosque' (E, una maravilla y lo mejor que ha hecho Shyamalan)
'Lilo & Stitch' (MB, no se puede comparar con los clásicos de Disney, pero entretiene ¡y emociona!)
'Lilo & Stitch 2' (F, una secuela más para el mercado del vídeo)
'Buscando a Nemo' (MB, no es lo mejor de Pixar, pero gusta mucho)
'Descubriendo Nunca Jamás' (MB, emotiva, entrenida... pero tramposísima)
'Señales' (MB, película de extraterrestres modélica y muy infravalorada)
'El Grinch' (A, la confirmación de que Ron Howard es un director al servicio de la industria, que hubiese sido peor de no estar cierto genio en el papel protagonista)
'La matanza de Texas' (1978)
'La matanza de Texas' (2004) (la veré esta misma noche con unos amigos)
'Dos rubias de pelo en pecho'
'El efecto mariposa'
'El sueño de mi vida'
'Yo, robot' (A, no es lo mejor de Alex Proyas, pero se pasa bien el rato)
'Cuestión de pelotas'
'Soldado universal'
'Una serie de catastróficas desdichas, de Lemony Snicket' (MB, aún no lo suficientemente reconocida)
'Y entonces llegó ella'
'Deep Impact' (F, trata de ahondar más en la reacción de las personas ante una catástrofe de tales proporciones, pero prefiero 'Armageddon', gracias)
'Vaya par de idiotas' (F, pero le reconozco algunas virtudes)
'Nunca me han besado' (M, un soberano bodrio)
'Los padres de ella' (MB, a estas alturas todo un clásico, con unos monumentales Stiller y De Niro)
'Los padres de él' (A, más de lo mismo, pero gusta si no se le pide mucho)
'Ocho noches locas'
'La sucia historia de Joe Guarro'
'Una cenicienta moderna'
'La terminal' (F, uno de los puntos más bajos de Spielberg)
'Lizzie Superstar'
'Pasaporte a París' (M, de las peores de las gemelas Olsen, que ya es decir)
'Dos tontos muy tontos' (MB, clásico de la comedia, completamente inolvidable)
'Dos tontos muy tontos: Cuando Harry encontró a Lloyd' (M, otra continuación de una película de éxito de Carrey)
'Destino final' (A, me sorprendió gratamente)
'Destino final 2' (M, un desastre de altura, pese a la secuencia de la colisión en la autopista)
'Destino final 3'
'La noche de Halloween' (MB, obra maestra del género)
'The Ring: La señal' (MB, si hablamos del 'remake', lo cierto es que merece la pena. Si nos estamos refiriendo al original, le echaré un ojo pronto, pues está en el 'Fuera de contexto')
'The Ring 2'
'2 colgaos muy fumaos'
'Prácticamente magia' (M, exclusivamente para el lucimiento de sus protagonistas, además de aburridísima)
'Chicago'
'Ghost Ship. Barco fantasma' (F, me eché unas risas, pero creo que no era una comedia)
'Desde el infierno' (tengo el cómic de Alan Moore, pero la película aún no la he visto)
'Hellboy' (M, ¿soy el único que piensa que está muy sobrevalorada? De todos modos, tengo pensado darle una segunda oportunidad)
'La ventana secreta' (MB, el suspense está bien llevado y el giro final a mí sí que me convenció)
'Yo soy Sam' (A, dramón del 15, pero con explosiones de buen cine)
'Falsas apariencias'
'El día de mañana' (F, más allá de sus efectos especiales, tiene todos y cada uno de los tópicos del género y ni siquiera es muy entretenida que se diga)
'Muñeco diabólico' (MB, la única que he visto de la saga, siendo un crío, y recuerdo que me encantó)
'La novia de Chucky'
'La semilla de Chucky'
'10 razones para odiarte'
'Recién casados' (M, rutinaria, previsible y sin ninguna gracias)
'Gothika'
'Pesadilla en Elm Street' (MB, es genial, y Freddy Krueger, mi 'psycho-killer' preferido)
'Dieciséis velas'
'Titanes: Hicieron historia' (A, tramposa, pero me gustó)
'Juego de honor'
'Dos policías rebeldes 2' (F, continuación innecesaria y muy larga, tremendamente inferior a la primera)
'Nunca juegues con extraños' (A, mejor que muchas de su género, pero menor para ser de Dahl)
'Se7en' (E, de no ser porque 'Zodiac' es superior, hablaríamos de la obra maestra de David Fincher)
'Ocean's Eleven. Hagan juego' (MB, es la típica película de atracos imposibles, pero gusta mucho por su falta de pretensiones)
'Ocean's Twelve' (F, se carga el espíritu de la antecesora, quiere ser más ingeniosa, pero sólo es soporífera)
'Identidad' (MB, los hay que han dicho cosas horribles de ella, pero tiene muchas virtudes, a pesar de su extrañísimo final)
'Al diablo con el diablo' (F, no tiene mucha gracia que se diga)
'Depredador' (MB, recientemente reseñada aquí)
'Depredador 2'
'Lone Star'
'Independence Day' (MB, la mejor de Roland Emmerich)
'Cujo'
'Una historia del Bronx' (MB, desasosegante debut de De Niro en la dirección)
'En la oscuridad' (F, imposible no tomarla a cachondeo)
'Christine'
'E.T. (El extra-terrestre)' (E, clásico del cine, sentó las bases del cine familiar)
'Los chicos del maíz'
'La hija de mi jefe'
'Sucedió en Manhattan'
'Escalofrío' (MB, soberbia película de terror, y gran debut de Bill Paxton tras la cámara)
'Best Bet'
'Cómo perder a un chico en 10 días'
'Alguien como tú'
'Las chicas del calendario' (A, está bien, pero demasiado edulcorada a mi gusto)
'Entre copas'
'Mars Attacks!' (MB, una de las películas más divertidas que he visto nunca)
'Horizonte final'
'Por siempre jamás' (F, da verdadera grima)
'Forrest Gump' (MB, es un clásico, pero también la encuentro sobrevalorada)
'Golpe en la pequeña China'
'X-Men' (MB, entretenida y muy divertida, con sentido del ritmo)
'X-Men 2' (A, está bien, pero me aburrió)
'Spider-Man' (MB, no es lo que se esperaba de Raimi, pero es una de las mejores películas de superhéroes que recuerdo haber visto)
'Spider-Man 2' (MB, mejor que la primera, con momentos de una carga dramática espectacular)
'Sky High: Una escuela de altos vuelos'
'Jeepers Creepers'
'Jeepers Creepers 2'
'Atrápame si puedes'
'Los otros' (E, de lo mejor de Amenábar, un prodigio técnico y narrativo con un final que realmente la ensalza)
'Ponte en mi lugar' (F, comedieta de la Disney con Lindsay Lohan, de esas que sólo pueden tener gracia en su país de origen)
'El imperio del fuego'
'Crueles intenciones'
'Crueles intenciones 2'
'Este cuerpo no es el mío' (M, una de las peores películas que he visto en mi vida)
'Fanática'
'El milagro'
'Aquellas juergas universitarias'
'El diario de Noa'
'K-Pax' (A, muy 'new-age', pero amena y con mucho interés)
'El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo' (MB, tuve que verla varias veces, pero en verdad es una película excelente)
'El Señor de los Anillos: Las dos torres' (E, la mejor de la trilogía, pese a sus trampas)
'El Señor de los Anillos: El retorno del Rey' (MB, es un peliculón, pero está muy desmedida, también es muy tramposa, y sus 11 Oscar son una exageración)
'Un paseo para recordar'
'Hitch. Especialista en ligues' (A, de no ser porque el protagonista cae simpático, habría sido infumable)
'El quinto elemento'
'Star Wars. Ep. I: La amenaza fantasma' (A, algo decepcionante, pero demasiado vapuleada. Lo de los midiclorianos es una tomadura de pelo, pero la película entretiene)
'Star Wars. Ep. II: El ataque de los clones' (A, tiene algún momentazo, pero gracias a la historia de amor entre Anakin y Padme y a las muchas tonterías del guión, es la peor de la saga)
'Star Wars. Ep. III: La venganza de los Sith' (E, el motivo por el que la nueva trilogía no era tan innecesaria)
'Star Wars. Ep. IV: Una nueva esperanza' (E, un espléndido y genuino ejemplo de ciencia-ficción y aventuras)
'Star Wars. Ep. V: El Imperio contraataca' (E, sin palabras. Es la mejor de la saga)
'Star Wars. Ep. VI: El retorno del Jedi' (MB, inferior a sus dos antecesoras, pero sigue siendo estupenda, a pesar de los Ewoks)
'La tropa de Beverly Hills'
'El factor sorpresa'
'Air Force One. El avión del presidente' (A, sí, muy fascista, pero lo pasé pipa viéndola)
'A las duras y a las maduras'
'Trainspotting' (E, una película prodigiosa, y obviamente la mejor del reivindicable Danny Boyle)
'El sótano del miedo'
'Terciopelo azul'
'Sonrisas y lágrimas' (MB, es larga, pero merece la pena)
'Tú a Boston y yo a California' (MB, todo un clásico de la Disney)
'Tú a Londres y yo a California' (F, no se puede comparar con la original, aunque tampoco sea abominable)
'Los pájaros' (MB, pero nunca la pondría entre lo mejor de Hitchcock)
'Terminator' (E, la mejor de la saga, y un verdadero clásico del cine)
'Terminator 2: El juicio final' (E, resurrección de la premisa original con el mismo director, la misma calidad, pero muchísimo más presupuesto)
'Terminator 3: La rebelión de las máquinas' (A, muy inferior a las anteriores, pero sigue entreteniendo)
'Empire Records'
'SLC Punk'
'¿Conoces a Joe Black?' (MB, larguísima, pero me gustó mucho)
'Pesadilla antes de Navidad' (MB, el cine de animación no se entendería sin ella)
'El silencio de los corderos' (E, obra maestra y, esta vez sí, el nacimiento de un mito)
'Sleepy Hollow' (MB, para muchos sobrevalorada, pero a mí me resultó fabulosa)
'Extrañas coincidencias'
'24 hour party people'
'Sangre por sangre'
'Thirteen'
'Manic'
'American History X' (está pendiente en el 'Fuera de contexto')
'Deep Blue Sea' (A, quizá sea un despropósito, pero es muy divertida)
'George de la Jungla' (F, tiene un par de buenos chistes, pero no termina de funcionar)
'Operación Canadá'
'Big Black Titties'
'Buen rollito'
'The Jacket'
'Mi pequeño pony'

RECUENTO: 103/187

Bueno, pues... Sí, creo que he visto unas pocas. Ahora, hasta que se me ocurra algo con lo que actualizar, pueden proceder a discrepar conmigo y todas esas cosas. ¡Muchas gracias!

Próximamente, reseña de Cube, así, sin venir a cuento. ¡Algo de cine matemático tendré que meter como preludio a la reseña de Los crímenes de Oxford! Por cierto, otra cosa: ha palmado Bobby Fischer. Sólo era eso.

Ciclo licántropo (y IV): "Aullidos (The Howling)", de Joe Dante

2008-01-16T23:24:00.002+01:00

Con inesperado retraso, finaliza el Ciclo Licántropo iniciado creo que allá por las vacaciones de verano y que, dada mi parsimonia, se ha extendido a lo largo de cinco meses. Mejor, más emoción. Como ya he comentado varias veces, todos los títulos del ciclo han sido propuestos por Pliskeen (¡muchas gracias!) como recomendación, por lo que antes de ponerme con ello no había visto ninguna de estas películas. Vamos con la guinda final del pastel, Aullidos, considerada por muchos una de las mejores películas de hombres-lobo de todos los tiempos además de superior a la otra película de idéntica temática estrenada ese año, Un hombre lobo americano en Londres.

Interesante trabajo, algo distanciado de lo que, hasta ese momento, había marcado el género, que aborda el tema de los licántropos de una manera bastante más seria y formal... y que, si me permiten el atrevimiento, se me atragantó un poco. Esta es una película que podríamos anclar sin problemas entre las "intocables" del género, por lo cual, antes de que procedan a arrojarme objetos de lo más variados y punzantes, trataré de exponer mis argumentos, positivos y negativos, con toda la delicadeza y razonamiento del que sea capaz.

Vaya por delante que se trata de una buena película, completamente consecuente en sus objetivos, y muy sólida en conjunto, pero Dante lo elabora todo de una manera demasiado fría, casi funcional, por lo que Aullidos resulta ciertamente distante casi en todo momento, siendo algo complicado para el espectador meterse del todo en la más bien atípica propuesta del director. De todos modos, desconozco hasta qué punto todo este embrollo podría deberse a la forma en la que fue realizada o, simple y llanamente, como sospecho, al paso del tiempo. Esta vez, no es cuestión de si los efectos especiales -que en su época eran una birguería- ahora se han quedado algo ridículos, pues, a gusto de un servidor, teniendo en cuenta que la película es de 1981, lo de las transformaciones y demás aún sigue impresionando, sino de que las nuevas formas narrativas, ahora algo más fluidas y vivaces, han cambiado e incluso han superado a las de buena parte de las películas de corte clásico, a pesar de los pesares. De este modo, el ritmo con el que Dante lleva la historia no creo que funcione del todo, o, al menos, puede hacerse algo pesado en ciertos pasajes.

El comienzo levanta el justo interés, sin enseñar sus cartas antes de tiempo, de manera que el espectador sabe lo justo hasta que, más o menos, domina cuan narrador omnisciente lo que ocurre en todo momento. De este modo, uno no se aburre, y la escena ambientada en la 'sex shop', o lo que demonios sea, bien podría ser incluída entre lo más destacable del género, o, al menos, lo más "original". Y es que, si algo no le falta a su autor es imaginación para resolver buena parte de las escenas. La estética, las situaciones, muchas veces se sitúan por encima del conjunto, por lo que, al menos, Aullidos logra alejarse las convenciones propias no ya de la licantropía, sino del cine de terror y, además de ofrecer casi hora y media de ejemplar muestra de género, consigue perdurar en la mente del espectador sin problemas dada la fuerza de algunas imágenes y la fortaleza de su conseguidísimo desenlace, lo mejor de la película.

¿Alguna objeción más allá de su edad cinematográfica? Sí: soy de los que defienden que en una pelícual de terror, antes de pasar a la acción, se defina perfectamente el comportamiento y lo que pasa por la mente de los personajes principales a no ser que, precisamente, el rol consista en todo lo contrario, pero creo que a Dante, a la hora de resaltar el trauma que para el personaje de Karen supone la experiencia acontecida al inicio del film, se le va un poco la mano en este aspecto, y los minutos siguientes se antojan algo reiterativos y no lo suficientemente amenos.

Pero, siendo justos, más allá de que al que esto escribe no le haya resultado una diversión sin concesiones, lo correcto sería reconocer que, a pesar de los pesares, por lenta que sea en sus planteamientos, no aburre casi nada, y que, desde luego, Dante, un director con muchísimo talento, como más tarde demostraría en Gremlins, sabe explotar los mimbres de historias tan atractivas como esta, y, desmelenándose lo justo, ofrece casi como compensación por la carga formalísima de algunos pasajes un final memorable. ¡Quién me iba a decir a mí que en una película de licántropos lo que más me iba a llamar la atención sería un pedazo de carne en la freidora como fondo al tránsito de los créditos!

Calificación

7/10

Los pilares de la creación

2008-01-15T22:44:00.001+01:00

Resulta, cuanto menos, sorprendente que en la carrera hacia los Oscar se haya colado de esta manera, entre gángsters, barberos diabólicos y sanguinaros psicópatas, un trabajo tan británico (con todo lo que ello conlleva) y, a su vez, tan hondo y difícil como la película a la que ya podemos referirnos como la ganadora del Globo de Oro al Mejor Drama, Expiación. Más allá de la pasión. Desde luego, parece claro que la propuesta ha dejado indiferente a pocos. Hasta la fecha, he tenido ocasión de leer todo tipo de reseñas sobre ella y, básicamente, parece ser que a unos les pareció todo un tocho y al resto le cautivó. Hoy he tenido ocasión de verla y, a pesar de haberme resultado magnífica, sin concesiones, lo cierto es que entiendo todos los puntos de vista. No he visto Orgullo y prejuicio, el anterior y aclamado trabajo de Joe Wright, ni tampoco he leído la novela de Ian McEwan en la que se basa Expiación (¡no hay tiempo para todo!), pero no hay que olvidar, dirgiéndome principalmente a los puristas, que literatura y cine son medios muy distanciados que rara vez van de la mano, y si tenemos en cuenta que el universo de McEwan, según tengo constancia, es un tanto complejo, no creo que confiar en una adaptación fiel sea lo más apropiado.

De una cosa no cabe duda (aparte de que, antes de se me pase, Keira Knightley es una atriz extraordinaria cuando alguien le da un papel serio, y, desde luego, no es insoportable, al menos no en su versión original): Wright no parece haber tenido problemas en condensar toda la historia y trasladarla por completo a su personal dominio. De no ser porque, como comprenderán, mi criterio es bastante subjetivo, me atrevería a decir con absoluto convencimiento que la dirección es una de las más certeras que se han visto en meses, demasiados meses. Y es que, aunque el realizador, por el momento, no se haya atrevido con una historia original para una película de mayor entidad como lo han sido las dos últimas, consigue imprimir su estilo personal en cada secuencia, haciendo gala de un estilo quizá en esceso académico y preciosista, pero desde luego alejado de experimentos innecesarios tan propios como suelen ser en directores noveles.

Con las ideas claras en todo momento, Wright elabora un trabajo excelente, con un ritmo narrativo muy particular pero, al menos, alejado de la parafernalia de la que parece haberse apropiado el género en los últimos tiempos, que consigue atrapar, desde sus deslumbrantes primeros minutos, al espectador gracias a una historia tan clásica, sencilla y pequeña por la que nunca se pierde el interés, pese a su extensión. Quizás el problema que, creo, puede estar teniendo la película de cara al público sean sus constantes cambios de juego y de variable, sus saltos narrativos y su lentitud. Y, sin embargo, por irónico que resulte, buena parte de la eficacia del film, siendo esto prácticamente una opinión generalizada, reside en sus tres cuartas de hora iniciales donde precisamente predomina la redundancia, la insistencia en resaltar los acontecimientos más importantes y en matizar detalles a veces no tan significativos, pero que sin duda enriquecen un conjunto brillante, que se degusta como un verdadero clásico.

¿Qué ocurre con su segunda mitad? Bien, ciertamente su primer tramo es algo superior, pero yo, personalmente, no noto un descenso de nivel tan grave al llegar a dicho punto, en el que precisamente se da otro de esos saltos narrativos importantes. Aun así, es la parte "difícil", por llamarla de algún modo, de la película, pues es donde tiene lugar todo el tema más o menos bélico, y a Wright, desde luego, no se le va de las manos, al contarlo todo sin estridencias y con pleno control de la carga dramática de cada una de sus secuencias. La bellísima fotografía, la preciosa banda sonora, todo está conseguidísimo, siendo completamente irreprochable a nivel técnico. Sin embargo, por suerte, todo está completamente al servicio de la historia. Wright no es de los que se desmelenan, ni siquiera en lo que a sentimentalismo y melodramatismo se refiere, y sabe aportar las dosis justas de ello, sin empachar y respetando a la inteligencia del espectador.

Mención aparte para el extraordinario epílogo de la película, uno de los puntos álgidos del conjunto. La auténtica protagonista de la película lleva a cabo una fantástica reflexión en torno a la creación artística, a la posibilidad de dominarlo todo cuando la única mano ejecutora que hay sobre el papel es la de uno mismo. La ética, la responsabilidad moral, todo esto se da cita de la manera más inesperada posible en un tercer acto algo extraño, pero lleno de calidad, que pone la guinda a un trabajo, a mi gusto, redondo.

Y es que, pese a no ser una rompetaquillas (de todos modos, salvando las distancias, bien podría ser otro caso Titanic, así que ya saben qué tipo de compañía llevar a la sala...), Expiación es, hasta nuevo aviso, la película de la temporada, o, desde luego, la que probablemente dé más que hablar durante su estreno y quizá tras la entrega de los Oscar, dependiendo de cómo salga todo. American Gangster cuenta con mi beneplácito de cara a la ceremonia, pero de momento me decanto sin titubear por la cinta de Wright, que tiene todos los billetes para salir triunfadora. Y es que, si somos realistas, todos sabemos que estos premios están más que milimetrados, y a la película de Scott no le van a dar el premio gordo justo un año después de entregárselo a Infiltrados. Sweeney Todd, por muy buena que, probablemente, sea (de hecho, ha conseguido el Globo de Oro como Mejor Película Musical), no da el perfil como ganadora del Oscar, y No es país para viejos imagino que será demasiado personal (tengamos en cuenta el par de genios que están tras ella) como para obtenerlo. Bueno, y Juno es la película independiente que todos los años logra un papel importante en las nominaciones y finalmente obtiene el premio al Mejor Guión (Pequeña Miss Sunshine, Pulp Fiction...).

Calificación

8,50/10

El gran crossover (y II): "Depredador", de John McTiernan

2008-01-13T22:59:00.001+01:00

A pesar de que, tanto en su día como ahora, muchos la siguen considerando un infame despropósito, como siempre ocurre con las películas de acción, y, en concreto, con las de Schwarzenegger, lo cierto es que se trata de una de las películas más genuinas y divertidas que nos dio el género en los años ochenta. Lo que ocurre es que hay mucho disparo y mucha explosión, y aún hoy se dan bastantes espectadores, sean del sector que sean, que no terminan de entender el que una película sea tan simple como ver a unos militares intentando volar por los aires a una criatura que, en plena selva, se los está cepillando uno a uno.

Bajo la dirección de John McTiernan, uno de los nombres más importantes del cine de acción de los ochenta, que siempre sabe aprovechar todos los mimbres de los que dispone, el responsable de Jungla de cristal elabora una muy entretenida película que entremezcla el espíritu imperante en la mayoría de las películas que su protagonista realizó por aquella época con el de la ciencia-ficción más cercana a la serie B, todo ello en todo momento circulando por la senda del puro espectáculo. Y es que una película cuyos efectos digitales han aguantado realmente mal el paso del tiempo algo tendrá para que, veinte años después de su estreno, siga haciendo disfrutar a un servidor como un enano. Cierto que está plagadita de tópicos, que el guión es bastante lineal y que buena parte de las situaciones son más bien increíbles, pero no olvidemos, en ningún momento, que se trata de una película de evasión, cuyo único y firme propósito es el de entretener, sin mayores pretensiones, y esta honestidad, de un modo u otro, se acaba agradeciendo realmente en una película de este corte.

La única pega que, en términos nada formales, sino como alegre consumidor de 'blockbusters', podría poner a Depredador es su inicio, en el que no se llega a definir del todo la idea principal al estar planteada de un modo algo cerrado, resultando en dicho tramo prácticamente una más del género. Menos mal que Schwarzenegger, caiga bien o no, es toda una figura dentro del género y esto, junto al oficio de McTiernan, acaba siendo un arma letal no ya para la taquilla, sino para la mera degustación de un sencillísimo y desacomplejado trabajo, interesante, al menos, desde el momento en el que aparece por primera vez la bestia, a pesar de hacerlo a través de una especie de modo de invisivilidad representado de una manera bastante cutrecilla.

Además de Arnie, entre su no especialmente talentoso elenco, encontramos también a Carl Weathers, ni más ni menos que el adversario de Sylvester Stallone en las dos primeras entregas de Rocky, reconvertido en secundario de lujo en sus siguientes secuelas, las realizadas hasta la "emocionantísima" cuarta entrega. Su final ya ha pasado a los anales del género. Si bien es cierto que, por momentos, a algunos puede resultar algo ridículo, no traiciona su propio espíritu y concuerda a las mil maravillas con lo visto hasta ese momento. ¿Soy el único que piensa que lo del barro es una idea cojonuda? Los que no, siempre les quedará disfrutar con el impresionante espíritu de supervivencia de Schwarzenegger, que, pese a ser una de las presas del depredador en cuestión, no llega a hacerse ningún rasguño, y cuando se lo hace, desaparece sin problemas en la siguiente secuencia.

En resumidas cuentas, que será todo lo fascista, desmesurada, burra y rutinaria que más de uno se empeñe en afirmar, pero pocas veces los espectadores tienen la ocasión de pasarlo tan bien con películas de estas características. Y, aunque alguno no pueda ni ver al protagonista, no me creo que nadie se haya aburrido viéndola. Como curiosidad, el papel de Hawkins está interpretado por un joven Shane Black, el guionista de Arma letal y más tarde director de la portentosa Kiss Kiss Bang Bang.

¿Algo más? Ah, sí, el ganador del 'crossover'. Bueno, como aquí de lo que se trata no es de medir fuerzas entre las dos bestias protagonistas de sus respectivas películas, veo que tendré que decantarme por el mejor film. Obviamente, no hace falta más que mirar las calificaciones para intuir que, al menos, un servidor se queda con Alien, el octavo pasajero, pero el ser inferior a toda una obra maestra no creo que sean argumentos suficientes como para restar méritos a una película tan salvajemente entretenida como Depredador.

Calificación

7,50/10